Lluis
Intérprete dotado de un gran talento que demostró
en todos los registros y estilos cinematográficos
Rebelde desde la niñez, el joven Bud (era su sobrenombre familiar) ingresó con dieciséis años, en contra de su voluntad, en la Shattuck Military Academy de Fairbult, Minnesota, donde lejos de «enderezarse», fue expulsado dos años después por insubordinación. Obligado entonces a trabajar en lo que encontraba, fue albañil y conductor de excavadoras mientras sus hermanas se independizaban y partían a Nueva York para probar suerte en el teatro. A comienzos de 1943 se fue a vivir con su hermana Joselyn con el mismo objetivo, aunque para ganarse la vida tuvo que encadenar una sucesión de trabajos eventuales mientras esperaba su oportunidad. Una recomendación lo condujo ante Erwin Piscator, director del Dramatic Workshop en la New School for Social Research, embrión del Actor’s Studio. Allí asistió a las clases de Stella Alder, quien gozaba de gran prestigio por haber sido alumna, en Moscú, de Konstantin Stanislavski, cuyas técnicas aplicaba. Marlon Brando se une al Actor Studio de New York, y comienza su carrera como actor en los escenarios. En 1950, debuta en la gran pantalla en la cinta Hombres, donde encarna a un inválido de la guerra. Un papel que se prepara pasando varios meses en un hospital militar. Su carrera se lanza gracias a Un gran vía llamado deseo (1951), de Elia Kazan. A las órdenes de este realizador interpretará algunos de sus mejores papeles como en La ley del silencio (1954), drama por el que gana el Oscar. Su interpretación en Salvaje le convierte en un icono del séptimo arte. En 1972, se convierte en persona non grata. Pese a ello, Francis Ford Coppola le ofrece el papel de Vito Corleone en El padrino, un personaje que relanza su carrera. Una interpretación que le valió su segundo Oscar, que rechazó en protesta como protesta ante la masacre cometida por los Estados Unidos en los pueblos indígenas. Tras protagonizar El último tanto en París’(1975), Marlon Brando se une a grandes producciones del cine como Superman (1978) y Apocalypse Now (1979). Sus diferencias con Hollywood le llevan a exiliarse a una isla del Pacífico durante diez años. A partir de los ’80, su carrera entra en una etapa de decadencia, aunque sigue participando en numerosas producciones como El novato (1990); La isla de Dr. Moreau (1996) y Un golpe maestro (2001), su última aparición en la gran pantalla. El actor murió el 1 de julio de 2004, tras sufrir una fibrosis pulmonar. Sus restos fueron incinerados a petición de la familia Brando, quien en ese momento atravesaba por serios problemas económicos. (FUENTE: https://www.sensacine.com/)
Las películas interpretadas por Marlon Brando
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HOMBRES
1950 | Fred Zinnemann
UN TRANVÍA LLAMADO DESEO
1951 | Elia Kazan
¡VIVA ZAPATA!
1952 | Elia Kazan
JULIO CÉSAR
1953 | Joseph L. Mankiewicz
LA LEY DEL SILENCIO
1954 | Elia Kazan
DESIRÉE
1954 | Henry Koster
SALVAJE
1954 | László Benedek
ELLOS Y ELLAS
1955 | Joseph L. Mankiewicz
LA CASA DE TÉ DE LA LUNA DE AGOSTO
1956 | Daniel Mann
SAYONARA
1957 | Joshua Logan
EL BAILE DE LOS MALDITOS
1958 | Edward Dmytryk
PIEL DE SERPIENTE
1959 | Sidney Lumet
EL ROSTRO IMPENETRABLE
1961 | Marlon Brando
REBELIÓN A BORDO
1962 | Lewis Milestone
SU EXCELENCIA EL EMBAJADOR
1963 | George Englund
DOS SEDUCTORES
1964 | Ralph Levy
MORITURI
1965 | Bernhard Wicki
LA JAURIA HUMANA
1966 | Arthur Penn
SIERRA PROHIBIDA
1966 | Sidney J. Furie
LA CONDESA DE HONG-KONG
1967 | Charles Chaplin
REFLEJOS EN UN OJO DORADO
1967 | John Huston
CANDY
1968 | Christian Marquand
LA NOCHE DEL DÍA SIGUIENTE
1969 | Hubert Cornfield
QUEIMADA
1969 | Gillo Pontecorvo
EL PADRINO
1972 | Francis Ford Coppola
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TEXTO COMPLETO DE LA DECLARACIÓN: Esta declaración fue escrita por Marlon Brando para ser pronunciada en la ceremonia de los Premios de la Academia donde el Sr. Brando rechazó un Oscar. La oradora, que leyó sólo una parte, fue Shasheen Littlefeather. BEVERLY HILLS, California -- Durante 200 años hemos dicho al pueblo indio que lucha por su tierra, su vida, sus familias y su derecho a ser libres: "Depongan las armas, amigos míos, y entonces permanecer juntos. Amigos míos, sólo si deponéis las armas podremos hablar de paz y llegar a un acuerdo que sea bueno para vosotros". Cuando depusieron las armas, los asesinamos. Les mentimos. Les estafamos y les quitamos sus tierras. Los matamos de hambre para que firmaran acuerdos fraudulentos que llamamos tratados y que nunca cumplimos. Los convertimos en mendigos en un continente que dio vida desde que la vida tiene uso de razón. Y según cualquier interpretación de la historia, por retorcida que sea, no hicimos lo correcto. No fuimos lícitos ni justos en lo que hicimos. Para ellos, no tenemos que restaurar a estas personas, no tenemos que cumplir con algunos acuerdos, porque nos es dado en virtud de nuestro poder para atacar los derechos de otros, quitarles sus propiedades, quitarles la vida. cuando intentan defender su tierra y su libertad, y hacer de sus virtudes un crimen y de nuestros propios vicios virtudes. Pero hay una cosa que está fuera del alcance de esta perversidad y es el tremendo veredicto de la historia. Y la historia seguramente nos juzgará. ¿Pero nos importa? ¿Qué clase de esquizofrenia moral es la que nos permite gritar con toda nuestra voz nacional para que todo el mundo escuche que estamos a la altura de nuestro compromiso cuando cada página de la historia y cuando todos los días y noches sedientos, hambrientos y humillantes de ¿Los últimos 100 años en la vida de los indios americanos contradicen esa voz? Parecería que el respeto a los principios y el amor al prójimo se han vuelto disfuncionales en este país nuestro, y que todo lo que hemos hecho, todo lo que hemos logrado con nuestro poder es simplemente aniquilar las esperanzas de los países recién nacidos en este mundo, así como a amigos y enemigos por igual, que no somos humanos y que no cumplimos con nuestros acuerdos. ¿Quizás en este momento te estés preguntando qué carajo tiene que ver todo esto con los Premios de la Academia? ¿Por qué esta mujer está parada aquí, arruinando nuestra velada, invadiendo nuestras vidas con cosas que no nos conciernen y que no nos importan? Perder nuestro tiempo y dinero e inmiscuirnos en nuestros hogares. Creo que la respuesta a esas preguntas tácitas es que la comunidad cinematográfica ha sido tan responsable como cualquier otro de degradar al indio y burlarse de su carácter, describiéndolo como salvaje, hostil y malvado. Ya es bastante difícil para los niños crecer en este mundo. Cuando los niños indios ven televisión y películas, y cuando ven su raza representada tal como son en las películas, sus mentes resultan heridas de maneras que nunca podremos saber. Recientemente se han dado algunos pasos vacilantes para corregir esta situación, pero demasiado vacilantes y muy pocos, por lo que yo, como miembro de esta profesión, no siento que, como ciudadano de los Estados Unidos, pueda aceptar un premio aquí esta noche. Creo que en este país en este momento no es apropiado recibir o otorgar premios hasta que la condición de los indios americanos se altere drásticamente. Si no somos guardianes de nuestro hermano, al menos no seamos su verdugo. Habría estado aquí esta noche para hablar con usted directamente, pero sentí que tal vez podría ser más útil si iba a Wounded Knee para ayudar a impedir en cualquier forma que pueda el establecimiento de una paz que sería deshonrosa mientras la correrán los ríos y crecerá la hierba. Espero que quienes están escuchando no consideren esto como una intrusión grosera, sino como un esfuerzo serio para centrar la atención en una cuestión que muy bien podría determinar si este país tiene o no derecho a decir de ahora en adelante que creemos en los derechos inalienables de todas las personas a permanecer libres e independientes en las tierras que han sustentado su vida más allá de la memoria viva. Gracias por su amabilidad y cortesía hacia la señorita Littlefeather. Gracias y buenas noches. |
LOS ÚLTIMOS JUEGOS PROHIBIDOS
1972 | Michael Winner
EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS
1973 | Bernardo Bertolucci
MISSOURI
1976 | Arthur Penn
SUPERMAN
1976 | Richard Donner
APOCALYPSE NOW
1979 | Francis Ford Coppola
LA FÓRMULA
1980 | John G. Avildsen
UNA ÁRIDA ESTACIÓN BLANCA
1989 | Euzhan Palcy
EL NOVATO
1990 | Andrew Bergman
CRISTÓBAL COLÓN, EL DESCUBRIMIENTO
1992 | John Glen
DON JUAN DE MARCO
1995 | Jeremy Leven
LA ISLA DEL DOCTOR MOREAU
1996 | John Frankenheimer
THE BRAVE
1997 | Johnny Depp
ASALTA COMO PUEDAS
1998 | Yves Simoneau
THE SCORE. UN GOLPE MAESTRO
2001 | Frank Oz
Marlon Brando. La conceptualización
de los personajes de Tennessee Williams
Ramón Navarrete-Galiano
La figura de Marlon Brando dentro de la historia del cine universal, supone un referente global sobre determinados personajes icónicos. Brando se convirtió en el símbolo del personaje y transgresor y maldito, como se puede observar en la mayoría de su filmografía. Ese tipo de personajes cuentan con un referente en la obra teatral de Tenessee Williams. Brando obtuvo uno de sus primeros éxitos, justo al inicio de su carrera, en la película Un tranvía llamado deseo, inspirada en la obra homónima de Williams. A partir de ese momento el actor conceptualizó, dio forma y expresión a esos seres malditos y transgresores de la obra williamsiana, que ya nunca abandonó y que reflejó en muchas de sus posteriores intervenciones fílmicas como La jauría humana (1966) o Apocalipse Now (1979).
Enlaces de interés
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Director que modeló el panorama del cine europeo durante gran parte del siglo XX
Director de cine italiano. Su infancia, evocada posteriormente en películas como Ocho y medio y Amarcord, en gran parte autobiográficas, transcurrió en su ciudad natal, Rímini, donde estudió en la escuela del asilo San Vincenzo. Sus primeras grandes aficiones, antes de descubrir su pasión por el cine, fueron el dibujo y la caricatura. A los diecisiete años publicó en una revista sus primeras caricaturas, que representaban a los compañeros del campamento de verano de la organización juvenil del Partido Nacional Fascista al que había asistido en el verano de 1936. En 1951 se estrenó como director, primero codirigiendo, junto a Alberto Lattuada, el filme Luces de varieté, y posteriormente en su ópera prima El jeque blanco, basada en una idea de Michelangelo Antonioni. Al año siguiente ganó su primer premio: un León de Plata por Los inútiles en la Mostra de Venecia. En 1954, y en aquel mismo certamen, ganó un León de Plata por su siguiente película, La strada, su primer filme de resonancia internacional y que le reportaría, así mismo, su primer Oscar; protagonizada por su esposa, esta realización inicia la transición del director desde el neorrealismo hacia un cine más personal, de marcado tono autobiográfico y repleto de elementos fantásticos. Sus siguientes películas recibieron toda clase de premios internacionales, como la Palma de Oro en el Festival de Cannes por La dolce vita, con la cual obtuvo un importante éxito comercial y supuso el inicio de su colaboración con el actor Marcello Mastroianni, que se convertiría en habitual a partir de entonces. Ocho y medio (1963) marca claramente el comienzo de la segunda etapa del cine felliniano, de exuberante fantasía y barroquismo y con un humor de rasgos surrealistas. Giulietta de los espíritus (1965) originó cierta polémica, que se repetiría en otras películas, por el impúdico erotismo que la atraviesa y por la ironía con que se trata a sí mismo y a la sociedad italiana, especialmente la Iglesia. Películas como Roma o Y la nave va marcan la posterior producción de este cineasta, dueño de un universo muy personal y de un estilo extremadamente libre. En 1993, poco antes de su muerte, recibió su quinto Oscar al conjunto de su carrera en una conmovedora ceremonia en la que estuvo flanqueado por Sofia Loren y Marcello Mastroianni, sus dos más célebres actores, y su esposa, Giulietta Masina. (FUENTE: https://www.biografiasyvidas.com/)
Las películas dirigidas por Federico Fellini
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LUCES DE VARIEDADES (1950)
Codirigida con Alberto Lattuada
Reparto principal | Peppino De Filippo, Giulietta Masina, Carla Del Poggio, Franca Valeri
Cuando una joven de belleza y talento se une a un grupo de vodevil de provincia, de repente están tocando en público y su cómico Checco Dalmonte tiene grandes ideas. Se enamora de la ingenua Liliana e ignora a su compañera de varios años, Melina. Además, creyendo que puede ser un empresario, contrata a otros actores y comienza a ensayar para una revista que estará protagonizada por Liliana y él mismo. Liliana admira a Checco, pero Adelmo, el asistente del mayor empresario de la región, la lleva por la ciudad. Primera película de Federico Fellini. El director contó con la colaboración de Alberto Lattuada y ambos ambientaron la historia en el mundo del espectáculo donde el amor y la ambición se mezclan.
La película significó el inicio de la carrera como director de Federico Fellini, si bien fue una colaboración (en la producción, dirección y guion) con Alberto Lattuada. Hasta ese momento, Fellini había trabajado principalmente como guionista (notable su participación en Roma, città aperta, de Roberto Rossellini), mientras que Lattuada era ya un reconocido y respetado director de películas neorrealistas y de adaptaciones literarias.
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Reparto principal | Alberto Sordi, Brunella Bovo, Leopoldo Trieste, Giulietta Masina
Un matrimonio italiano de provincias viaja a Roma para ser recibidos por el Papa. En la capital, ambos se separan accidentalmente y ella termina en el set de rodaje de un filme protagonizado por Fernando Rivoli, el actor de sus sueños, al que ha mitificado a través de sus películas favoritas. Lo malo será que en sólo unas horas, descubrirá que en la vida real es un auténtico calzonazos, carente de cualquier encanto. Esto le servirá para valorar más a su propio esposo.
Estructurada sobre una serie de viñetas que se mueven entre el realismo y la fantasía, ésta fue la primera película rodada en solitario por Federico Fellini (sobre un guión escrito por él mismo y por Michelangelo Antonioni). A destacar la gran interpretación de su protagonista masculino: Alberto Sordi.
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Reparto principal | Franco Interlenghi, Alberto Sordi, Franco Fabrizi, Jean Brochard
El director Federico Fellini, nos narra en esta cinta la historia de Moraldo, Riccardo, Leopoldo, Fausto y Alberto, cinco jóvenes gandules que viven en una bonita ciudad italiana a orillas del Adriático. Este grupo de amigos se pasa la vida en el bar holgazaneando con el único propósito de no dar un palo al agua. Fausto, el más mujeriego de la pandilla, pronto experimentará un cambio radical en su vida. Llega el verano y con él la primera verbena popular. Durante la celebración Sandra, la hermana de Moraldo, sufre un desmayo. Descubren que el motivo de tal desaliento es que está embarazada de Fausto y ante las presiones familiares deciden casarse. A pesar de ello, el joven le es infiel a su mujer, pero no le queda más remedio que ponerse a trabajar para mantener a su hijo. El resto de la pandilla continuará con sus vacuas aspiraciones, pero el tiempo irá transcurriendo poniendo a cada uno en su lugar.
Sátira dramática de los jóvenes desocupados italianos, que Federico Fellini dirigió en los principios de su carrera como director, a partir de una historia original que él mismo escribió, con la colaboración de Ennio Flaiano y Tullio Pinelli. A pesar de ser una cinta primeriza dentro de la carrera del italiano, ésta ya se aleja de la caligrafía convencional del cine del momento y hace gala de la tan particular forma de concebir la narración que siempre demostró el director. Además, también adelanta algunos de los temas que años más tarde se convertirían en eje de sus filmes más célebres: la utilización de sus personajes soñadores, que desean escapar de la realidad que les envuelve.
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Película formada por seis cortos realizados por distintos directores: Carlo Lizzani (L'amore che si paga), Michelangelo Antonioni (Tentato suicidio), Dino Risi (Paradiso per tre ore), Federico Fellini (Un' agenzia matrimoniale), Francesco Maselli y Cesare Zavattini (Storia di Caterina), Alberto Lattuada (Gli Italiani si voltano)
Amor pagado Filmada por Carlo Lizzani, siete prostitutas romanas de diferentes edades, algunas de ellas madres solteras, cuentan sus "historias de abandono y engaño".
Intento de suicidio Cinco jóvenes que han intentado suicidarse tras ser abandonadas por su pareja, cuentan y recrean sus historias ante la cámara de Michelangelo Antonioni.
Paraíso por tres horas Dino Risi representa los distintos encuentros en un evento de salón de baile que se celebra todos los domingos por la tarde entre las 5 y las 8.
Agencia matrimonial Federico Fellini cuenta la historia de un periodista que investiga sobre agencias matrimoniales, fingiendo estar buscando esposa para un amigo rico que sufre de licantropía. Para su sorpresa, sólo unos días después se le presenta una perspectiva.
Historia de Caterina Francesco Maselli y Cesare Zavattini siguen a Caterina, una joven madre soltera condenada al ostracismo por sus padres, que es juzgada por abandonar a su hijo al que no puede alimentar.
Los italianos miran Secuencia de hombres reaccionando al paso de mujeres bonitas, filmada por Alberto Lattuada.
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Reparto principal | Anthony Quinn, Giulietta Masina, Richard Basehart, Aldo Silvani
El forzudo campeón de halterofilia Zampano, que actúa rompiendo cadenas con su pecho por los pueblos junto a su inocente y servil novia Gelsomina (la cual le compró a su madre por 10.000 liras y una pequeña cantidad de comida), se unen al payaso trapecista Matto para formar una curiosa 'troupe' de circo itinerante. Pero la colaboración entre todos no dura demasiado. Preocupado por lo mal y violentamente que suele tratar Zampano a la dulce Gelsomina, con habituales episodios de maltrato físico, Matto intenta convecerla para que huya con él. Sin embargo, Gelsomina, como si fuera una mascota fiel, rechaza todas las oportunidades para abandonar al forzudo. Al final, el temperamento volcánico de Zampano empieza a estallar demasiado a menudo, lo que sólo puede terminar acarreando trágicas consecuencias.
Película ‘puente’ entre las propuestas iniciales de Fellini, más próximas al neorrealismo, y su posteriores proyectos, que mostraron un cine mucho más personal. En ella encontramos a Anthony Quinn y a Giulietta Masina como protagonistas. Masina, que fue la musa y compañera de Fellini, interpreta a un personaje al que quedó ligada durante mucho tiempo y que repitió en filmes como “Las noches de Cabiria” o “Giulieta de los espíritus”. “La Strada” fue recibida con diversidad de opiniones. En Italia, por ejemplo, no acabó de cuajar, en cambio, en EE.UU. gustó tanto, que se llevó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Lo que nadie discutió fu la calidad de las interpretaciones del dúo prtagonista y de la partitura original, compuesta por Nino Rota.
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Reparto principal | Broderick Crawford, Richard Basehart, Giulietta Masina, Franco Fabrizi
Un veterano estafador de poca monta, Augusto, que se dedica a engañar a los campesinos, trabaja mano a mano con dos tipos jóvenes: Roberto, que quiere convertirse en el Johnny Ray italiano, y Bruno, apodado Picasso, que tiene mujer e hija y querría ganarse la vida con su pasión principal, la pintura. Augusto evita los vínculos personales y se gasta el dinero en clubes "de buena vida". Su actitud cambia cuando se topa con su propia hija, a la que él a penas veía, y se da cuenta de que ella es ahora una bonita joven que necesita ayuda para continuar con sus estudios. Sus compañeros habituales no se encuentran allí en ese momento y él decide seguir adelante con otro grupo de gente para dar el golpe. A posteriori, tendrá problemas con el resto por haber tenido esa iniciativa y que de ese dinero no se hayan beneficiado todos. Acabarán dándole una paliza y robándole.
Una nueva disección de la sociedad italiana de mediados de la década de los 50, llena de fuerza y simbolismo, de la mano de un Federico Fellini que ya dejaba traslucir en este trabajo sus dotes como fiero observador de la realidad. Y es que, más que centrarse en la historia, Fellini puso el énfasis en describir la solitaria tristeza que caracteriza a las vidas de los protagonistas, especialmente al personaje de Broderick Crawford. Por cierto, el título español poco tiene que ver con el original italiano, mucho más simple y descriptivo y menos moralista: "El timo".
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Reparto principal | Giulietta Masina, François Périer, Franca Marzi, Dorian Gray
Cabiria se prostituye para vivir, pero esta situación no le impide tener confianza en poder tener una vida mejor. Despreciada por un amante que intenta matarla arrojándola al río Tíber y humillada por un actor de cine que con el que está brevemente descubre la buena vida, aún mantiene la vitalidad y firmeza de su dignidad. A pesar de que sus "colegas" no paran de burlarse de ella, Cabiria se defiende de ellos con la fuerza que tiene con sus sueños y esperanzas de una vida mejor, animándose siempre después de cada desengaño y desencuentro. Cabiria decide participar en una peregrinación con la esperanza de un milagro que cambie su vida. Tiempo después, durante una actuación, conoce a un hombre que, más allá de su particular desconfianza, acaba siendo atento, simpático, trabajador, desinteresado... La persona que Cabiria siempre había soñado tener a su lado. Cuando él le propone matrimonio, no cabe de la felicidad que tiene. Quizá ahora su suerte cambia para siempre.
Un conmovedor drama neorrealista de Federico Fellini, protagonizado por su esposa, Giulietta Massina, una actriz que provenía del teatro cómico- musical. Para la crítica, esta coproducción italo-francesa reúne muchas de las grandes cualidades del cine de Fellini como son su realización en las escenas de multitudes, la creación de atmósferas urbanas fantasmagóricas y su peculiar sentido del humor. El director logró con este título el segundo Oscar de su carrera. Y aunque el filme sufrió la censura de la época, sirvió de inspiración de un musical de Broadway titulado “Sweet Charity”. El reparto lo completan, entre otros, Amedeo Nazzari, Francois Perier, Mario Passante y Franca Marzi. Otra de las notas destacables es la banda sonora de Nino Rota.
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Reparto principal | Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée, Lex Barker
Marcello es un periodista romano de la prensa del corazón, aunque no pierde la esperanza de convertirse en un escritor serio. Enviado a recibir en el aeropuerto a una famosa estrella de cine, queda prendado de ella y le propone llevarla a recorrer la ciudad, entre los brillos fatuos de una lasciva vida nocturna. Su recorrido termina con un baño en la Fuente de Trevi, donde Marcello, sorprendido por el excéntrico proceder de la chica, le confiesa tímidamente su pueril admiración. Con el amanecer, la magia de aquella aventura se disuelve y el incauto periodista es agredido por el novio de la actriz. La existencia fragmentada de Marcello, seducido por los frívolos placeres de la "dolce vita" romana, se expresa en los encuentros de cada día, entre los caprichos y amenazas de una amiga celosa y paranoica, la malograda relación con su padre y los vicios compartidos con una aristocracia árida y artificial.
Tras haber obtenido dos años consecutivos el Oscar a la mejor película extranjera por "La strada" y "Las noches de Cabiria", Federico Fellini se vio capaz y con los medios suficientes para abordar un filme sobre la Roma que le había fascinado toda la vida. No lo hizo a través de un argumento al uso, sino con una serie de escenas representativas, organizadas alrededor de un eje principal: las correrías de un periodista donjuanesco y desencantado. De entre estas escenas, las hay que han quedado como iconografías dentro de la historia del cine, como la del famoso baño de Anita Ekberg en la Fontana de Trevi. Premiada con la Palma de Oro en Cannes, la película representó la definitiva consagración de Marcello Mastroianni.
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Reparto principal | Anita Ekberg, Romy Schneider, Sofia Loren, Peppino De Filippo
Cuatro de los directores italianos más brillantes que ha dado el cine dirigen sendos episodios que adaptan algunos de los cuentos del Decamerón a los años 70. Mario Monicelli dirige "Renzo y Luciana", historia de una pareja de clase media trabajadora que se ve obligada a casarse para no perder su empleo, así como a conseguir por todas las fuerzas una habitación donde poder vivir. Por su parte, Federico Fellini se encarga de "Le tentazioni del dottor Antonio", episodio que versa sobre un hombre trastornado por un anuncio. Luchino Visconti, en "Il lavoro", se centra en un conde cuyas escapadas con prostitutas le llevan a problemas. Finalmente, Vittorio De Sica se dirige "La riffa", un episodio que acontece en Nápoles.
Comedia satírica que reúne a cuatro de los directores más brillantes de Italia adaptando una serie de historias cortas: Vittorio De Sica, Federico Fellini, Mario Monicelli y Luchino Visconti. Las cuatro historias tienen una temática común, las obsesiones eróticas y el ideal femenino, que es distinto en cada autor. Para dar vida a estas mujeres, los cuatro directores gozaron de la presencia de los rostros más famosos del cine europeo: Sofía Loren, Romy Schneider, Anita Ekberg y Marisa Solinas.
Reparto principal | Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo
Guido Anselmi es un prestigioso director de cine que se encuentra en mitad de un proyecto imposible de acabar. El realizador está atravesando una crisis de inspiración y la presión ejercida por los que le rodean no le ayuda a salir del ensimismamiento. En un intento por encontrar la inspiración a través de la tranquilidad, Anselmi viaja hasta un balneario donde pasará una temporada, pero lo suyo es una misión imposible. Su esposa, el productor de la película, su amante, los actores… Todos le piden que hable del proyecto y él lo único que quiere es olvidarlo. Durante estos días se sumerge en el universo de sus recuerdos para intentar encontrar a su musa allí. Revisar los acontecimientos de su vida, los detalles olvidados con el paso del tiempo y también sus amantes ayudan a este director a evitar la particular muerte de su creatividad.
El tema principal de la película es la crisis creativa de un artista, el problema de confrontarse con las expectativas de todos (productores, periodistas, amigos), y también la crisis existencial de un hombre, que se aferra a los recuerdos y a los sueños para soportar el peso de la vida. Fellini encuentra en el final una solución original e inesperada al problema de la crisis existencial. Este final es el fruto de la genialidad creativa de Fellini.
Reparto principal | Giulietta Masina, Sandra Milo, Valentina Cortese, Sylva Koscina
Giulietta es una ama de casa atormentada por las sospechas de infidelidad de su esposo y el hastío de su tan poco gratificante vida. Así las cosas, la mujer acude a sesiones de espiritismo con la intención de obtener una respuesta a sus dudas, aunque se encontrará con algo más que eso. Giulietta conoce a Susy, una mujer muy diferente a ella que vive de manera pasional y sensual por y para el amor. El ama de casa experimentará un cambio interior radical al adaptar su conducta a la de un espíritu que se comunica con ella. Un trasiego entre la vida real y los sueños que se fusionan en la mente de la protagonista.
Sólo un año después de conseguir el Oscar a mejor película de habla no inglesa con “Fellini ocho y medio”, Federico Fellini dirigió “Giulietta de los espíritus”. Un filme que confirma el progresivo distanciamiento del cineasta de sus orígenes neorrealistas, para construir ahora una filmografía de clara dimensión onírica y surreal. Este universo personal -el mundo de los sueños y las fantasías- lo recupera ahora inspeccionando los fantasmas de un personaje femenino interpretado por su propia esposa, Giulietta Masina (protagonista también de otras de sus películas. Una mezcla entre fantasía y realidad reforzada por la música de Nino Rota.
Reparto principal | Jane Fonda, Terence Stamp, Alain Delon, Brigitte Bardot
Adaptación de tres relatos asombrosos del especialista Edgar Allan Poe, a cargo de tres directores, Roger Vadim, Louis Malle y Federico Fellini) que permanecen muy fieles a sus respectivos estilos. Aunque se trata de un proyecto que les llega de fuera, los asumen y encajan en sus personales universos.
En 'Metzengerstein', que dirige Roger Vadim, una joven libertina del medievo, la condesa Frédérique, no soporta que su primo, el barón Wilhelm, no caiga rendido ante sus encantos, como hacen todos los hombres. Así que, despechada, incendia sus tierras. El barón muere, pero la aparición de un caballo indómito se diría que es la reencarnación del difunto. Aunque visualmente impactante, puden a Vadim sus obsesiones rayanas en lo kitsch, evidentes en los modelitos ligeros de ropa que le toca lucir a Jane Fonda.
Louis Malle se hace cargo de 'William Wilson', una extraña historia que el protagonista cuenta en el confesionario a un cura, y que tiene que ver con una larga rivalidad que mantiene el Wilson del título con otro hombre que se llama igual que él, y que le reprocha todo el tiempo sus miserias. Quizá es el mejor episodio del film, con momentos inspirados como el de la partida de cartas.
Finalmente, Federico Fellini dirige 'Toby Dammit', que estéticamente encaja con su cine más delirante y surrealista. Su adaptación de Poe le lleva a nuestros día, junto a un actor que se supone va a protagonizar el primer western católico, toda una parábola de la redención. Pelín cargante, lo más sugerente es la partitura de Nino Rota.
La historia de Vadim -que recrea el cuento 'Metzengerstein'- conlleva un cierto toque de perversión no tanto por el vestuario y la decoración fetichista sino por hacer que los hermanos Fonda (Jane y Peter) mantengan una relación amorosa en la ficción. El cuento de Louis Malle, 'William Wilson', tiene como protagonistas a Alain Delon y Brigitte Bardot (que, curiosamente, era la pareja sentimental de Vadim). Fellini es quien más fielmente reproduce el original de Poe. En su historia basada en el cuento 'Toby Dammit', el protagonista es el británico Terence Stamp.
Reparto principal | Martin Potter, Hiram Keller, Salvo Randone, Capucine
Encolpius es un estudiante de la antigua Roma que se ve inmerso en un mundo de total perversión. Primero es secuestrado, esclavizado y sometido a todo tipo de brutalidades. Pero consigue escapar de todo esto y lograr, por fin, la libertad. Basada en “El Satiricon” de Petronio, se trata de una de las películas más reputadas de Federico Fellini, que muestra su particular visión de la Roma de Nerón. Fellini hace el retrato de una ciudad corrupta, libertina y ahogada por la lujuria. Y lo hace con unas imágenes de estética casi repulsiva, buscando el feísmo. Además, tal como es habitual en el cine de su director, encontramos entre los secundarios a los más extravagantes personajes, uno de ellos interpretado por Lucía Bosé. El papel del joven Encolpio corrió a cargo del debutante Martin Potter, joven actor británico procedente del mundo de la televisión cuya carrera posterior sería más bien gris.
Basada en “El Satiricon” de Petronio, se trata de una de las películas más reputadas de Federico Fellini, que muestra su particular visión de la Roma de Nerón. Fellini hace el retrato de una ciudad corrupta, libertina y ahogada por la lujuria. Y lo hace con unas imágenes de estética casi repulsiva, buscando el feísmo. Además, tal como es habitual en el cine de su director, encontramos entre los secundarios a los más extravagantes personajes, uno de ellos interpretado por Lucía Bosé. El papel del joven Encolpio corrió a cargo del debutante Martin Potter, joven actor británico procedente del mundo de la televisión cuya carrera posterior sería más bien gris.
Reparto principal | Federico Fellini, Anita Ekberg, Charlie Rivel, Pierre Étaix
Con los payasos como base de la trama, Fellini divide el film en cuatro partes. La primera es una vista a la infancia y a los recuerdos de la niñez; luego muestra una visión adulta de las ilusiones personales. Le sigue una parte documental donde los payasos dejan de representar ese rol para hacer de sí mismos y contar cómo es su vida; y más tarde, Fellini cierra la historia con una función de estos payasos que sirve como colofón. Original producto para la televisión que rodó Federico Fellini, y que luego se pudo ver en las pantallas de cine.
Documental dividido en varias partes que incluye entrevistas con antiguos payasos famosos que fueron olvidados, escenas de la infancia del propio director y explicaciones sobre su obsesión por el circo.«En Los clowns está todo Fellini, desparramado de manera evidente: todas las constantes de su vena creativa, sus debilidades y sus maldades, sus pudores y sus efusiones, sus credulidades y sus escepticismos.»
Reparto principal | Dennis Christopher, Anna Magnani, Alberto Sordi, Gore Vidal
Un relato impresionista sin argumento de Italia, y más concretamente, Roma, de la mano de uno de sus ciudadanos más reconocidos, el cineasta Federico Fellini. Mezcla la autobiografía, a través de una curiosa reconstrucción de la Roma de los últimos años de Fellini, con escenas de la vida romana de aquel entonces a medio camino entre la realidad y la ficción. El joven Fellini, interpretado por Peter Gonzales, se mueve en un bloque de viviendas y explora los caracteres salvajes que viven en su barrio. En esta locura, veremos también segmentos de la historia de Roma y los problemas en el gobierno, incluyendo un mítico discurso improvisado de Gore Vidal Un burdel, una psicodélica sala de música, un cine, un burdel y una delirante reunión de clérigos serán algunos de los surrealistas espacios que visitamos en Roma.
"Roma" es una de las películas más personales y complejas de Fellini. Rodada con un estilo semi documental y más autobiográfica que nunca, el director vierte en ella, una vez más, su visión amarga y humorística de la especial psicología de los romanos. Además, intercala entrevistas con personajes como Gore Vidal, Aberto Sordi, Ana Magnani o Marcello Mastroianni. El resultado es una cinta episódica y enigmática, que recicla ideas y temas de otros de sus trabajos y casi funciona como una parodia de los mismos.
Reparto principal | Pupella Maggio, Armando Brancia, Magali Noël, Ciccio Ingrassia
Un retrato carnavalesco de la provincia Italia durante el período fascista. La película más personal de Federico Fellini que satiriza su juventud y convierte la vida cotidiana en un circo de los rituales sociales, los deseos adolescentes, fantasías masculinas, y subterfugios políticos. Emprende así un viaje hacia las ilimitadas dimensiones de su memoria, cuando Titta era un niño italiano que vivía en un pequeño pueblo costero, en la Italia de los años treinta. Entonces el fascismo se encontraba en su punto de mayor gloria en dicho país...
La película se convierte en una narración que carece de argumento, consistiendo en una serie de sensaciones y recuerdos más o menos entrelazados de Federico Fellini. El director, a través de los ojos de Titta, el niño protagonista, realiza una mirada introspectiva a la familia, la religión, el amor, el sexo, la educación, la política y su pasión por el cine. Entre la multitud de personajes que aparecen destacan sus padres, en constante pelea; y el sacerdote del pueblo, que utiliza las confesiones de sus feligreses para dar rienda suelta a su imaginación.
Reparto principal | Donald Sutherland, Tina Aumont, Daniel Emilfork, Isabel Pisano
Giacomo Casanova es más viejo de lo que desearía, está más solo de lo que querría y los recuerdos de su juventud hieren más de lo que nunca imaginó. Este viejo bibliotecario ha vivido una vida intensa y ahora, en el castillo del Dux donde trabaja, rememora sus múltiples amores y aventuras del pasado. En un ambiente italiano dieciochesco, Casanova consigue abrir una ventana con los recuerdos y escapar de la frustración que siente. Antiguas amantes como fueron la costurera o Ana María, entre otras, vuelven por un momento a ser realidad en la mente del polifacético hombre.
Con este film, Federico Fellini nos aporta un billete de ida y regreso dudoso a su imaginería interna. Con un estilo muy personal, el director italiano consigue llenar de realismo una creación libre y ficticia, resultado de su enorme universo interno. En el reparto destaca Donald Sutherland en el papel de Casanova, aunque en un principio las distribuidoras pensaron en Robert Redford para interpretar el papel, Fellini lo rechazó.
Reparto principal | Balduin Baas, Clara Colosimo, Sibyl Amarilli, Daniele Pagani
En una tranquila capilla romana ahora convertida en oratorio, un veterano grupo de ancianos se reúne para llevar a cabo un ensayo orquestal. El ambiente distendido y las bromas de los miembros de la orquesta cesan de inmediato cuando reciben la noticia de que un equipo de televisión estará presente durante el ensayo, no es obligatorio hablar con ellos, pero tampoco habrá compensación adicional por hacerlo. Al principio, acceden contando entrañables historias acerca de los instrumentos y sus primeros acercamientos a la música, pero cuando el director alemán llega todo cambia. Les propina insultos, gritos y demandas que ninguno está dispuesto a aceptar. Tras el momento de tensión, el director, tras las insistencia del delegado sindical, decide concederles 20 minutos del descanso, pero no sabe que es lo peor que podría haber hecho. Después del descanso todo es un caos: la banda se revela y se niega a seguir con la grabación del programa. Fellini explora las diversas alegrías, tristezas, frustraciones, y triunfos de los músicos, con la orquesta como metáfora de la propia humanidad.
Película diferente dentro de la fabulosa y variada filmografía de Fellini que se encuentra tan lejana de la etapa neorealista como de la fase posterior en que mezclaba ficción, realidad y sueños. Está considerada como una obra menor por ser una producción realizada directamente para la pequeña pantalla, por su escasa duración y…porque después de tantas películas deslumbrante, un proyecto como este empalidece al lado de algunos de sus clásicos. Sin embargo se trata de un film suficientemente interesante. La temática musical parece ser el centro de la narración y en apariencia realiza esta función. En un corto lapso de tiempo de unas pocas horas, vemos como se reúne para ensayar un orquesta y podemos observar como los músicos van ocupando los atriles. Fellini se vale del falso documental para abordar a los protagonistas y hacerles hablar sobre sus costumbres, manías, opiniones musicales… Es en esta primera parte donde se acumulan las mejores escenas de humor en torno a las rivalidades habituales entre las diferentes familias instrumentales -cuerdas, vientos, percusión….- aireando las típicas rencillas entre los diferentes instrumentistas.
Reparto principal | Marcello Mastroianni, Ettore Manni, Donatella Damiani, Jole Silvani
Marcello Mastroianni es un hombre soñador que, un buen día, se deja llevar por la belleza de una misteriosa mujer. Estando en un tren, la joven vierte su agua sobre él como señal de provocación y, acto seguido, se baja del vagón. Marcello la sigue pero ésta desaparece. Es entonces cuando el protagonista encuentra un gran hotel donde se está celebrando una conferencia feminista. Intenta escapar pero las mujeres lo amenazan en masa. El maestro Federico Fellini, uno de los mejores cineastas que ha conocido la historia del cine, desenmascara en esta película el mito del hombre seductor y se vale para ello de un amplia red de personajes femeninos.
Una vez más, el creador de películas tan célebres como "La dolce vita" o "Fellini 8½" vuelve a la comedia y el surrealismo con "La ciudad de las mujeres", la historia de un hombre que, impulsado por la pasión carnal a traicionar a su mujer, recibe después una lección sobre él mismo y lo que son los sexos. Federico Fellini, uno de los cineastas italianos más importantes, utiliza el humor para tratar temáticas que afectan a toda la sociedad. Marcello Mastroiani encarna este personaje que va en busca de descubrimiento, dos años después de haber sido nominado a un Oscar por su papel en "Una jornada particular" el drama de Ettore Scola. Mastroiani y Fellini trabajan juntos en más de diez de las obras del cineasta a lo largo de sus carreras.
Reparto principal | Freddie Jones, Barbara Jefford, Peter Cellier, Elisa Mainardi
Mirada evocadora al viaje por mar en 1914 que tiene como objetivo esparcir en el océano las cenizas de una cantante de ópera de fama mundial, la gran diva Tetua. Entre los pasajeros del barco se encuentra su círculo de amigos más cercanos, formado por un número variopinto de aristócratas, políticos, cantantes, gente de mundo del espectáculo, artistas y hasta un rinoceronte. Las interacciones episódicas entre tan pintoresco grupo humano forma el núcleo de la travesía, que se desarrolla con calma hasta que surgen complicaciones inesperadas como un grupo de refugiados serbios a los que el capitán se ve obligado a rescatar cuando el navío se encuentra con ellos perdidos en el mar al tercer día de navegación. Son algunos de los primeros refugiados en salir huyendo del comienzo de la Primera Guerra Mundial.
Un crucero definitivamente felliniano, tanto por su flagrante surrealismo como por su deliciosa comedia del absurdo. Aunque quizás algo desigual, aún está lleno de impactantes imágenes y de esos rostros indelebles que tanto abundaban en el cine de su director, además de ofrecer una secuencia inicial absolutamente hipnótica.
Reparto principal | Giulietta Masina, Marcello Mastroianni, Franco Fabrizi, Totò Mignone
Amelia y Pippo se reúnen en un plató de televisión, después de varias décadas de separación, para llevar a cabo su antigua actuación musical en la que imitan a Ginger Rogers y Fred Astaire. Para ellos, este encuentro supone una conmovedora mirada en el pasado. Relajada y divertida sátira del mundo de la televisión y del culto a toda clase de celebridades, muy alejada del cine críptico que ha caracterizado a buena parte de la filmografía de Federico Fellini.
Relajada y divertida sátira del mundo de la televisión y del culto a toda clase de celebridades, muy alejada del cine críptico que ha caracterizado a buena parte de la filmografía de Federico Fellini. La cinta tiene el atractivo añadido de ver emparejados a Giulietta Masina, mujer y musa del director, que regresó al cine después de 23 años; y al alter ego de Fellini en algunas de sus mejores obras, Marcello Mastroianni. El filme obtuvo cuatro galardones en los premios David di Donatello, entre ellos el de mejor actor, para Mastroianni.
Reparto principal | Anita Ekberg, Marcello Mastroianni, Federico Fellini, Sergio Rubini
Penúltima película de Federico Fellini y digno final para un director de su estilo. Su cine, lleno de excesos e historias fuera de lo común, lo vuelve a reproducir en esta película, donde lo real y lo ficticio se mezclan a su antojo llegando a confundir al espectador. En su trama, un periodista japonés desea hacer un reportaje sobre Federico Fellini. Con esta 'disculpa', el director italiano da rienda suelta a su imaginación, y todo lo que es su cine lo expone aquí con ánimo de poner punto y final a su carrera.
Cinecittá, el gran estudio de cine en las afueras de Roma, ha cumplido 50 años y Fellini es entrevistado por un equipo de la TV japonesa, a quienes explica su forma de trabajar. Cine dentro del cine, “Entrevista” pretende integrar todas las representaciones presuntamente objetivas de la realidad, subordinando los medios que se arrogan el monopolio de éstas (prensa y Televisión) a la fantasía del autor. El nominado al Oscar en nueve ocasiones por diferentes filmes, Federico Fellini, es el responsable de esta cinta.
Reparto principal | Roberto Benigni, Paolo Villaggio, Nadia Ottaviani, Marisa Tomasi
La voz de la luna se adentra en la sociedad italiana de 1989 a través de las vidas de los dos protagonistas que se encuentran entre la difusa frontera de la locura y la cordura: uno de ellos, recién salido del psiquiátrico sin estar curado; el otro, un funcionario que está convencido de que el mundo en el que vive y que le rodea es falso. En esta ocasión, Fellini dirige esta misteriosa y libre adaptación de la obra "El poema de los lunáticos" de Ermanno Cavazzoni.
Es la última obra del director transalpino, que moriría en 1993. Contó con actuación de Roberto Benigni, Paolo Villaggio y Nadia Ottaviani.1 Volviendo a temas antes explorados en La strada (1954), Fellini crea una parábola sobre los susurros del alma que solo los locos y los vagabundos son capaces de escuchar. Basada en la novela Il poema dei lunatici de Ermano Cavazzoni, la película trata sobre un falso inspector de pozos y un exprefecto que deambula por el campo de Emilia-Romagna (lugar de la infancia de Fellini) y descubre una distopía de anuncios de televisión, fascismo, concursos de belleza, música de rock, catolicismo y rituales paganos.
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1947 | Mejor guion | Roma, ciudad abierta | Nominado |
| 1950 | Mejor argumento y guion | Paisà | Nominado |
| 1957 | Mejor Película Internacional | La strada | Ganador |
| Mejor guion original | Nominado | ||
| 1958 | Mejor Película Internacional | Las noches de Cabiria | Ganador |
| Mejor guion original | Los inútiles | Nominado | |
| 1962 | Mejor director | La dolce vita | Nominado |
| Mejor guion original | Nominado | ||
| 1964 | Mejor Película Internacional | 8½ | Ganador |
| Mejor director | Nominado | ||
| Mejor guion original | Nominado | ||
| 1970 | Mejor dirección | Satiricón | Nominado |
| 1975 | Mejor Película Internacional | Amarcord | Ganador |
| 1976 | Mejor dirección | Nominado | |
| Mejor guion original | Nominado | ||
| 1977 | Mejor guion adaptado | Casanova | Nominado |
| 1993 | Óscar honorífico | Ganador | |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1953 | León de Plata | Los inútiles | Ganador |
| 1954 | León de Plata | La strada | Ganador |
| Premio OCIC - Mención especial | Ganador | ||
| 1969 | Premio Pasinetti -Mejor película italiana | Satyricon | Ganador |
| 1970 | Premio Pasinetti -Mejor película italiana | Los Clowns | Ganador |
| 1985 | León de Oro a toda una carrera | - | Ganador |
Otros premios
Honores
Año |
|
|---|---|
| 1964 | Orden al Mérito de la Grande Ufficiale OMRI de la República Italiana |
| 1974 | Premio a la Trayectoria del Festival de Cine de Cannes |
| 1985 | La trayectoria del Festival de Cine de Venecia |
| 1985 | Premio de la Film Society of Lincoln Center por logros cinematográficos |
| 1987 | Orden al Mérito de la República Italiana Cavaliere di Gran Croce OMRI |
| 1987 | Beca BAFTA |
| 1989 | Premio a la Trayectoria de los Premios del Cine Europeo |
| 1990 | Praemium Imperiale de la Asociación de Arte de Japón |
| 1993 | Premios de la Academia a la trayectoria |
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en la crítica y en el cine español
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Enlaces de interés
YouTube: Video de Federico Fellini - Películas: Películas de Federico Fellini
Imágenes: Imágenes de Federico Fellini - Videos: Más videos de Federico Fellini
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Fue distinguido por la reina con una Orden del Imperio Británico
Actor, director y productor de cine inglés, nació en Cambridge el 29 de agosto de 1923. Realizó sus estudios en la Real Academia de Arte Dramático y en 1941 se subió por primera vez a un escenario. Su debut en la gran pantalla tuvo lugar en 1942 con Sangre, sudor y lágrimas, dirigida por David Lean y Noel Coward. Alcanzó la fama en 1947 gracias a su interpretación en Historia de una cobardía, papel que le encasillaría para siempre. Protagonista de numerosos filmes británicos, en 1963 debuta en el cine estadounidense con La gran evasión de John Sturges. Su primera cinta como director llega en 1969 con ¡Oh, qué guerra tan bonita!, a la que posteriormente siguen numerosos títulos como Un puente lejano o Ghandi. Durante este tiempo se alejó de la interpretación hasta 1993, cuando trabaja en una de las películas más taquilleras de la historia del cine, Parque Jurásico de Steven Spielberg.
Las películas dirigidas por Richard Attenborough
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - DeCine21 - Cineyseries.net
¡OH, QUÉ GUERRA TAN BONITA! (1969)
Reparto principal | Maggie Smith, Dirk Bogarde, Phyllis Calvert, Jean Pierre Cassel
Sátira musical acerca de la Primera Guerra Mundial, tomada de un montaje para los escenarios del mismo nombre. Sigue a diversos miembros de una familia apellidada Smith, que se encuentra en primera línea de los sucesos más significativos del conflicto, que incluye momentos como el de la famoso tregua de Navidad.
El film supuso el debut en la dirección del Richard Attenborough, y demostró pulso firme tras la cámara para ser su primera vez. La trama destila una ironía muy "british", e incluye alegres canciones, como la que da título al film. Resulta increíble el reparto estelar de grandes actores, casi todos en pequeños papeles.
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EL JOVEN WINSTON (1972)
Reparto principal | Robert Shaw, Anne Bancroft, Jack Hawkins, Ian Holm
El argumento se trata de un biopic acerca de los primeros años de la existencia de Winston Churchill, quien con el paso de los años se acabó convirtiendo en una figura realmente reconocida y célebre en el ámbito político tanto a nivel nacional como mundial. La pantalla muestra la forma en la que sus progenitores prácticamente se despreocuparon de atender sus necesidades, debido a que estaban demasiado ocupados en llevar a cabo sus respectivas gestiones de la forma más adecuada posible. Con motivo de los numerosos consejos y peticiones que su padre, un mandatario de ideología puramente tradicionalista, le había realizado a lo largo de mucho tiempo, toma la decisión de adentrarse en las tropas de su nación para formar parte del conflicto bélico anglo-bóer que se extendió durante tres largos e interminables años. A pesar de su buena disposición y de su capacidad para afrontar una batalla de estas dimensiones, el protagonista estuvo muy cerca de haber perdido la vida en el transcurso de la peligrosa confrontación. Una vez que se dio por concluida la guerra, se percató de que lo más sabio era centrarse por completo en su carrera gubernamental con la intención de asegurar un futuro próspero y alentador para todos sus conciudadanos.
El actor y director Richard Attenborough fue el encargado de llevar a la pantalla la vida del que fuera Primer Ministro inglés durante la II Guerra Mundial. Partiendo de las memorias del propio político, el guionista Carl Foreman adaptó los textos y recibió una nominación al Oscar por ello. Y todo para una película que empezaba a mostrar al Attenborough interesado en las biografías de personajes famosos, sobre todo los relacionados con la Historia británica. Diez años después de El joven Churchill, el cineasta inglés sería reconocido por la Academia por su biopic sobre Gandhi (1982), y veinte más tarde intentaría repetir el éxito con Chaplin (1992).
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UN PUENTE LEJANO (1977)
Reparto principal | Dirk Bogarde, James Caan, Michael Caine, Sean Connery
Basada en la novela homónima del reportero de guerra Cornelius Ryan, la historia narra los sucesos acaecidos durante la Segunda Guerra Mundial en la Operación Market Garden. El relato comienza en septiembre de 1944. Tras el éxito que tuvo el Desembarco de Normandía, los Aliados desean realizar una última misión para finalizar la guerra en la mayor brevedad posible. Para ello, el Comandante Supremo Aliado, Dwight D. Eisenhower, decide que la mejor operación es la elaborada por el mariscal británico Montgomery. El objetivo de la misión es invadir Alemania para acabar con la industria armamentística nazi y rodear al enemigo volando los puentes que comunican las ciudades más importantes. Para ello lanzan a 35.000 paracaidistas con el objetivo de rodear a los soldados alemanes y hacerles una emboscada. Pero la disparatada operación acaba siendo un fracaso, causando miles de bajas entre el bando Aliado.
Basada en un libro del historiador Cornelius Ryan y dirigida por el británico Richard Attenborough, la película reconstruye un hecho poco recordado de la Segunda Guerra Mundial: la última gran batalla ganada por los alemanes, que tuvo lugar en Holanda y que les costó a los aliados más bajas que en el desembarco de Normandía. Para su rodaje, Attenborough contó con el presupuesto más alto destinado hasta entonces a un filme bélico, y reunió un elenco de primeras figuras, típico de las producciones de este género, entre las que estaban Robert Redford, Sean Connery, Michael Caine, James Caan y Gene Hackman. Indispensable para los amantes del cine bélico.
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MAGIC: EL MUÑECO DIABÓLICO (1978)
Reparto principal | Anthony Hopkins, Ann-Margret, Burgess Meredith, Ed Lauter
Corky es un mago de naipes que se gana realizando espectáculos allí donde quieren sus servicios. La gente no aprecia su trabajo, y poco a poco se da cuenta de que le llegan menos ofertas y que debe deambular por distintos bares y antros. Es por eso por lo que decide introducir un elemento nuevo en su espectáculo, un muñeco ventrílocuo, Fats, con el que inmediatamente consigue la fama. Sin embargo, mientras degusta las mieles de su éxito, Corky comienza a darse cuenta de que Fats no es un mueco ordinario. Cuando el manager de Corky le propone acudir a un programa de televisión, él acepta sin dudarlo. Pero cuando le exigen un examen médico previo, Corky entra en pánico y escapa con su muñeco a una cabaña abandonada. Allí, Fats demuestra tener una mente propia y re torcida, y su objetivo es controlar totalmente a su amo. Horrorizado, Corky tratará de deshacerse de él. Se iniciará así una serie de hechos que sembrarán el terror y harán temer a Corky por su vida.
Tercera intervención de Anthony Hopkins a las órdenes de Richard Attenborough, que parte de una novela de William Goldman, convertida en guión por él mismo. El film, con regusto a serie B, tiene buenas dosis de suspense y terror a cargo de Hopkins, todo un maestro en crear tensión gracias a su siniestro personaje y su alter ego, Fats, jugando a la ambigüedad de un modo inteligente. Porque Fats en principio no es más que un trozo de plástico y pelo de mentira, pero parece tener personalidad propia, a través de Corky, llegando a parecer un protagonista más. De hecho el muñeco se hizo a propósito con un cierto parecido a Hopkins, con un rostro comparable, y jugando con ropa similar, como si fueran hermanos, o uno la versión en muñeco del otro.
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GANDHI (1982)
Reparto principal | Ben Kingsley, Candice Bergen, Edward Fox, John Gielgud
La película abre con el día en el que Mahatma Gandhi es asesinado y su posterior funeral, al que acudieron multitud de personas de toda la India, así como diversos mandatarios del resto del mundo. En ese momento de luto, y de recuerdo hacia la figura del pacifista indio, un flashback lleva al espectador a conocer mejor su vida desde su juventud. A finales del siglo XIX, un joven Gandhi es sacado de un tren en Sudáfrica por el mero hecho de ser indio, a pesar de que había comprado su billete. Este hecho hace que inicie una protesta pacífica por los derechos de los indios en el país. A pesar de ser detenido varias veces, sigue persistiendo en sus objetivos pacifistas a su vuelta a la India. La masacre mandada por los británicos en Amritsar genera una fuerte presión en el país en contra de los colonos y un sentimiento de independencia generalizado. Tras obtener la India su independencia, los problemas siguen vigentes con las diferencias entre hindúes y musulmanes. Gandhi se declara en huelga de hambre hasta que las rencillas entre ambos cesen. La proclamación de Pakistán, que se desliga de la India, conllleva la negativa de Gandhi, quien vio que no era el camino para llegar a un acuerdo. A pesar de tratar de lograr la paz entre ambas naciones, sus intentos no funcionan, llegando la película al punto de partida, donde Gandhi es asesinado.
Esta película es un tributo de admiración a uno de los personajes más importantes del siglo XX: Mahatma Gandhi, el hombre que consiguió la independencia de India del dominio británico con la política de resistencia pasiva. El responsable de esta colosal biografía del líder político y espiritual de la India fue el director Richard Attenborough que eligió al entonces desconocido Ben Kingsley para darle vida. Tanto director como actor consiguieron el Oscar por este trabajo. Además, el filme se alzó con otras seis estatuillas: mejor película, guión original, dirección artística, fotografía, vestuario y montaje, convirtiéndose en la gran vencedora de la edición de 1983.
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A CHORUS LINE (1985)
Reparto principal | Michael Douglas, Alyson Reed, Terrence Mann, Sharon Brown
Un centenar de bailarines y bailarinas han de realizar unas pruebas en el escenario de un teatro para demostrar si son aptos para la comedia musical que prepara Zach. De manera implacable se va desarrollando la selección hasta que solamente quedan diecisiete. Entre ellos está Cassie, que fue la amante de Zach y que lo dejó para probar suerte en Hollywood. Zach la rechaza al principio, mientras los otros candidatos, por orden de lista, responden las preguntas del director, situado en la penumbra. Solamente ocho de estos artistas serán los ganadores de esta competición despiadada.
Muchos decían que este éxito de Broadway era casi imposible de filmar, pero el británico Richard Attenborough se encargó de demostrar lo contrario llevando el proyecto a buen puerto. La respuesta de la crítica, sin embargo, no fue buena, poniendo en entredicho varios aspectos del filme, especialmente la decisión de enfatizar la historia de amor entre el director y una exbailarina, desvirtuando la esencia de la obra teatral, que se centraba en las aspiraciones de unos jóvenes bailarines. Quizás ello se debió a que el del director, que en la obra teatral nunca aparecía en el escenario, oyéndose solo su voz, fue el único personaje del filme interpretado por una estrella (Michael Douglas). El resto, los aspirantes, fueron encarnados por un reparto de desconocidos bailarines que difícilmente se han vuelto a ver en el cine.
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GRITA LIBERTAD (1987)
Reparto principal | Kevin Kline, Denzel Washington, Penelope Wilton, Alec McCowen
Historia dramática basada en hechos reales. Este es el relato de la vida de Stephen Biko, un activista conocido por su lucha contra el apartheid sudafricano, vista a través de los ojos de su amigo Donald Woods, el editor jefe de raza blanca de un periódico liberal llamado Daily Dispatch. Biko quiere conseguir, así, la igualdad de derechos entre razas en Sudáfrica. Woods escribió, en un principio, varios editoriales críticos sobre Biko, pero, tras conocerle, por primera vez, cambia de opinión. Se reúnen varias veces y Woods y su familia comienzan a ser investigados por la policía. Biko es asesinado por el gobierno en 1977 debido a sus protestas en contra de su mal trato a los ciudadanos negros del país. El periodista sudafricano se ve obligado a huir del país tras intentar investigar la muerte bajo custodia de su amigo el activista de raza negra. Además, Woods está escribiendo un libro sobre la vida de Biko y la única manera de lograr que éste se publique es escapar ilegalmente en el país.
Drama sobre el racismo y la amistad ubicado en la Sudáfrica de finales de la década de 1970, en plena era de segregación. Dirigido por el cineasta británico Richard Attenborough, "Grita libertad" se basa en un hecho real, concretamente en el vínculo que desarrollan un periodista blanco, Donald Woods, y el activista negro Steve Biko. Buenas interpretaciones de Denzel Washington (candidato al Óscar) y Kevin Kline, y memorables banda sonora y canción original (igualmente candidatas para la estatuilla), ambas compuestas por George Fenton y el gran maestro del jazz sudafricano, Jonas Gwangwa.
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El joven Charlie Chaplin, miembro de una numerosa familia que se gana la vida en los teatros de mala muerte de Londres, ve a su padre morir alcoholizado y a su madre enferma trabajando duramente para sacar adelante a su hermano y a él. Chaplin entra a trabajar en una compañía de música y pantomima, que le lleva de gira por Estados Unidos. Allí conoce al productor de cine Mack Sennett que le convertirá en una estrella gracias a su capacidad para conectar con el público. Activista a favor de los derechos de las minorías y de la entrada de los Estados Unidos en la II Guerra Mundial para detener el avance nazi, pronto es tildado de izquierdista y, tras la guerra, el Comité de Actividades Antiamericanas le llama a declarar. Colosal 'biopic' centrado en la azarosa vida de uno de los grandes genios del cine de todos los tiempos, emprendido por el británico Richard Attenborough, un especialista en el género como demuestran títulos anteriores como Gandhi o El joven Winston.
Colosal 'biopic' centrado en la azarosa vida de uno de los grandes genios del cine de todos los tiempos, emprendido por el británico Richard Attenborough, un especialista en el género como demuestran títulos anteriores como "Gandhi" o "El joven Winston". Con un reparto plagado de estrellas, fue nominado a los Oscars en las categorías de mejor actor (para un fabuloso Robert Downey Jr.), banda sonora y dirección artística. No ganó ninguno de los tres.
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Reparto principal | Anthony Hopkins, Debra Winger, Edward Hardwicke, Joseph Mazzello
Sensible acercamiento a la figura del escritor británico C.S. Lewis, célebre por su obra apologética del cristianismo, y por su saga infantil "Las crónicas de Narnia". El film se basa en la pieza teatral de William Nicholson, inspirada a su vez por la obra de Lewis "Una pena en observación", transformada en guión cinematográfico por él mismo. En él se nos muestra a Lewis, o Jack, como le llaman sus amigos, como una figura pública bien asentada, prestigioso escritor y profesor universitario en Oxford, que vive una vida cómoda y ordenada con su hermano Warnie, según el "estuche" que él mismo se ha fabricado cuidadosamente. Un día recibe una carta de Joy Gresham, una escritora estadounidense admiradora de su obra que desea conocerle con su hijo. Creyendo que se tratará de un encuentro más, Lewis pronto queda fascinado por Joy, y nacerá algo llamado amor. Pero junto al amor llegará el dolor del que tanto ha hablado teóricamente en conferencias -"El dolor es el cincel con el que Dios habla a un mundo de sordos", suele tronar con convicción-, pues a Joy le diagnostican una enfermedad terminal. Aceptar trance tan doloroso es el desafío de Lewis, a quien como le recordará su amada, ha de tener en cuenta que "el dolor de hoy es parte de la felicidad de entonces".
Inspirada en personajes reales y basada en una obra teatral de William Nicholson, "Tierras de penumbra" significa un paréntesis intimista en la filmografía de Richard Attenborough, realizador conocido en aquel entonces por la dirección de superproducciones. La cinta cuenta con el protagonismo de Anthony Hopkins, aunque los laureles fueron a parar a una Debra Winger que ya veía lejano uno de sus grandes éxitos: "Oficial y caballero". Y es que la actriz estadounidense optó al Oscar a mejor actriz principal por su trabajo en la que nos ocupa. Por cierto, existe otra versión de la misma historia, rodada en 1985 para la televisión, con Joss Ackland y Claire Bloom en los papeles principales.
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Reparto principal | Sandra Bullock, Chris O'Donnell, Mackenzie Astin, Philippe Leroy
Durante la Primera Guerra Mundial en Italia, Ernest Hemingway es un joven americano, voluntario de la Cruz Roja que, en su afán de involucrarse más en el conflicto, resulta herido en una pierna. Trasladado a un hospital de Milán, consigue salvar la pierna gracias a los cuidados de Agnes, una enfermera británica. A partir de ese momento y pese a ser siete años menor que ella, entre ambos empieza una apasionada historia de amor. Poco después del fallecimiento de Ernest Hemingway, se descubrió la correspondencia que mantuvo con la enfermera Agnes von Kurowsky, durante la Primera Guerra Mundial. Esa relación sentimental dio pie a esta película de Richard Attenborough que supone su sexto largometraje biográfico.
Poco después del fallecimiento de Ernest Hemingway, se descubrió la correspondencia que mantuvo con la enfermera Agnes von Kurowsky, durante la Primera Guerra Mundial. Esa relación sentimental dio pie a esta película de Richard Attenborough que supone su sexto largometraje biográfico. Para dar vida a sus dos protagonistas, Attenborough eligió a dos jóvenes estrellas de Hollywood: Chris O’Donnell y Sandra Bullock. Pese a ello, el filme se estrelló en las taquillas de todo el mundo. Dice la leyenda que la poderosa influencia que ejerció Agnes en Hemingway inspiró en éste en la creación del personaje femenino principal de “Adiós a las armas”, una de sus más famosas novelas.
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Años 30. Archie Búho Gris espera en su camerino el comienzo de una función-conferencia; este indio es uno los principales activistas ecologistas que hay sobre la faz de la tierra. Un periodista se le acerca, asegurando que lo sabe todo sobre él. Comienza entonces, remontándose al pasado, el relato de la apasionante vida de Búho Gris. Un tipo solitario, trampero y cazador, que vivía en medio de un enorme bosque, en las montañas del Norte de Ontario. Un día cambia su vida al conocer a Anahareo en el pueblo donde suele comprar provisiones para el invierno. Ella es de origen indio, pero su padre renegó de sus ancestros para occidentalizarse. Ahora Anahareo quiere rastrear en las tradiciones de los indios, y piensa que nadie mejor que Búho Gris para guiarle en su personal búsqueda. Aunque al principio Búho Gris marca las distancias –se muestra arisco y nunca cuenta nada personal–, pronto nace una atracción mutua.
Un filme basado en un hecho real, servido con la sobriedad y la limpieza de intenciones que caracterizan el cine del realizador británico Richard Attemborough. El director utiliza aquí la historia de Búho Gris para lanzar un mensaje ecologista y concienciador. Como cómplice, se vale de un Pierce Brosnan siempre ansioso de demostrar que su dimensión como actor va mucho más allá del personaje de James Bond. A destacar el hábil guión de William Nichols y una preciosa fotografía de Roger Pratt, un reputado artesano.
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Reparto principal | Shirley MacLaine, Christopher Plummer, Mischa Barton, Neve Campbell
Ethel Ann, una anciana de un pueblo de Carolina del Norte, acaba de perder a Chuck, su marido, un veterano aviador, y tiene dificultades para relacionarse con Marie, su hija. Para honrar al difunto, Jack, otro veterano piloto, realiza una pequeña exhibición aérea en el entierro. Éste sigue enamorado de Ethel Ann desde su juventud, cincuenta años atrás, cuando formaba un trío inseparable de amigos con Chuck y otro apuesto joven, Teddy. Éste último fue el que en realidad conquistó en su momento a Ethel Ann, que sólo se separó de él por culpa del bombardeo de Pearl Harbor, y la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. Mientras tanto, en Belfast (Irlanda del Norte), un maduro individuo rebusca algo en los restos de un avión siniestrado durante la citada guerra. Se le une un muchacho que encontrará entre los escombros un anillo de oro con dos nombres escritos: Teddy y Ethel Ann.
Richard Attenborough llevaba sin rodar desde antes del cambio de milenio. Especializado en su faceta de cineasta que lleva al cine las biografías de grandes hombres como Mahatma Gandhi (Gandhi), Charles Chaplin (Chaplin), C.S. Lewis (Tierras de penumbra) o Steve Biko (Grita libertad), Attenborough eligió en esta ocasión una historia de ficción, pero que curiosamente comparte título y algo de temática bélica con el quinto volumen de las memorias de Winston Churchill. El primer volumen dio pie al primer biopic del director, El joven Winston, de 1972, por lo que su última película cierra una especie de círculo.
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Premios y nominaciones
Año |
Título | premios de la Academia | Premios BAFTA | Premios Globo de Oro | |||
|---|---|---|---|---|---|---|---|
| Nominaciones | Premio | Nominaciones | Premio | Nominaciones | Premio | ||
| 1969 | ¡Oh! Que hermosa guerra | 10 | 6 | 1 | 1 | ||
| 1972 | Joven Winston | 3 | 6 | 1 | 2 | 1 | |
| 1977 | Un puente lejano | 8 | 4 | ||||
| 1978 | Magic | 1 | 1 | ||||
| 1982 | Gandhi | 11 | 8 | 16 | 5 | 5 | 5 |
| 1985 | A Chorus Line | 3 | 2 | 2 | |||
| 1987 | Grito libertad | 3 | 7 | 1 | 4 | ||
| 1992 | Chaplin | 3 | 4 | 1 | 3 | ||
| 1993 | Tierras de penumbra | 2 | 6 | 1 | |||
| Total | 25 | 8 | 60 | 19 | 18 | 7 | |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1960 | Premio Zulueta al mejor actor | Objetivo: banco de Inglaterra | Ganador |
| 1964 | Concha de Plata al mejor actor | Plan siniestro | Ganador |
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los antecedentes del proyecto de la película
La escasa afición de Gandhi por el cine pudo ser la causa de la reducida producción cinematográfica en los años inmediatamente posteriores a su asesinato. Rachel Dwyer, profesora emérita inglesa, especialista en cine hindi, ha localizado algunos documentales y cortometrajes: Mahatma Gandhi (1940) de Chettiar, The Light That Shone (1948), Mahatma Gandhi: Twentieth Century Prophet (1953) de Stanley Neal. Después del estreno de la película Gandhi (1982), de Richard Attenborough, ha habido otras filmaciones de resultado diverso, Hey Ram (2000), de Kamal Hassan (en tamil, telugu e hindi), en donde se narra la peripecia de una pareja de enamorados en medio de las revueltas entre hindúes y musulmanes al producirse la partición; The Legend of Bhagat Singh (2002), de Rajkumar Santoshi, sobre la vida de un socialista, Bhagat Singh, que apoyó el movimiento de no cooperación de Ghandi; Lage Raho Muna Bhai (2006), de Rajkumar Hirari, donde un supuesto profesor de historia quiere conquistar a una joven, aprovechando sus conocimientos sobre la vida de Gandhi; Gandhi, My Father (2007), de Feroz Abbas Khan, sobre la compleja relación con su hijo mayor Harilal.
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Mel Gibson
Ha dejado huella como director, por La Pasión de Cristo o Braveheart
Mel Columcille Gerard Gibson, más conocido como Mel Gibson, nació en Peekskill, Nueva York, el 3 de enero de 1956. Este actor, director y productor de cine australiano-estadounidense nacionalizado irlandés es hijo de Hutton Gibson y de Anne Reilly Gibson, y nieto de una cantante de ópera australiana llamada Eva Mylott. Mel Gibson nació y vivió sus primeros años en Estados Unidos, donde su padre conseguía el sustento económico para el hogar trabajando para la compañía de ferrocarriles New York Central. Pero en 1968 Hutton sufrió un accidente laboral y demandó a la empresa obteniendo una indemnización de 145.000 dólares. Corrían tiempos vertiginosos en lo político y, ante la posibilidad de que sus hijos mayores fueran enviados a Vietman, Gibson padre partió con su familia a Australia. Ya adulto, Mel Gibson volvería a los Estados Unidos a probar suerte en lo que más lo estimulaba: la actuación. Fue así que tras varios intentos logró ser convocado para formar parte de una de las películas que se convertirían en ícono de los años 80: Mad Max. Luego llegaría la saga Arma mortal, que lo volvería una cara conocida del cine y finalmente se coronaría con la afamada Braveheart, película que también dirigió y de esa manera terminó de despertar el interés de la Academia por su trabajo, que le otorgó la famosa estatuilla como Mejor director por su labor. Quizás conocemos todas sus películas como actor, pero no como director. Esta es la obra de Mel Gibson como director de cine. (FUENTE: https://www.clarin.com/).
Las películas dirigidas por Mel Gibson
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
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MEL GIBSON GOES BACK TO SCHOOL: HAMLET (1991)
Documental
Mel Gibson le da clase a un grupo de estudiantes de arte dramático, usando Hamlet de William Shakespeare como materia.
EL HOMBRE SIN ROSTRO (1993)
Reparto principal | Mel Gibson, Nick Stahl, Margaret Whitton, Fay Masterson
Convertido en un recluso después de un trágico accidente de automóvil en que queda desfigurado, Justin Mcleod se aparta del mundo y evita el contacto con la sociedad que le ha condenado a ser un marginado. Pero un verano conoce a un niño huérfano de padre y con una madre y una hermana que no le prestan ninguna atención y se convierte en su amigo y profesor. Ambos tienen en común una desgracia personal que les lleva a recluirse en un mundo cerrado y tremendamente personal.
Mel Gibson, ya asentado en el cómodo estatus de superestrella, se atrevió en 1993 a dirigir "El hombre sin rostro", su ópera prima, basada en una novela de Isabelle Holland. Gibson decidió dirigirse a sí mismo después de serle imposible encontrar a otro actor que le satisfaciera lo suficiente para encarnar el papel protagonista.
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BRAVEHEART (1995)
Reparto principal | Mel Gibson, Sophie Marceau, Angus Macfadyen, Patrick McGoohan
Al regresar a su patria después de la muerte de un rey sin herederos, William se encuentra con un panorama político precario. Eduardo, Rey de Inglaterra, ha capturado el trono de Escocia y amenaza la libertad de todos los escoceses con políticas tiránicas. William, contento de vivir una vida simple, construye una casa y disfruta de su familia. Sin embargo, cuando la mujer que ama sufre un destino cruel a manos de soldados ingleses, se posicionará en contra de las nuevas reglas y luchará para hacer justicia.
Segunda película dirigida y protagonizada por Mel Gibson. En esta ocasión se puso al frente de una superproducción épica que narra la vida de William Wallace, un personaje histórico convertido en leyenda por los escoceses. Para el rodaje, Gibson se desplazó a los parajes naturales de Irlanda y Escocia. Allí tuvo que hacer frente a los temporales, muy frecuentes en aquella zona, por lo que no es casualidad que la lluvia sea una constante de la película. A pesar de esto, el rodaje siguió adelante y el resultado fueron unas secuencias preciosas que tienen su punto fuerte en las batallas.
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LA PASIÓN DE CRISTO (2004)
Reparto principal | Jim Caviezel, Maia Morgenstern, Hristo Jivkov, Monica Bellucci
Recrea las últimas horas de Jesús de Nazaret, antes de que Judas lo traicionara y de que fuese dirigido a Jerusalén, donde le crucificarían. Jesús dice ser rey de los judíos y todos se burlan de él, sobre todo Pilatos, gobernador romano en Palestina. Este le da la opción al pueblo para que elija a quién salvar, si al asesino Barrabás o a Jesús y sale elegido el primero. Condenado a muerte, Jesús es conducido al Gólgota, lugar donde será crucificado, custodiado y flagelado por soldados romanos y cargando con la pesada cruz donde morirá momentos después.
Basándose en los cuatro Evangelios del Nuevo Testamento (San Marcos, San Juan, San Lucas y San Mateo), la película recoge las últimas 12 horas de la vida de Jesús de Nazaret. La cinta dirigida por Mel Gibson, un hombre de firmes creencias católicas. Filmada en arameo y latín, la película destaca por su crudeza y por las violentas imágenes del sufrimiento de Jesús. Según se dice, esto fue motivo de ataques al corazón y fallecimientos entre el público asistente a algunas salas de Estados Unidos. Fue también un motivo de rechazo por parte de algunos católicos, aunque la Iglesia, en general, se mostró favorable. Donde hubo polémica fue dentro de los círculos judíos, ya que éstos, calificaron la película de antisemita.
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APOCALYPTO (2006)
Reparto principal | Rudy Youngblood, Raoul Trujillo, Mayra Sérbulo, Dalia Hernández
Película de acción y aventuras ambientada en los últimos y turbulentos tiempos de la gran civilización Maya. A medida que el reino Maya se enfrenta a su declive, los gobernantes insisten en que la clave para la prosperidad es construir más templos y ofrecer sacrificios humanos. Garra de Jaguar, un joven capturado para el sacrificio, huye para evitar su destino. Para ello esconde a su esposa embarazada y su hijo en un profundo agujero cercano a su tribu y es capturado mientras luchaba con su pueblo. Éste debe luchar para sobrevivir y salvar a su amada familia. Garra de Jaguar emprenderá un peligroso camino de retorno para preservar su vida, sus costumbres y, sobre todo, su libertad.
Tras la controvertida "La pasión de Cristo", Mel Gibson volvió a generar polémica con "Apocalypto", una violenta y cruda visión de la cultura maya, extinguida aproximadamente un milenio atrás. Basándose en antiguos textos que describen la brutalidad de los sacrificios mayas, Gibson escribió un guion que se tradujo después al yucateco, principal dialecto maya todavía hablado en la actualidad. Además de usar este idioma, el reparto está formado por indígenas del Yucatán o por descendientes de los indios de Estados Unidos y Canadá. A pesar de la controversia causada por la visión excesivamente sádica de la cultura maya, la cinta fue bien acogida por la crítica, que destacó el ritmo y la intensidad del filme. La película logró, además, tres candidaturas a los premios Oscar en las categorías de sonido, montaje y maquillaje.
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HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE (2016)
Reparto principal | Andrew Garfield, Sam Worthington, Luke Bracey, Hugo Weaving
Segunda Guerra Mundial. Desmond Doss, un joven contrario a la violencia, se alista en el ejército de los EEUU con el objetivo de servir como médico durante la guerra. Tras enfrentarse a las autoridades militares y a un juicio por su negativa a empuñar un arma, consigue su objetivo y es enviado a servir como médico al frente japonés. A pesar de ser recibido con recelo por todo el batallón durante la salvaje toma de Okinawa, Desmond decide jugarse la vida en la peor de las condiciones, demostrando su valor salvando a 75 hombres heridos consiguiendo el respeto de los soldados.
Como hizo en Braveheart y en La Pasión de Cristo, parte de hechos reales, aquí con la ventaja adicional de que existen testimonios escritos y filmados de los protagonistas de su historia, de hecho la película concluye con algunos de estos últimos. El film cuenta la asombrosa historia de Desmond Doss (1919-2006), un joven de Virginia que desea servir en el ejército de su país tras el ataque japonés a Pearl Harbour, y la consiguiente declaración de guerra. Pero, objetor de conciencia y hombre de fe, cristiano adventista del séptimo día, se ha prometido en presencia de Dios no tocar un arma, él servirá como médico y pondrá los medios para salvar vidas. Semejante postura se topa con la incomprensión de compañeros y superiores, que la confunden con locura, cobardía, fanatismo o una mezcla de todo eso. Pero él se mantendrá fiel a sus convicciones y finalmente destinado en Okinawa dará prueba de un valor y entrega a los demás desarmante.
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Premios y nominaciones
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1996 | Mejor Director | Braveheart | Ganador |
| Mejor Película | Ganador | ||
| 2017 | Mejor Director | Hasta el último hombre | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2016 | Globo de Oro al mejor Director | Hasta el último hombre | Nominado |
| Globo de Oro a la mejor Película -Drama | Nominado | ||
| 2006 | Mejor película en lengua no inglesa | Apocalypto | Nominado |
| 2001 | Mejor actor - Comedia o Musical | En que piensan las mujeres? | Nominado |
| 1996 | Mejor actor - Drama | Rescate | Nominado |
| 1995 | Mejor película - Drama | Braveheart | Nominado |
| Mejor director | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2006 | Mejor película de habla no inglesa | Apocalypto | Nominado |
| 1995 | Mejor director | Braveheart | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2015 | Peor actor de reparto | Los mercenarios 3 | Nominado |
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Enlaces de interés
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Alan Parker
Autor de clásicos como El expreso de medianoche, Evita o Fama
Director y guionista de cine, nacido en Londres (Reino Unido), el 14 de febrero de 1944. Se inició en el campo de la publicidad, rodando spots para la cadena de televisión BBC entre los años 1968 y 1978 y, a partir de 1969, comenzó a escribir guiones para el cine y a realizar sus propios trabajos; hizo Melody (1969), No hard feelings (1972), Our cissy (1973), Footsteps (1973) The Evacuees (1974), una serie que se adjudicó el premio Emmy de televisión. Esta etapa constituyó su auténtica escuela de aprendizaje, que le ha servido, como a otros directores coetáneos (Ridley Scott y Hugh Hudson), para imprimir a sus filmes un ritmo muy rápido, el televisivo. Su primera película fue Bugsi Malone (1976), un musical satírico protagonizado por niños, que consiguió varios premios de la Academia Británica; pero ante las escasas posibilidades de trabajo que se presentaban en el Reino Unido, decidió marcharse a Norteamérica, firmó con la compañía Columbia y realizó El expreso de medianoche (1979), que se adjudicó dos estatuillas de la Academia. Después vinieron Fama (1980), El Muro (1980), junto al grupo Pink Floyd, Después del amor (1981), Birdy (1985), El corazón del ángel (1987), Arde Mississippi (1988), que ganó el Oscar a la mejor cinematografía, Come see the Paradise (1989) y The Commitments (1991) que, al igual que Fama, en un principio estaba pensada para ser una serie de televisión. Autor de títulos como Bienvenidos al paraíso o Las cenizas de Ángela, en 2003 estrenó La vida de David Gale, una dura crítica a la pena capital, vigente en el sistema penal estadounidense. Una de las facetas más desconocidas de Alan Parker es su afición a escribir; de hecho, ha publicado varios libros, y muchas de sus películas están basadas en obras suyas.
Las películas dirigidas por Alan Parker
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BUGSY MALONE (1976)
Fue nominada a ocho premios de la Academia Británica de cine, de los cuales recibió cinco
Reparto principal | Scott Baio, Florence Garland, Jodie Foster, John Cassisi
Bugsy Malone es un niño neoyorquino dispuesto a llegar a ser algún día un gran capo de la mafia. Es un momento en que las bandas rivales han dejado de utilizar las pistolas y las balas, siendo sustituidas éstas por dulces. Por este motivo, cuando Bugsy se entera que un grupo rival ha inventado una arma secreta capaz de lanzar dulces a toda velocidad, él se dispone a robar una lanzadora de tartas.
Alan Parker escogió para hacer su debut en la dirección cinematográfica esta comedia musical enteramente interpretada por niños. La intención de Parker al dirigir una película donde las pistolas no disparan balas sino nata, era hacer un homenaje en clave de humor al cine negro clásico. Y la verdad es que la cinta gustó en su momento, revalorizándose aún más con el paso de los años.
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EL EXPRESO DE MEDIANOCHE (1978)
Obtuvo dos Oscar, de las 6 nominaciones, y seis Globos de Oro
Reparto principal | Brad Davis, Irene Miracle, Paul L. Smith, Bo Hopkins
Un ciudadano estadounidense, Billy Hayes, es detenido en el aeropuerto cuando se dispone a salir de Turquía con una importante cantidad de droga. En un juicio sin las debidas garantías procesales, Hayes recibe una sentencia ejemplar: treinta años de condena. Los esfuerzos de la diplomacia de su país por librarle de la prisión son baldíos y Billy tiene que cumplir su pena. Comienza de este modo un largo calvario, en el que Hayes debe sobrevivir a las inhumanas condiciones de reclusión que presenta el régimen penitenciario otomano de la época, las cuales le llevan a experimentar un proceso de animalización y distanciamiento de la realidad. En ese mundo hobbesiano, Billy comprende que no le queda más solución que la fuga si pretende sobrevivir. Esa aparentemente remota posibilidad se presenta como una esperanza cuando menos probable parece.
Alan Parker consiguió con "El expreso de medianoche" su mayor éxito comercial. Partiendo del relato verídico del joven Billy Hayes, Oliver Stone planteó un guion en el que se plasmaban muchos de los miedos que la sociedad estadounidense tiene del mundo exterior. En reconocimiento a su labor, la academia de su país otorgó al filme dos premios Oscar (mejor guion adaptado y banda sonora) y lo nominó a cuatro más. A pesar de que la cinta está basada en un hecho real, el propio Billy Hayes confirmó que lo que se presenta en la cinta es una versión muy exagerada de lo que le pasó en Estambul. De hecho, el mismo gobierno turco se quejó de la imagen que el largometraje daba de su país.
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FAMA (1980)
Consiguió dos Oscar y seis Globos de Oro. Dio lugar a una serie TV de gran éxito
Reparto principal | Eddie Barth, Irene Cara, Lee Curreri, Laura Dean
En la Escuela Superior de Artes de Nueva York muchos jóvenes trabajan sin descanso. Todos ellos desean aprender a bailar y a cantar, aún sabiendo que se trata de una profesión muy dura y exigente. Sin embargo, los jóvenes aspirantes están convencidos de que al final del camino valdrá la pena el esfuerzo realizado. En la prestigiosa escuela se dan cita, entre otros, Coco Hernández, la tímida Doris o el visceral bailarín de origen hispano Raúl García. Unos lo conseguirán, pero otros tendrán que admitir a su pesar, que la ansiada fama nunca les llegará.
Tras el gran éxito de "El expreso de medianoche", Alan Parker volvió a dar en el blanco con este filme que contribuyó a reflotar un género que parecía moribundo: el musical. Aunque la película presentaba varias subtramas, el director prefirió centrar su atención en los números musicales antes que en desarrollar los personajes. Quizás como desaprobación a este sensacionalismo, los responsables de la escuela superior de Arte Dramático de Nueva York le prohibieron que filmase en sus instalaciones. Aún así, la cinta fue candidata a seis Oscars y ganó los destinados a mejor canción y banda sonora.
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DESPUÉS DEL AMOR (1981)
Le resultó difícil porque le evocaba la ruptura de su propio matrimonio
Reparto principal | Albert Finney, Diane Keaton, Karen Allen, Peter Weller
Un escritor de éxito llamado George Dunlap vive en una bonita casa junto a su esposa Faith y sus cuatro hijos. Aunque después de 15 años de matrimonio su vida parece perfecta, la realidad es que la relación ha caído en la monotonía. A pesar de permanecer juntos, los dos inician relaciones sentimentales con otras personas. Sin embargo, no se plantean divorciarse porque hay algo que les mantiene unidos.
Después de resucitar el género musical con el exitoso film “Fama”, el realizador británico Alan Parker dirigió este drama romántico que narra la historia de un matrimonio en crisis. Parker contó con una pareja protagonista de lujo: Diane Keaton y Albert Finney, ambos intérpretes estuvieron a punto de obtener un Globo de Oro por su magnífico intervención en esta cinta.
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PINK FLOYD: EL MURO (1982)
A Alan Parker, el aspecto visual de la película le interesó mucho más que el mensaje
Reparto principal | Bob Geldof, Christine Hargreaves, Eleanor David, Alex McAvoy
Pink, una estrella del rock inglés, se encuentra encerrado en la habitación de un hotel de Los Ángeles, en los momentos previos a un recital. Aquí empieza a pasar revista a su vida: los recuerdos traumáticos de la infancia, las crisis de amor, el sexo, el éxito y la droga como único medio para romper el muro que él mismo ha creado. Una vorágine imaginativa y terrorífica.
La película se podría definir como la biografía musical de Roger Waters, líder del grupo Pink Floyd y guionista del filme; o también podría leerse como la filmación del álbum "The Wall", su disco más vendido. Sea como sea, se trata de una película de culto para los fans del grupo y representativa de toda una generación. Está llena de simbolismos (la mayoría relacionados con la época nazi) y es una indagación sobre la libertad del hombre. Todo ello se explica de una manera onírica y casi surrealista con la ayuda de unas impresionantes escenas de animación llevadas a término por el caricaturista político Gerald Scarfe.
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BIRDY (1984)
Recibió el premio especial del Festival de Cannes
Reparto principal | Matthew Modine, Nicolas Cage, Karen Young, Bruno Kirby
"Birdy", un adolescente de Philadelphia, siente ta pasión por los pájaros que siente un deseo irresistible de aprender a volar, y un interés que le llevará incluso a apartarse del mundo y a hacer diversos experimentos, algunos de los cuales pondrán en peligro su vida. Al, su mejor amigo, es el prototipo de joven sano y normal. Los dos intervienen en la guerra del Vietnam, de la que "Birdy" vuelve convencido de que es un pájaro.
Basada en la trascendente novela homónima de William Wharton, trata temas como la amistad, la guerra y, por supuesto, los pájaros. La cinta funciona a pleno rendimiento como una historia de crecimiento, pero pierde algunos pasajes memorables del libro, como uno en el que el protagonista se imagina en el mundo de canarios que ha creado en su habitación infantil. Excelente interpretación de Matthew Modine en el papel de un joven inadaptado, atrapado en su propio microuniverso.
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CORAZÓN DE ÁNGEL (1987)
Fue clasificada como película X inicialmente en EE. UU., que obligó a recortar algunas escenas
Reparto principal | Mickey Rourke, Robert De Niro, Lisa Bonet, Charlotte Rampling
En 1955, Harry Angel, un detective privado de aspecto descuidado que no atraviesa su mejor momento, es contratado por Louis Cyphre, un elegante y sombrío caballero que desea localizar a un músico desaparecido, Johnny Favorite. El verdadero nombre de Favorite es John Liebling. Se trata de un veterano de la Segunda Guerra Mundial, que, tras caer herido en combate, sufrió importantes daños neurológicos. Cyphre explica que Liebling no ha cumplido un importante contrato con él y quiere encontrarlo para que salde su deuda. A lo largo de la investigación, que conduce a Harry a los rincones más siniestros de Nueva Orleans, un cruel asesino parece seguir los pasos del detective, ya que todas las personas a las que pregunta por Favorite son encontradas tiempo después muertas, víctimas de atroces rituales. Harry se adentra en un mundo tenebroso, dominado por el vudú y la magia negra.
Un inquietante y estilizado cruce entre el thriller y el terror gótico, basado en una espléndida novela de William Hjortsberg. Desgraciadamente, el guión de Alan Parker no supo extraer todo el partido del libro y el filme se resintió también de la discutible elección de su actor protagonista. En su estreno estadounidense, además, la cinta debió censurar varios segundos de una tórrida escena erótica para evitar la temida clasificación moral X, que impide a los menores el acceso a las salas. Precisamente por culpa de esta escena, se rumoreó que la actriz Lisa Bonet -hasta entonces hija televisiva de Bill Cosby en su popularísimo 'show'- fue despedida de la serie.
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ARDE MISSISSIPPI (1988)
Oscar a la mejor fotografía y tres premios de la academia de cine británica
Reparto principal | Gene Hackman, Willem Dafoe, Frances McDormand, Brad Dourif
La acción nos sitúa en el sur de los Estados Unidos, en 1964. Una época de convulsiones sociales y conflictos raciales en la Norteamérica más profunda. El terror ha renacido en los márgenes del Mississippi de la mano del Ku Klux Klan. Dos hombres blancos y uno negro, defensores de los derechos civiles de la población negra, han desaparecido misteriosamente. Dos agentes del F.B.I. con unas personalidades muy dispares, interpretados por Gene Hackman y Willem Dafoe, son los encargados del caso. Pero la violencia no ha hecho más que empezar, y tendrán que poner en juego sus vidas si quieren solucionar la situación. El caso trasciende a todo el país, y enseguida se organizan movilizaciones y protestas.
La película se basa en una historia auténtica. Estamos en el llamado «Verano de la libertad», al final de la época Kennedy, cuando líderes de color se hicieron oír, también fuera del país. El 21 de junio de 1964 James Chaney, Andrew Goodman y Michael Schwerner, que hacían campaña por el voto de la población de color en Mississippi, fueron asesinados por miembros del departamento de policía y del Ku Klux Klan. Hasta el momento en que se descubrieron los cadáveres, las autoridades locales negaron sistemáticamente los hechos y denunciaron la investigación, tachándola de «acoso» por parte de la gente del norte. Cuando se confirmó el asesinato, hubo movilizaciones y protestas por todo el país.
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BIENVENIDO AL PARAISO (1990)
Parker insistió con el tema porque le parecía que no había dicho todo lo que quería sobre el racismo
Reparto principal | Dennis Quaid, Tamlyn Tomita, Sab Shimono, Shizuko Hoshi
Un joven sindicalista norteamericano, Jack, contrae matrimonio con una joven japonesa, Lily, a la que ha conocido en Estados Unidos. Tras el ataque japonés a Pearl Harbour, se produce la entrada de su país en la Segunda Guerra Mundial, por lo que comienza a sentirse cierto rechazo social hacia los nipones, que algunas veces deviene incluso en violencia callejera. El gobierno decide internar a los japoneses en campos de concentración. Lily acompaña a sus padres, por lo que se ve obligada a abandonar temporalmente a Jack. Él, por su parte, tiene que enfrentarse a sus propios amigos para poder continuar con su matrimonio. Esta será una dura prueba para los dos, pero intentarán salvar su unión por encima de las circunstancias históricas.
Alan Parker vuelve aquí a tratar un tema de compromiso sociohistórico, como ha hecho en casi la mitad de sus películas. Entre ellas tenemos "El expreso de medianoche", una crítica al sistema penitenciario turco; "Birdy", donde narra los trastornos de un joven enrolado para la guerra del Vietnam; "Arde Mississipi", en la que analiza la América profunda del Ku-Klux-Klan; o "Las cenizas de Ángela", retrato de una infancia de miseria en una ciudad irlandesa. En "Bienvenido al paraíso" denuncia un hecho histórico poco conocido, como es el papel del gobierno estadounidense frente a los americanos de origen japonés durante la II Guerra Mundial.
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THE COMMITMENTS (1991)
Premio al mejor director en el festival de Tokio y cuatro premios de la Academia de cine británica
Reparto principal | Robert Arkins, Angeline Ball, Colm Meaney, Maria Doyle
Jimmy Rabbitte quiere formar una banda de soul en Dublín, para lo que empieza a hacer una selección entre todos los músicos candidatos. Después de muchos esfuerzos consigue sus propósito: una banda formada por gente trabajadora, ya que para él es la clase trabajadora la que mejor expresa el sentimiento de la música soul. Poco a poco, la banda se abrirá camino... pero también surgirán graves divergencias entre sus integrantes.
Un inesperado éxito de Alan Parker, que ya había firmado destacables musicales como “Fama” y “Pink Floyd, The Wall”. El director convocó para esta película un gran cásting al que acudieron más de 3000 jóvenes aspirantes. Entre los elegidos destaca hoy la presencia de Andrea Corr, una de los miembros del grupo The Corrs. El resto del reparto lo forman actores irlandeses desconocidos para el gran público, con la excepción de Colm Meaney, reconocible por su trabajo en la serie "Star Trek: La nueva generación". La película está basada en una novela del escritor irlandés Roddy Doyle, otra de cuyas obras, "La camioneta" fue también llevada al cine, esta vez por Stephen Frears.
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EL BALNEARIO DE BATTLE CREEK (1994)
Según comentó Alan Parker, la hizo porque le apetecía hacer una película divertida
Reparto principal | Anthony Hopkins, Bridget Fonda, Matthew Broderick, John Cusack
En tono de peculiar comedia bufa, Alan Parker recrea la vida en un balneario de principios de siglo, regentado por el Dr. John Harvey Kellogg. El director británico toma como excusa a este peculiar personaje, inventor de los famosos cereales que llevan su nombre, para realizar una película cercana al esperpento. Parker hace una crítica a la preocupación excesiva por la salud. Pero su principal centro de atención lo constituye la idea de la abstinencia sexual recomendada por el doctor, que trata de mostrar como un desatino provocador de insaciables apetitos eróticos. Tal planteamiento abre paso a recurrentes escenas de sexo.
Alan Parker se basó en la novela homónima de T. Coraghessan Boyle para escribir y dirigir “El balneario de Battle Creek", trasladando a la pantalla la exótica personalidad de uno de los personajes más influyentes en el cambio de hábitos alimentarios producidos durante el siglo XX. Confió para ello en Anthony Hopkins, que propenso a la caricatura y a la consecución de retratos efectistas, fue el cómplice ideal para encarnar al Dr. Kellogg. Algunos de los pacientes que acuden al balneario están interpretados por Bridget Fonda, Matthew Broderick, John Cusack o Lara Flynn Boyle. El filme, que marca un curioso punto y a parte dentro de la filmografía de su director, no entusiasmó demasiado a los estadounidenses a tenor del desastre económico que supuso su estreno.
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EVITA (1996)
Ganó tres Globos de Oro y el Oscar a la mejor canción original
Reparto principal | Madonna, Antonio Banderas, Jonathan Pryce, Adrià Collado
Evita Duarte tenía claro desde muy pequeña que quería ser una actriz de éxito. Muy joven ya empezó a hacer sus pinitos en el cine B argentino. Lo que no esperaba era casarse con el que más tarde sería el presidente de Argentina, Juan Perón. Su figura como primera dama fue muy polémica, odiada por los militares e idolatrada por las masas. La tragedia llegó cuando un cáncer le quito la vida a la edad de 33 años.
Alan Parker se atrevió a llevar al cine el célebre musical de Andrew Lloyd Webber. Contó con una tripleta protagonista de lujo formada por Madonna, Antonio Banderas y Jonathan Pryce. En su adaptación, Parker realizó algunos cambios respecto a la obra, entre ellos, el personaje de Banderas (que en el teatro era el Che Guevara y en el cine pasó a convertirse en un argentino de a pie) y la inclusión de una canción nueva que no estaba en el libreto original, "You Must Love Me". El personaje de Evita fue codiciado por muchas actrices, pero finalmente recayó en la que más luchó por él: Madonna. La cantante realizó una esforzada interpretación que le valió un Globo de Oro a la mejor actriz dramática, aunque luego no fuera ni siquiera candidata al Óscar de ese año.
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LAS CENIZAS DE ÁNGELA (1999)
Alan Parker pasó de la grandiosidad de Evita a la sencillez de esta película
Reparto principal | Emily Watson, Robert Carlyle, Devon Murray, Ciaran Owens
En 1935, había más familias irlandesas abandonando su país para ir a América que al contrario. Por tanto, el camino que toman los McCourt tras la repentina muerte de su hija a la edad de siete semanas, es bastante inusual. Angela, la madre, y Malachy Senior, su marido alcohólico y desempleado, salen del puerto de Nueva York rumbo a Cork con sus cuatro hijos: Frank, Malachy Junior y los gemelos Eugene y Oliver. En Limerick, les espera una acogida glacial por parte de la familia católica de Angela. El padre no consigue encontrar trabajo y los gemelos se mueren de malnutrición…
Cuando en 1996 Frank McCourt publicó su libro de memorias "Las cenizas de Ángela", poco podía imaginar que el relato sobre sus vivencias de niño iba a ganar el prestigioso Premio Pulitzer y se convertiría en una de las novelas de más éxito de la década. Un material tan atractivo tenía que captar la atención del mundo del cine, y finalmente fue el británico Alan Parker quien rodó la historia contando como protagonistas con la pareja formada por Emily Watson, cuya carrera cinematográfica se había disparado desde su excelente interpretación en "Rompiendo las olas"; y Robert Carlyle, otro actor inglés que había conocido el éxito gracias a sus intervenciones en filmes como "Trainspotting" y "Full Monty".
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LA VIDA DE DAVID GALE (2003)
Un alegato contra la pena capital
Reparto principal | Kevin Spacey, Kate Winslet, Laura Linney, Gabriel Mann
La trama gira en torno a la figura del doctor David Gale, profesor universitario y militante contra la pena de muerte en Texas, quien se encuentra por error condenado a perder la vida por la violación y el asesinato de la activista Constance Harraway. Esto va a provocar un verdadero tormento en su día a día, sobre todo teniendo en cuenta la pérdida de prestigio y de reputación que va a significar semejante acontecimiento en lo que hace alusión a su imagen tanto a nivel personal como laboral. En su celda recibe la visita de Elizabeth Bloom, una periodista que hará todo lo posible para demostrar su inocencia y que está totalmente convencida de que va a poder conseguirlo a base de esfuerzo, trabajo constante y de mucha sinceridad. Aun así, es muy consciente de las dificultades que va a tener que experimentar el protagonista mientras dure su estancia en la cárcel. ¿Será capaz la mujer de lograr que se haga justicia y liberarle de su terrible sufrimiento?
Alegato contra la pena de muerte ambientado en los Estados Unidos de la mano del británico Alan Parker. Parker, que contó con un guion escrito por un profesor de filosofía (Charles Randolph), incluye reflexiones acerca del sacrificio, del amor y de la propia vida, reflexiones que se ven materializadas a través del personaje principal, David Gale. Este está interpretado por Kevin Spacey, en un papel para el que se barajaron los nombres de George Clooney o Nicolas Cage, quien finalmente ejerció de productor. Acompañan a Spacey, Kate Winslet y Laura Linney. Confeso admirador de Barcelona, Parker filmó algunas de las escenas en esta ciudad. Así, podemos reconocer el Gran Teatro del Liceo o la Plaza Real.
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Premios y nominaciones
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1979 | Mejor director | El expreso de Medianoche | Nominado |
| 1989 | Mejor director | Mississippi Burning | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1985 | Gran Premio del Jurado | Birdy | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1976 | Mejor director | Bugsy Malone | Nominado |
| 1978 | Mejor director | Midnight Express | Ganador |
| 1980 | Mejor director | Fama | Nominado |
| 1989 | Mejor director | Mississippi Burning | Nominado |
| 1991 | Mejor director | The Commitments | Ganador |
| Año | Categoría | Resultado |
|---|---|---|
| 1999 | Premio internacional | Ganador |
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La presente investigación tuvo como propósito emplear el análisis semiótico como herramienta de estudio de la obra cinematográfica Birdy, perteneciente al género “Cine de autor” dirigida por el realizador británico Alan Parker. Con el objeto de realizar una segmentación de las secuencias del film, definir su premisa y tema, determinar la ubicación de los puntos de giro, definir su estructura narrativa, establecer y analizar los roles liderados por los personajes dentro del relato, analizar las leyes narrativas que gobiernan a la historia y la unidad dramática de la misma. Ubicar e interpretar las repeticiones iconográficas y sonoras presentes en el relato, así como la utilización de símbolos. Realizar un análisis del conflicto e identificar los rasgos históricos, sociales y culturales presentes en el film. Los resultados y conclusiones obtenidos demuestran que los códigos fílmicos y cinematográficos empleados en el discurso audiovisual construido y conceptualizado por el autor, están orientados a establecer un mensaje o un discurso final, que en el caso específico de éste film se concentra en una crítica sobre la guerra de Vietnam expresada a través de los conflictos psicológicos del síndrome postraumático enfrentado por los personajes principales.
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Enlaces de interés
YouTube: Video de Alan Parker - Películas: Películas de Alan Parker
Imágenes: Imágenes de Alan Parker - Videos: Más videos de Alan Parker
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Pedro Almodóvar
Director, guionista y productor destacado del cine español
Nacido en 1949 en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, a los dieciséis años decidió trasladarse a Madrid, donde trabajó de administrativo en la compañía Telefónica. Durante los años setenta alternó ese trabajo con la grabación de cortos en súper-8 y la colaboración en diversas revistas y montajes teatrales. Eran años de gran ebullición cultural en Madrid (la llamada movida madrileña) y Almodóvar se integró plenamente en ese ambiente, formando junto con Fanny McNamara el dúo de rock Almodóvar-McNamara. El 23 de marzo de 1988, Pedro Almodóvar estrenó Mujeres al borde de un ataque de nervios. Sin duda uno de los cineastas españoles independientes con mayor proyección internacional. Tras varios filmes apreciados por la crítica española, se consagró mundialmente con Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), cinta que fue nominada para el Oscar a la mejor película extranjera. Entre los numerosos galardones que ha recibido, destacan el Oscar a la mejor película extranjera por Todo sobre mi madre (1999) y el Oscar al mejor guión original por Hable con ella (2002). En estos momentos el director manchego era ya un cineasta reconocido en España y en círculos cinéfilos europeos, pero esta película supuso su consagración mundial. Hasta ese momento era conocido como cineasta provocador, melodramático y popular; el nuevo filme, sin embargo, resultó ser una incursión de Almodóvar en la comedia sofisticada. Mujeres al borde de un ataque de nervios recoge en efecto la influencia de la alta comedia estadounidense; con todo, sigue siendo un producto muy almodovariano, que se estructura a modo de cómic y presenta una serie de dislocados personajes movidos a ritmo del bolero Puro Teatro. (FUENTE: https://www.biografiasyvidas.com/)
Las películas dirigidas por Pedro Almodóvar
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
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SALOMÉ (1978)
Cortometraje. Debut como director de Pedro Almodóvar
Reparto principal | Isabel Mestres, Fernando Hilbeck, Agustín Almodóvar
Abraham, paseando por el campo con su hijo Isaac, se encuentra con Salomé que va toda cubierta de peinetas y de velos. Abraham caerá rendido a su pies, le pedirá que baile para él y le prometerá que hará cualquier cosa por ella, a lo que Salomé responderá pidiéndole que haga un gran sacrificio: matar a su hijo. Abraham se dispone a acabar con la vida de su hijo, pero Salomé le detiene al desvelarle quién es realmente.
Éste es uno de los últimos corto realizados por Pedro Almodóvar, que pasó a rodar largometrajes tras dirigirlo. Basado en un escrito de Oscar Wilde, Pedro Almodóvar retoma en este cortometraje la historia de Isaac del antiguo testamento. Por otro lado, se trata de una de las dos únicas obras de su filmografía cuyo argumento no es idea original del manchego (el otro caso es "Carne Trémula", que está basada en el libro homónimo de Ruth Rendell).
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PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN (1980)
Reparto principal | Carmen Maura, Félix Rotaeta, Olvido Gara, Julieta Serrano
Pepi es una chica moderna, Luci una sumisa ama de casa y Bom una perversa cantante pop. Un día, un policía viola a Pepi a cambio de hacer la vista gorda al cultivo de marihuana que esta tiene en su terraza. A partir de aquí, las vidas de las tres mujeres cambian radicalmente, llegando a protagonizar un sinfín de extraños acontecimientos.
La película no ha pasado a la historia por su calidad técnica, sino por ser la opera prima de Pedro Almodóvar, que intuyó un nuevo camino para el cine español. En su debut, el cineasta manchego ya anunció algunas de sus constantes, como el gusto por lo irreverente, las amas de casa, el vestuario llamativo o la amistad entre mujeres. Además, la película es un reflejo de la ‘movida madrileña’ imperante en ese momento, y de la ideología 'punk', representada por la cantante Alaska. Almodóvar filmó la película como un divertimento, utilizando los pocos ratos libres que le dejaba su empleo en Telefónica.
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LABERINTO DE PASIONES (1982)
Reparto principal | Cecilia Roth, Imanol Arias, Helga Liné, Antonio Banderas
La historia gira en torno a Sexilia (una ninfómana), Sadec (un terrorista islámico que es gay), Riza Niro (hijo del emperador de Tiran), y Queti (hija de una tintorera). Cuando Riza Niro que Sadec y sus compinches le persiguen, se disfraza al estilo punk y se enamora de la increíble Sexilia siendo esta su primera relación seria. Se evocan varias historias de amor que no siempre teminan como se espera.
En plena efervescencia de la 'movida' madrileña y de cambio político en España -1982 es el año del triunfo del partido socialista- Almodóvar rueda esta desinhibida comedia posmoderna sobre la diversidad sexual, aún lejos de sus grandes éxitos comerciales posteriores pero que sirve para demostrar que el debut "Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón" no fue fruto de una casualidad. La argentina Cecilia Roth, quien casi 20 años después seria la protagonista del gran éxito internacional del director, 'Todo sobre mi madre', interpreta a la ninfómana Sexilia, compartiendo protagonismo con Imanol Arias, en el papel de heredero árabe. El film también es un curioso testimonio de la vitalidad cultural de la época en Madrid, ya que en él aparecen destacados representantes de la 'movida', como la fotógrafa Ouka Lele o los músicos Poch, Santiago Auserón y Carlos Berlanga.
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ENTRE TINIEBLAS (1983)
Reparto principal | Cristina Sánchez, Julieta Serrano, Marisa Paredes, Carmen Maura
Yolanda Bell, joven cantante de boleros, se refugia en el convento de Redemptrices humillada tras la muerte de su amigo Jorge por sobredosis de heroína. Allí es acogida con alegría y la madre superiora le reconoce su admiración por su arte. Poco a poco se establecen entre ellas las mismas relaciones autodestructivas que Yolanda mantenía con su amigo.
La religión está en el punto de mira de Pedro Almodóvar en su tercer largometraje, otra provocadora comedia absolutamente personal del director manchego rodada con algunas de sus actrices preferidas, como Carmen Maura, Marisa Paredes o Chus Lampreave. En esta ocasión, el cineasta deja a un lado las complejas tramas narrativas en beneficio de personajes delirantes como la madre superiora (Julieta Serrano), lesbiana y drogadicta; o sor Rata de Callejón (Chus Lampreave), escritora bajo pseudónimo de novelas inspiradas en las historias del convento. Años más tarde, el dramaturgo y director Fermín Cabal estrenó una versión teatral de la película, con Beatriz Carvajal entre sus protagonistas.
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¿QUÉ HE HECHO PARA MERECER ESTO! (1984)
Reparto principal | Carmen Maura, Ángel de Andrés, Chus Lampreave, Verónica Forqué
Gloria es una mujer infeliz y sin un minuto libre. Trabaja de asistenta y debe encargarse de cuidar la casa, el marido, su suegra y sus dos hijos. Con su marido no existe ningún tipo de comunicación y él sigue recordando a una alemana para la que trabajó como chofer. Y para colmo, la farmacéutica le ha negado las anfetaminas y sufre un tremendo síndrome de abstinencia.
Con este filme Pedro Almodóvar realiza su primera obra dentro de una narración relativamente convencional, aunque siguen apareciendo personajes y situaciones surrealistas, como un anuncio de café o un programa de televisión protagonizado por él mismo. El tema escogido también ayudó a aumentar el éxito popular que el director ya había cosechado con sus anteriores películas, con una Carmen Maura que lleva el peso de la cinta como sufrida ama de casa de una familia claustrofóbica, que acaba dándole a su marido lo que se merece.
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MATADOR (1986)
Reparto principal | Assumpta Serna, Antonio Banderas, Nacho Martínez, Eva Cobo
La trama se centra en el papel desempeñado por un torero, quien ha tenido la ocasión de vivir muchos días de gloria con motivo de su capacidad para deleitar a los asistentes a la plaza para contemplar su talento. No obstante, deberá tomar la difícil decisión de dejar su vocación por un duro golpe que le provocará una serie de magulladuras muy peligrosas, las cuales le forzarán a abandonar los ruedos si desea permanecer sano y salvo. Una vez que se olvida del capote y de la muletilla, se percata de que sus ansias de acabar con la vida de los demás es un sentimiento que permanece intacto en su interior. La diferencia es que ahora sus víctimas son seres humanos, concretamente mujeres, a quienes encandila con el arte que demostró como profesional a lo largo de varios años para acostarse con ellas y posteriormente asesinarlas. Ninguna es capaz de percibir algún gesto maléfico o sospechoso del protagonista antes de que se ponga manos a la obra, lo que sin duda refleja que es un individuo cauteloso a la par que metódico. Pero la situación dará un giro radical cuando se cruza con María, una joven que comparte su afición y con la que comenzará una relación de amor-odio que marcará el curso final de los acaecimientos que se producen en el largometraje.
Pedro Almodóvar acerca su particular universo cinematográfico al de los toros y los crímenes pasionales en esta tragicomedia centrada en la relación fatal entre un torero (Nacho Martínez) y una abogada criminalista (Assumpta Serna). Antonio Banderas, Carmen Maura y Eusebio Poncela, actores habituales en los primeros films de Almodóvar, aparecen también como secundarios en esta ocasión. El cineasta colaboró con el novelista Jesús Ferrero en un proyecto que le acarreó serios problemas con el productor, Andrés Vicente Gómez. Estas tensiones motivaron la decisión de Almodóvar de crear su propia productora, El Deseo, S.A. junto a su hermano Agustín, el punto de partida de su posterior brillante carrera internacional.
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LA LEY DEL DESEO (1987)
Reparto principal | Eusebio Poncela, Carmen Maura, Antonio Banderas, Miguel Molina
Pablo y Tina son dos hermanos dedicados ambos al mundo del espectáculo. Hace veinte años, Tina era un hombre, pero ésa es la menor de las peculiaridades de la pareja, que vive marcada por una infancia difícil y la separación de sus padres. Pablo, director de cine, está profundamente enamorado de Juan, con quien mantiene relaciones esporádicas. La vida de los hermanos vivirá un cambio abrupto, y hasta violento, cuando Pablo conozca a Antonio, un joven atractivo e intenso con graves problemas psicológicos.
El drama, y el amor más apasionado e irreflexivo, se cernirá sobre este grupo de personajes, en esta emocionante película que supuso la madurez artística de Pedro Almodóvar, y que cuenta con unas grandes interpretaciones de Eusebio Poncela, Carmen Maura y Antonio Banderas, éste en uno de sus primeros papeles protagonistas para el cine.
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MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS (1988)
Reparto principal | Carmen Maura, Rossy de Palma, Julieta Serrano, María Barranco
Pepa e Iván son una pareja de actores de doblaje que tienen una relación sentimental. Pepa se despierta un día y encuentra un mensaje en su contestador de Iván informándole que se va a ir de casa y pidiéndole que le prepare una maleta con sus cosas. Desesperada por informarle de algo importante que les incumbe a ambos, Pepa casi se suicida con pastillas para dormir, quema su cama y pasa la mayor parte de la película tratando de seguirle la pista. Estos sucesos le ponen en contacto con la loca ex-mujer de Iván, Lucía, su apuesto hijo, Carlos y Marisa, la novia del hijo. Pepa, en su devenir emocional, comienza una aventura que mezcla terrorismo chiita, infidelidades, su amiga Candela y gazpacho.
Almodóvar consiguió su primer triunfo internacional con esta alocada comedia, inspirada, según el propio director, en el monólogo "La voz humana", de Jean Cocteau. Tras un fondo trágico, Almodóvar construye divertidos y excéntricos personajes como el de Carmen Maura, alimentada por pasiones extremas y ubicada en los singulares decorados coloristas que han hecho famoso al director manchego. A pesar de recibir multitud de premios en Europa y Estados Unidos, Almodóvar no consiguió el Óscar a la mejor película extranjera, una espina que se sacó en el 2000 con otro éxito aún más rotundo, "Todo sobre mi madre".
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¡ÁTAME! (1989)
Reparto principal | Victoria Abril, Antonio Banderas, Loles León, Julieta Serrano
Recién salido de la cárcel, Ricky, un chico huérfano desde los tres años que se pasa la vida entre instituciones sociales y reformatorios, encuentra la chica de sus sueños, Marina, una actriz que hace películas pornográficas y de terror y que ha tenido muchos problemas con las drogas. Magnetizado por ella, la secuestra y se dispone a pasar "tiempo de calidad" con ella, esperando que se enamore de él. Al principio, Marina rechaza a Ricky pero más tarde se da una gran complicidad entre ellos convirtiéndose finalmente en auténtico amor.
Historia de amor poco convencional la que retrata Pedro Almodóvar en uno de sus filmes mejor considerados por la crítica."Átame" es una paradójica y tierna versión de "El coleccionista" de William Wyler, pero reciclada bajo la mirada siempre personal del director manchego. El filme recibió en Estados Unidos la calificación de ‘NC-17’, antigua categoría para los filmes X. Sobresaliente fotografía de José Luis Alcaine, que pone en práctica a la perfección el sentido de la composición de la imagen y el tratamiento del color tan genuino de Almodóvar, sin olvidar una merecida mención para Ennio Morricone, que compone la banda sonora de la película.
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TACONES LEJANOS (1991)
Reparto principal | Victoria Abril, Marisa Paredes, Miguel Bosé, Anna Lizarán
Becky del Paramo, una gran artista y cantante de éxito de los años 60, dejó el mundo del espectáculo durante quince años. Ahora vuelve a los escenarios de Madrid llena de energía para demostrar que su espíritu juvenil no ha muerto. En su regreso se encuentra con su hija, para intentar arreglar la relación con ella. Ese reencuentro no es nada fácil para ninguna de las dos, resultando imposible disimular esos quince años de silencio. Rebecca adora a su madre pero también la odia...
"Tacones lejanos", que obtuvo el César a la mejor película extranjera y cinco nominaciones a los Goya, no obtuvo en España el éxito de público que Almodóvar esperaba, pese a su llamativa campaña de marketing (método cada vez más habitual en el director manchego). En dicha ocasión, Almodóvar y sus actores colapsaron la Gran Vía madrileña, montados en gigantescos zapatos de tacones, el día del estreno. Muy comentada fue también la escena del travestismo de Miguel Bosé.
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KIKA (1993)
Reparto principal | Verónica Forqué, Peter Coyote, Victoria Abril, Àlex Casanovas
Galería de personajes contradictorios entre los que se encuentra Kika, personaje central sobre el que giran todas las historias, ingenua y sin ninguna ortodoxia, se dedica al maquillaje. Entre las historias que la acompañan podemos encontrar a su compañero de piso, Ramón, que vive recordando a su madre fallecida; o a su archienemiga Andrea, la cual está al cargo de un 'Reality Show'. Pero la historia más intrigante, y desencadenante de los problemas que vive la protagonista en la película es la del hermano de su criada, que tras fugarse de la cárcel e ir a buscar ayuda a casa de esta, se encuentra con Kika y abusa sexualmente de ella. La historia, practicamente, comienza en este suceso, y no sera, ni mucho menos, el peor.
Una mezcla a partes iguales entre drama tremebundo y vodevil grotesco, sazonado con una féroz crítica a los 'reality shows' televisivos y un vestuario creado por Jean Paul Gaultier para la ocasión. Para muchos, con todo, es la película menos lograda de Almodóvar.
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LA FLOR DE MI SECRETO (1995)
Reparto principal | Marisa Paredes, Juan Echanove, Carmen Elías, Imanol Arias
Los desengaños amorosos con su esposo, militar que pasa mucho tiempo en Bruselas trabajando para la OTAN, hacen que Leo Macias, reina de la novela rosa bajo el seudónimo de Amanda Gris, atraviese uno de los peores momentos de su vida, y debido a estos problemas no logra cumplir el contrato firmado con su editor sobre la entrega de su siguiente libro. Esto, poco a poco, está ocasionando que el editor tenga cada vez más desconfianza en que la escritora vuelva a entregarle un manuscrito, e incluso ya amenaza con consecuencias legales. En medio de todo el caos que es su vida Ángel, un hombre bondadoso y tímido que está perdidamente enamorada de él le ofrece trabajar en un suplemento cultural del periódico en el que trabaja. Al empezar a trabajar juntos, Leo y Ángel estrecharán lazos, y se irá fraguando una relación que quizá consiga sacar finalmente a la escritora de ese pozo en el que se encuentra atrapada. Sin embargo, nuevos problemas familiares surgen, al tiempo que el regreso de su esposo amenaza con volverlo todo del revés. ¿Conseguirá poner orden en su vida?
Marisa Paredes fue candidata al Goya por esta comedia agridulce de Pedro Almodóvar, más dramática y sombría que la mayoría de sus anteriores trabajos. "La flor de mi secreto" guarda, además, similitudes con los clásicos dramas de los años 50, rodados por Jane Wyman y el director Douglas Sirk ("Solo el cielo lo sabe", "Obsesión"), que desprenden un cierto tono trágico muy similar al filme español (siempre guardando las distancias, ya que el universo del director manchego es muy personal). Almodóvar suele acertar siempre con el reparto de sus películas y esta no es la excepción. Particularmente divertidas son las escenas entre Rossy de Palma y Chus Lampreave.
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CARNE TRÉMULA (1997)
Reparto principal | Javier Bardem, Francesca Neri, Liberto Rabal, Ángela Molina
La historia comienza con un tiroteo en el apartamento de Elena, una heroinómana italiana, de la que se enamora Víctor, que es quien ha empezado el forcejeo en el piso. Alertados por un vecino, llegan dos policías, Sancho, un hombre alcohólico e inestable que sospecha que su esposa Clara le engaña, y David, un joven que prefiere ir por libre. Tras un forcejeo, Víctor dispara a David y le deja parapléjico. Dos años más tarde, Víctor, en la cárcel, descubre que David, ahora un exitoso jugador de baloncesto en silla de ruedas, se ha casado con Elena, quien ha logrado desintoxicarse. Después de cumplir condena, Víctor vuelve en busca de Elena.
Tras once películas basadas en guiones originales, el director y productor Pedro Almodóvar parte de una novela policíaca de la británica Ruth Rendell para construir el guión de este filme, que en contra de lo que es habitual en él, escribió con la colaboración del novelista Ray Loriga y el guionista Jorge Guerricaechevarría. Aún así, la película no deja de ser un producto típicamente almodovariano: un drama pasional entre sujetos tortuosos, llenos de complejos de culpa, donde destaca el trabajo de los actores Javier Bardem, Francesca Neri, Ángela Molina, Pepe Sancho y Liberto Rabal.
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TODO SOBRE MI MADRE (1999)
Reparto principal | Cecilia Roth, Marisa Paredes, Candela Peña, Antonia San Juan
Manuela es una enfermera que vive sola con su hijo Esteban, a quien adora. Esteban es muy cinéfilo y le encanta ver películas en la compañía de su madre, sobre todo 'Eva al desnudo' (o 'Todo sobre Eva', como se titularía en una traducción más fiel del inglés). Para el día del cumpleaños de su madre, Esteban decide invitarla a una noche de teatro viendo "Un tranvía llamado deseo". Los dos adoran la obra, y a la salida del lugar se encuentran con Huma Rojo, la actriz protagonista. Esteban no se lo piensa dos veces y corre tras ella para conseguir su autógrafo. Cruza la calle a toda velocidad y, en ese momento, un coche lo atropella. Manuela presencia, de este modo, la muerte de su propio hijo, pérdida de la que no podrá recuperarse en toda su vida. Poco tiempo después, aún loca de dolor, Manuela viaja a Barcelona en busca del padre de su hijo, una búsqueda que no será fácil, ni tampoco carente de aún más dolores.
Una historia de mujeres, en la línea de los mejores dramas de George Cukor, que se convirtió en el mayor éxito a nivel internacional de Pedro Almodóvar hasta el momento de su estreno. Ganó, entre otros, el Óscar a la mejor película extranjera, el premio al mejor director del festival de Cannes, el Globo de Oro al mejor filme de habla no inglesa, el César (equivalente galo de los Goya) y el David de Donatello del festival de Venecia; amén de siete premios Goya de los 14 a los que fue candidata.
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HABLE CON ELLA (2002)
Reparto principal | Javier Cámara, Darío Grandinetti, Leonor Watling, Rosario Flores
Benigno, un joven enfermero, y Marco, un escritor en la cuarentena, se dan cita, cada uno por su lado, en un espectáculo de Pina Bausch, “Café Müller”. Están sentados uno al lado del otro. La obra es tan emocionante que Marco llora. Benigno, que percibe las lágrimas de su vecino de asiento, reprime sus ganas de hacerle partícipe de su emoción. Unos meses más tarde, los dos hombres se encuentran en diferentes circunstancias, en la clínica El Bosque, donde trabaja Benigno. Lydia, torero profesional y novia de Marco, está sumergida en un profundo coma después de un accidente ocurrido durante una corrida. Por su parte, Benigno, está cuidando a Alicia, una joven bailarina que también se encuentra en coma. Cuando Marco pasa junto a la habitación de Alicia, Benigno, sin dudarlo, se acerca a él. Este es el comienzo de una gran amistad un tanto ajetreada.
Tras el arrollador éxito de “Todo sobre mi madre”, Pedro Almodóvar realizó este melodrama en el que habla sobre la soledad, la amistad de dos hombres y el diálogo como terapia de supervivencia. Se trata de una película genuinamente almodovariana, pero con un detalle llamativo: el peso de la historia recae sobre dos personajes masculinos interpretados por el televisivo Javier Cámara y el argentino Darío Grandinetti. La cinta obtuvo el Oscar al mejor guión original y una nominación a la mejor dirección.
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LA MALA EDUCACIÓN (2004)
Reparto principal | Gael García Bernal, Fele Martínez, Lluís Homar, Daniel Giménez
Enrique e Ignacio se conocieron en un colegio católico, donde, además de experimentar su primer amor, sufrieron abusos sexuales y otros acontecimientos desagradables nada apetecibles de recordar. Ha pasado el tiempo y estos niños son ahora adultos. Enrique se ha convertido en un afamado director de cine y ya no sabe nada de su viejo compañero y amigo íntimo, Ignacio, hasta que un día este (o alguien que dice ser él) aparece en su oficina ofreciéndole un guión para rodar una película. Ignacio, que ahora dice hacerse llamar Ángel, está muy cambiado y en el transcurso de sus visitas Enrique descubre que no es él, sino su hermano pequeño. Ignacio había muerto por una sobredosis de heroína hacía años. A través de un guión ficticio para llevar a pantalla, Enrique se reencontrará con Manolo, el sacerdote que abusaba de él de pequeño, y descubrirá la verdadera razón que dio muerte a su amigo de la infancia.
Tras recoger el Óscar por "Hable con ella", Pedro Almodóvar regresó con esta historia que él mismo calificó de "muy personal", aunque deja ciertas dudas sobre qué hay de autorretrato en ella y qué no. De hecho, se basa en un relato corto que escribió el cineasta manchego en su adolescencia titulado "La visita" y que hacía ya bastante tiempo que le rondaba por la cabeza convertirlo en película. Finalmente lo hizo sin tapujos y de forma explícita, como es habitual en él, a pesar de abordar un tema muy polémico: los abusos sexuales cometidos por algunos curas en la España de los 60. Quizá esta controversia fue la causante de la fría acogida de la película en el festival de Cannes, certamen que inauguró. Entre los protagonistas, el mexicano Gael García Bernal, Fele Martínez y Javier Cámara.
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VOLVER (2006)
Reparto principal | Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo
Raimunda es una mujer de carácter que tiene una hija en plena adolescencia y un marido que no tiene trabajo. Sole trabaja en una peluquería. Su madre ha muerto en un terrible incendio, pero parece que no se ha ido del todo cuando resulta que hace una inesperada visita a sus hijas y a alguien más. En el seno de esta trama social, tres generaciones de mujeres sobreviven al viento, al fuego e incluso a la muerte, gracias a su bondad, su audacia y a una vitalidad sin límites.
Una película rodada en la región natal de Pedro Almodóvar sobre la cultura de la muerte. Vivos y difuntos conviven sin estridencias y provocan situaciones hilarantes o de una emoción intensa y genuina. Ganadora de dos premios Goya al mejor director y a la mejor película, "Volver", recorrió Europa en 2006 cosechando galardones: en el festival de Cannes, al mejor guion; en el Reino Unido, un Bafta al mejor filme de habla no inglesa; y en Francia, el premio César al mejor largometraje extranjero. Además, su protagonista, Penélope Cruz, obtuvo por este trabajo su primera candidatura al Óscar a la mejor actriz principal. Cruz conseguiría la preciada estatuilla dos años después, con "Vicky, Cristina, Barcelona", aunque en la categoría de intérprete de reparto.
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LOS ABRAZOS ROTOS (2009)
Reparto principal | Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez
La vida de un hombre cambia de un día para otro tras un trágico accidente. Pierde la vista y a su esposa, algo que dificilmente intenta superar poco a poco. Mientras intenta curar las heridas de pasado, se ve inmerso en una trama que encierra un triangulo amoroso...
Pedro Almodóvar vuelve a contar con Penélope Cruz para una película muy personal, que ahonda en su pasión por el melodrama y el propio cine. Basándose en una fotografía que él mismo tomó en Lanzarote –la que aparece en la película y da el nombre a la misma- el reconocido director construye una nueva obra de complicada estructura, llena de misterio e ironía. Además de Penélope Cruz, nominada al Goya por este trabajo, el director manchego volvió a confiar en Lluís Homar y Blanca Portillo. A pesar de contar con cinco candidaturas a los Goya y una nominación al Globo de Oro, "Los abrazos rotos" no tuvo el respaldo unánime de la crítica, como ocurrió con "Volver". Cabe destacar las secuencias cómicas protagonizadas por la lectora de labios, encarnada por Lola Dueñas. Según el propio Almodóvar, la idea se le ocurrió viendo la retransmisión televisiva de la boda de los Príncipes de Asturias, donde se usó esta figura para comprender desde la distancia lo que ambos estaban diciéndose.
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LA PIEL QUE HABITO (2011)
Reparto principal | Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez
Robert Ledgard es un eminente cirujano plástico que realiza sus experimentos en su clínica privada, El Cigarral. Desde que su mujer y su hija murieran, vive obsesionado con la creación de un nuevo tipo de piel, al que ha denominado G.A.L. La comunidad científica no permite esos experimentos, pero él, de forma clandestina, ha seguido realizándolos por su cuenta gracias a una cobaya, una joven, Vera a la que mantiene retenida y que se ha convertido en el centro de su vida. Pero Vera oculta un secreto y quiere venganza por todo lo que el doctor Legrand ha hecho con ella. Los dos viven encerrados en la mansión del cirujano junto a la servil Marilia, que es en realidad la madre de Robert. El equilibrio del trío protagonista se verá alterado cuando una tarde de carnaval se presente en la casa otro de los hijos de Marilia, Zeca, disfrazado de tigre, arrollando por donde pase y creando confusión en el delicado microclima de relaciones que se ha establecido. A partir de ese momento, nada volverá a ser lo mismo para ninguno de ellos. Marilia, Robert y Vera rememorarán su pasado, cada uno desde su punto de vista. Un pasado que vuelve para tomarse su revancha.
El suspense, el melodrama, el terror, la ciencia ficción y hasta la comedia se dan cita en esta insólita propuesta de Pedro Almodóvar que no dejará indiferente a ningún espectador. Una arriesgadísima mezcla de géneros que navega entre lo grotesco y lo ridículo, pero que logró cautivar a la mayor parte de la crítica internacional. Premiada con un Bafta, nominada a la Palma de Oro en Cannes, y candidata a 16 Goyas, esta inclasificable película se basa en la novela "Mygale" ("Tarántula"), escrita por el francés Thierry Jonquet. "La piel que habito" significa también el reencuentro de Almodóvar con actores como Marisa Paredes y, muy especialmente, Antonio Banderas, con quien llevaba 21 años sin trabajar. Es también la plataforma que catapulta a Elena Anaya, convirtiéndola en "chica Almodóvar" y al casi debutante Jan Cornet. Estos dos últimos recibieron sendos Goyas por sus excelentes interpretaciones.
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LOS AMANTES PASAJEROS (2013)
Reparto principal | Carlos Areces, Javier Cámara, Raúl Arévalo, Lola Dueñas
Un grupo de personajes variopintos viven una situación de riesgo dentro de un avión que se dirige a México D.F. La indefensión ante el peligro provoca una catarsis generalizada que acaba convirtiéndose en el mejor modo de escapar a la idea de la muerte. Esta catarsis, desarrollada en tono de comedia desaforada y moral, llena el tiempo de confesiones imprevisibles que les ayudan a olvidar la angustia del momento y a enfrentarse al mayor de los peligros, el que cada uno lleva dentro de sí mismo.
Tras ganarse el respeto mundial gracias a dramas, como "La piel que habito", "Los abrazos rotos" o "Todo sobre mi madre", el cineasta manchego Pedro Almodóvar quiso volver a sus inicios y crear esta comedia alocada, que trata de recuperar el espíritu de "Mujeres al borde de un ataque de nervios". Su intención era, además de realizar un tributo a la década de 1980, crear una película de evasión, un divertimento personal y para un público que vivía sumido en una grave crisis financiera. Rodada casi en un escenario único, la cinta contó con un reparto lleno de caras conocidas, encabezado por un habitual del director, Javier Cámara
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JULIETA (2016)
Reparto principal | Emma Suárez, Adriana Ugarte, Rossy de Palma, Priscilla Delgado
Casualidad o no, la vida de Julieta en los años ochenta fue una gran época, la mejor. Pero en la actualidad, la vida de Julieta es una catástrofe sin solución, una lucha por sobrevivir al borde de la locura. Solo un milagro la salvará. Y los milagros a veces ocurren… En esos 30 años de la vida de Julieta, entre los años 1985 y 2015, aparecerán un coro de personajes secundarios esenciales en su historia: la sirvienta arisca, austera y competitiva, la amiga fiel e infiel, el amante adulto, la casual y liberal compañera de viaje, la amiga de la infancia y responsable de complementos de una revista de moda, la persona de gran intransigencia y superioridad moral, también el padre de Julieta, y la madre y abuela ausente, etérea y omnipresente. Y sobre todo, un hombre, un pescador gallego, y su hija. La mayor parte del misterio y del dolor se refieren a ella, una desconocida para su madre, alrededor de la cual gira gran parte del drama. Un film que habla del destino inevitable, del complejo de culpa y de ese misterio insondable que nos hace abandonar a las personas que amamos, borrándolas de nuestra vida como si nunca hubieran significado nada. De todo ese dolor que provoca el abandono de un ser querido.
En su vigésimo largometraje, Pedro Almodóvar firma un drama maternofilial de estructura clásica, que no deja lugar a momentos cómicos que den un momento de respiro a la historia, algo muy común en la filmografía del cineasta manchego. El guion del filme, que indaga en el presente y el pasado de la protagonista, está escrito por el propio Almodóvar, que se basó en tres relatos de la Premio Nobel de literatura canadiense Alice Munro, formando así una especie de relato sobre la ausencia, el dolor, la culpa y la pérdida. Emma Suárez y Adriana Ugarte, dos nuevas 'chicas Almodóvar', son las encargadas de encarnar a la Julieta del título en diferentes etapas de su vida.
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DOLOR Y GLORIA (2019)
Reparto principal | Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Julieta Serrano, Leonardo Sbaraglia
Salvador Mallo es un aclamado director de cine en su ocaso. Su memoria le llevará hasta su infancia en el pueblo valenciano de Paterna en los años 60 junto a sus padres, a sus primeros amores, su primer deseo, la madre, la mortalidad, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando.
Filme escrito y dirigido por Pedro Almodóvar y que trata sobre la creación y la dificultad de separarla de la vida propia de uno mismo y de las pasiones que le dan sentido y a la vez esperanza. El manchego se rodea de un importante elenco de actores entre los que destacan Antonio Banderas, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Raúl Arevalo, Asier Etxeandia, Cecilia Roth o Julieta Serrano. Cabe destacar el debut cinematográfico en esta película de la artista catalana Rosalía, que triunfó a nivel mundial con el lanzamiento de su álbum "El mal querer" en 2018. La cinta fue la elegida para representar a España en la carrera por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
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LA VOZ HUMANA (2020)
Reparto principal | Tilda Swinton, Agustín Almodóvar, Miguel Almodóvar, Pablo Almodóvar
Una mujer mira pasar el tiempo junto a las maletas de su ex amante (que se supone que viene a recogerlas, pero nunca llega) y un perro inquieto que no comprende que su amo lo ha abandonado. Dos seres vivos enfrentados al abandono. Durante los tres días de espera, la mujer solo sale una vez a la calle, a comprar un hacha y una lata de gasolina. La mujer atraviesa todo tipo de estados de ánimo, desde la impotencia hasta la desesperación y la pérdida de control. Se maquilla, se viste como si fuera a una fiesta, se plantea tirarse por el balcón, hasta que su ex amante llama por teléfono, pero está inconsciente porque ha tomado una combinación de trece pastillas y no puede atender la llamada. . El perro le lame la cara hasta que se despierta. Después de una ducha fría, revivida por un café tan negro como su estado de ánimo, vuelve a sonar el teléfono y esta vez puede contestar. La voz humana es de ella, nunca escuchamos la voz de su amante. Al principio pretende actuar con normalidad y calma, pero siempre está a punto de explotar ante la hipocresía y la mezquindad del hombre. The Human Voice es una lección moral sobre el deseo, aunque su protagonista esté al borde del mismísimo abismo. El riesgo es parte esencial de la aventura de vivir y amar. El dolor está muy presente en el monólogo. Como dije al principio, se trata de la desorientación y angustia de dos seres vivos que lloran a su amo.
Pedro Almodóvar presenta su primer filme en inglés, un cortometraje de 30 minutos con el protagonismo absoluto de la gran Tilda Swinton y el (des)amor como telón de fondo, un desgarrado monólogo basado en la obra de teatro del mismo título de Jean Cocteau, en la que el autor francés mostraba la tristeza, la rabia, el desamparo, la impotencia y las otras mil emociones de una despedida amorosa. "Un divertimento de lujo y un bombástico ejercicio de estilo (de Almodóvar) al lado de una Swinton superlativa". Así califica a este cortometraje Álex Vicente en El País, recalcando esa estupenda interpretación en la que la actriz londinense muestra todo un catálogo de sentimientos a través de una conversación telefónica en la que no se oye a la otra parte. A destacar también el excelente trabajo de dos habituales colaboradores de Almodóvar: José Luis Alcaine en la fotografía y Alberto Iglesias en la música.
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MADRES PARALELAS (2021)
Reparto principal | Penélope Cruz, Milena Smit, Aitana Sánchez-Gijón, Israel Elejalde
Ana es una joven que va a tener su primer hijo y está absolutamente aterrada. Janis es una mujer madura que va a ser madre al mismo tiempo que Ana. La historia sigue a estas dos mujeres en etapas muy diferentes de la vida, sin embargo, el nacimiento de sus respectivos hijos el misno día y en el mismo hospital creará en ellas un vínculo difícil de romper. Esta relación irá evolucionando de diferente forma a media que sus hijos vayan creciendo.
Aunque "Madres paralelas", película sobre la identidad y la maternidad, sobre el dolor y la responsabilidad, tiene una trama principal melodramática que responde al título -dos mujeres que dan a luz el mismo día en el mismo hospital, lo que ligará sus vidas para siempre-, Almodóvar sitúa la subtrama de la memoria histórica al inicio (y al final) de la cinta, como germen de todo, porque sin ese prólogo no existiría el resto; del mismo modo, sin aquella contienda nada sería como es en la actualidad, ni siquiera las generaciones nacidas en libertad
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EXTRAÑA FORMA DE VIDA (2023)
Reparto principal | Ethan Hawke, Pedro Pascal, Manu Rios, Jason Fernández
En Extraña forma de vida, Ethan Hawke y Pedro Pascal interpretan a un dúo de cowboys de mediana edad: Jake y Silva. Este cortometraje es un western que comienza con Silva atravesando el desierto para visitar al sheriff Jake en la localidad Bitter Creek. Poco más de dos décadas antes, ambos habían trabajado juntos como pistoleros a sueldo. La intención de Silva al ir al pueblo para tener un agradable reencuentro con su viejo amigo. Sin embargo, Jake tiene un motivo secreto por el que no tiene que ver con revivir los recuerdos de cuando eran compañeros de trabajo.
Extraña forma de vida marca un hito en la carrera de Almodóvar al abrir una brecha que durante mucho tiempo ha deseado explorar. Además, es un alivio ver que el director finalmente pudo llevar a cabo su visión, quitándose la espina de no haber dirigido en su momento Brokeback Mountain, 2005, proyecto que le fue ofrecido. El rodaje tuvo lugar en el desierto de Tabernas, en Almería, siguiendo las huellas de Sergio Leone y Ennio Morricone. Almodóvar no pretendía hacer un spaghetti western al estilo de los directores y músicos italianos, sino mantenerse fiel a la tradición del género del Oeste americano, siguiendo la estela hollywoodiense. Extraña forma de vida es un capricho muy personal del cineasta.
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LA HABITACIÓN DE AL LADO (2024)
Reparto principal | Tilda Swinton, Julianne Moore, John Turturro, Alessandro Nivola
Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce.
La película habla de la crueldad de las guerras, de las diferentes formas que tienen las dos escritoras para acercarse, al mismo tiempo que escriben sobre muerte, amistad y placer sexual como buenos aliados para luchar contra el horror. Y también hablan del despertar con el sonido de los pájaros, en una casa ubicada en la reserva natural de New England, donde ambas viven una situación extrema que tiene un lado dulce.
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Premios y nominaciones
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1989 | Mejor película extranjera | Mujeres al borde de un ataque de nervios | Nominado |
| 1999 | Mejor película extranjera | Todo sobre mi madre | Ganador |
| 2003 | Mejor director | Hable con ella | Nominado |
| Mejor guion original | Ganador | ||
| 2020 | Mejor película internacional | Dolor y gloria | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1989 | Mejor película extranjera | Mujeres al borde de un ataque de nervios | Nominado |
| 1998 | Mejor película extranjera | Carne trémula | Nominado |
| 1999 | Todo sobre mi madre | Ganador | |
| Mejor director | Ganador | ||
| Mejor guion original | Nominado | ||
| 2002 | Hable con ella | Ganador | |
| Mejor película extranjera | Ganador | ||
| 2004 | La mala educación | Nominado | |
| 2006 | Volver | Nominado | |
| 2009 | Los abrazos rotos | Nominado | |
| 2011 | La piel que habito | Ganador | |
| 2016 | Julieta | Nominado | |
| 2020 | Dolor y gloria | Nominado | |
| 2021 | Madres paralelas | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1990 | Mejor película extranjera | ¡Átame! | Nominado |
| 1992 | Tacones lejanos | Ganador | |
| 1999 | César de honor | Ganador | |
| 2000 | Mejor película extranjera | Todo sobre mi madre | Ganador |
| 2003 | Mejor película de la Unión Europea | Hable con ella | Ganador |
| 2005 | La mala educación | Nominado | |
| 2007 | Mejor película extranjera | Volver | Nominado |
| 2020 | Dolor y gloria | Nominado | |
| 2021 | Madres paralelas | Nominado | |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1988 | Premio al mejor director extranjero | Mujeres al borde de un ataque de nervios | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1989 | Mejor película en lengua no inglesa | Mujeres al borde de un ataque de nervios | Nominado |
| 1992 | Tacones lejanos | Nominado | |
| 2000 | Todo sobre mi madre | Ganador | |
| 2003 | Hable con ella | Ganador | |
| 2007 | Volver | Nominado | |
| 2010 | Los abrazos rotos | Nominado | |
| 2012 | La piel que habito | Nominado | |
| 2020 | Dolor y gloria | Nominado | |
| 2021 | Madres paralelas | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1999 | Mejor película extranjera | Todo sobre mi madre | Nominado |
| 2003 | Hable con ella | Ganador | |
| 2005 | Mejor película extranjera de habla hispana | La mala educación | Nominado |
| 2007 | Mejor película iberoamericana | Volver | Ganador |
| 2010 | Los abrazos rotos | Nominado | |
| 2012 | La piel que habito | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2006 | Mejor director | Volver | Ganador |
| Mejor guion original | Ganador | ||
| 2009 | Mejor guion original | Los abrazos rotos | Nominado |
| 2011 | Mejor guion adaptado | La piel que habito | Nominado |
| 2019 | Mejor director | Dolor y gloria | Ganador |
| Mejor guion original | Ganador | ||
| 2021 | Mejor director | Madres paralelas | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2017 | Mejor dirección | Julieta | Ganador |
Festivales
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1999 | Premio al mejor director | Todo sobre mi madre | Ganador |
| 2006 | Premio al mejor guion | Volver | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1988 | Golden Osella al mejor guion | Mujeres al borde de un ataque de nervios | Ganador |
| 2019 | León de Oro a toda una trayectoria | - | Ganador |
| 2024 | León de Oro | La habitación de al lado | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1987 | Premio Teddy | La ley del deseo | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1987 | Mejor director | La ley del deseo | Ganador |
Otros reconocimientos
- Premio Nacional de Cinematografía (1990).
- Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2006).
- Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011).
- Premio Renoir del Sindicato de Guionistas de EE. UU. (2015).
- Premio Feroz de Honor (2023).
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La primera etapa de la obra de Pedro Almodóvar, a caballo entre el cine underground de factura artesanal, surgido volcánica y anárquicamente de la movida madrileña, y la fundación de su productora El Deseo, en colaboración con su hermano Agustín, marca una etapa clave en la carrera del realizador, que se clausura en 1984 con su film ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, una obra que exhibe una notabilísima madurez técnica y profesional. La inmediatamente posterior creación de la empresa El Deseo –inaugurada con Matador y La ley del deseo en 1986– fue un signo inequívoco de profesionalización industrial y de vertebración empresarial, cuando el nombre del realizador aún no había traspasado nuestras fronteras, dejando atrás con su organización y su voluntad expansiva el artesanado voluntarista y lúdico de su primera etapa, que es la que examinaremos con cierto detalle en ese trabajo. Su descubrimiento y celebración internacional no llegaría hasta la exitosa difusión mundial de Mujeres al borde del ataque de nervios (1987), un título que actuó como gancho de arrastre para que su obra previa alcanzase la difusión internacional.
El núcleo del presente artículo pretende establecer los nexos existentes entre la obra de Pedro Almodóvar y el cine clásico de Hollywood, y para ello hago referencia a secuencias y títulos de algunas de las películas más representativas de los grandes Estudios. La intertextualidad establecida entre el modelo norteamericano de los 30, 40 y 50 y la filmografía del director manchego es una realidad que viene a demostrar, frente a una industria al servicio de los videojuegos y los efectos especiales, que los filmes con argumentos complejos y maduros no están anticuados, únicamente olvidados por una producción en serie que en nada beneficia al futuro del sector cinematográfico.
en los films de Pedro Almodóvar
El presente trabajo se propone analizar algunos aspectos de la construcción de la imagen femenina en los films de Pedro Almodóvar. Es indudable que su aporte como director ha dejado una marca muy importante en la historia del cine español contemporáneo. La evolución de su filmografía así lo testimonia, y esto se ha visto inevitablemente reflejado a través de sus personajes dado que, su universo diegético se halla poblado mayoritariamente de protagonistas femeninas, lo que nos lleva a realizar una reflexión acerca de los diversos tipos de mujeres que habitan en sus encuadres. El alcance internacional del cine de Pedro Almodóvar ha despertado el profundo interés de los críticos y el público, reconociendo en sus obras las marcas de un autor que ha sabido reflejar la problemática de su época. Su personal narrativa, su estética y variopinta temática, hacen de él uno de los realizadores más inteligentes, incisivos y originales de habla hispana. En su estética parecen confluir elementos de dos mundos: los españoles y aquellos correspondientes al pop americano, cuyo sincretismo sirve para ambientar de forma privilegiada sus historias.
Le agradecemos que haya seleccionado nuestro trabajo para incluirlo en su página web y,
por supuesto, la gentileza de su aviso. Nos parece espléndido el trabajo que realiza sobre cine
e increíble la información que ha compilado. Un cordial saludo,
desde 1980 hasta la actualidad a través de su filmografía
Muchas gracias por incluir el artículo. He consultado su página y lo felicito por el trabajo realizado.
Su aportación, además de laboriosa, es de una gran utilidad para los amantes del cine.
BENIGNO LEÓN FELIPE
Departamento de Filología Española Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación / Facultad de Educación Universidad de La Laguna
de Pedro Almodóvar
Entre los personajes de las películas de Pedro Almodóvar destacan los relacionados con las profesiones artísticas: cantantes, músicos, directores de cine, guionistas, actores, escritores, pintores, escultoras, etc. Esta investigación se centra en la figura del fotógrafo para establecer cómo se muestra al fotógrafo y al acto fotográfico en la filmografía de Almodóvar. El segundo objetivo es determinar cuáles son las tipologías más habituales y los atributos que las definen. Para ello, se realizó un análisis de contenido cualitativo de la producción íntegra de este director, delimitando una muestra de once películas cuyo rasgo común es la presencia del fotógrafo y como unidad de análisis las escenas que este protagoniza. Se elaboraron algunas tipologías a partir de una clasificación de elaboración propia basada en investigaciones anteriores (Dubois, 2013; Parejo, 2011). Se concluye que en la filmografía de Almodóvar se priorizan los actos fotográficos de profesionales retratando a famosos y se observa una evolución del fotógrafo profesional hacia la caracterización de otros roles, como el voyerismo, la fotografía doméstica y la de imágenes robadas.
Cocteau, Williams y Lorca.
El cine de Pedro Almodóvar ha sido considerado reiteradamente como teatral. El motivo, en muchas ocasiones, ha sido la recurrencia a inter textos teatrales. El objetivo de este ar tículo es analizar el modus operandi del director español a la hora de adaptar obras teatrales en su filmografía. Para ello se analiza la puesta en escena fílmica de las obras La voz humana de Jean Cocteau, Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams y Bodas de sangre. Yerma de Federico García Lorca en los filmes La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios. Todo sobre mi madre. Siguiendo las clasificaciones de Anxo Abuín y de José Antonio Pérez Bowie, podemos concluir que el ar tificio detectable en gran par te de su cine es derivado a una concepción de theatrum mundi, donde todo queda imbuido de una per formatividad evidente.
así que me alegra muchísimo poder tener espacio en su estupendo proyecto Archivo Cine.
Le mando un cordial saludo y gracias, de corazón, por incluir mi artículo,
de las películas de Pedro Almodóvar
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Enlaces de interés
YouTube: Video de Pedro Almodóvar - Películas: Películas de Pedro Almodóvar
Imágenes: Imágenes de Pedro Almodóvar - Videos: Más videos de Pedro Almodóvar
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Sergio Leone
Creador del género de los spaghetti western, en boga durante los años 60
Sergio Leone empezó su carrera como ayudante de directores como Comenicini, Soldati y Camerini, y de directores estadounidenses que rodaban en Italia. Tuvo una destacada participación en Sodoma y Gomorra (1962), de Robert Aldrich, filme en el que dirigió los exteriores. Debutó como realizador en El coloso de Rodas (1961) y, varios años más tarde, inició, con Por un puñado de dólares (1964), una serie de westerns violentos y algo brutales, pero rodados con singular fuerza, que le dieron una gran popularidad y batieron récords de taquilla. Esta película, caracterizada por su elegante estilización y la abundancia de primeros planos, imprimió un gran impulso a la entonces estancada carrera de Clint Eastwood, caracterizado como "El hombre sin nombre". Hasta tal punto influyó el estilo de Leone en el actor y cineasta estadounidense que, cuando recibió el Oscar por Sin perdón (1992), Eastwood se lo dedicó en parte al director italiano. Siempre con el gran Ennio Morricone en la banda sonora, Sergio Leone mejoró la fórmula en las dos secuelas que le siguieron, La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), las cuales formaron, junto con la anterior, una trilogía. Respaldado por un cuantioso presupuesto de la Paramount, contó con figuras como Henry Fonda, Charles Bronson y Claudia Cardinale para rodar Hasta que llegó su hora (1968), una película épica y coral que muchos consideran su obra maestra, aunque fue un fracaso de taquilla. Desanimado, trabajó sobre todo como productor, pero en 1984 volvió para dirigir su proyecto más ambicioso, Érase una vez en América (1984). Financiada por la industria de Hollywood, es una saga de gángsters de cuatro horas de duración, protagonizada por Robert De Niro. En el momento de su fallecimiento estaba trabajando en un proyecto todavía más ambicioso, una coproducción de setenta millones de dólares sobre el sitio de Leningrado. (FUENTE: https://www.biografiasyvidas.com/)
Las películas dirigidas por Sergio Leone
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
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EL COLOSO DE RODAS (1961)
Reparto principal | Rory Calhoun, Lea Massari, Mabel Karr, Conrado San Martín
El héroe de la guerra en Grecia, Darío, llega a la isla de Rodas para disfrutar de unas vacaciones invitado por el rey. Todo va a las mil maravillas y Darío quiere descansar después de un conflicto bélico de lo más complicado. Sin embargo, los habitantes de Rodas no están tan tranquilos ya que están preparando una rebelión contra el rey de la isla. La paz de Darío se verá enturbiada por esta revuelta de los esclavos. El héroe griego decide aliarse con los fenicios y terminar con la rebelión lo antes posible. Pero, con el tiempo, Darío se dará cuenta de que se encuentra en el bando equivocado…
La primera película de Sergio Leone, quien ya había trabajado como ayudante del director en péplums como "Los últimos días de Pompeya", "Quo vadis?" y "Ben-Hur", fue esta cinta de romanos cuyo nombre viene de la gran estatua dedicada al dios Helios erigida en la isla griega de Rodas. Filmado en las cántabras localidades de Laredo y Santoña, el largometraje contó con el protagonismo de uno de los actores más populares del espagueti wéstern, Rory Calhoun, algo que pareció premonitorio, pues fue en este género del Oeste en el que Leone brilló más. Memorable la juvenil feminidad de Lea Massari, entonces recién descubierta por Michelangelo Antonioni en "La aventura". Como curiosidad, a pesar de ser el responsable de míticos filmes como "La muerte tenía un precio", "Por un puñado de dólares" o "El bueno, el feo y el malo", "El Coloso de Rodas" siempre fue la película favorita de Leone y la única que no fue musicada por Ennio Morricone.
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SODOMA Y GOMORRA (1962)
Codirigida junto a Robert Aldrich
Reparto principal | Stewart Granger, Pier Angeli, Stanley Baker, Rossana Podestà
Adaptación cinematográfica del relato del 'Génesis' en el que se narra la destrucción divina de las perversas ciudades de Sodoma y Gomorra, esta producción estadounidense de 1962, dirigida por Robert Aldrich, aborda la llegada a las ciudades hermanas de una tribu hebrea liderada por Lot tras atravesar el desierto. Allí Lot conoce a Ildith, una esclava de la que se enamora y con la que se desposa. La convivencia de los hebreos con los sodomitas hace que los primeros adopten los vicios de los segundos. La creciente degeneración moral de sus habitantes lleva a Dios a decidir la destrucción de Sodoma y Gomorra. Lot pide clemencia para sus habitantes y Dios le anuncia por medio de dos ángeles que perdonará a las ciudades del castigo si encuentra a diez sodomitas justos. Lot no lo consigue y debe abandonar las ciudades junto a su tribu.
Robert Aldrich llevó a la práctica una de sus máximas: "Todo director debería rodar una película bíblica, aunque la verdad es que no hay mucho que uno pueda hacer con esta clase de filmes". Sergio Leone, el posterior padre del espagueti wéstern, rodó parte del filme, aunque sin aparecer en los títulos de crédito.
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POR UN PUÑADO DE DÓLARES (1964)
Reparto principal | Clint Eastwood, Gian Maria Volonté, Marianne Koch, José Calvo
Un pistolero llega a un pueblo fronterizo entre Estados Unidos y México, que se disputan dos clanes rivales, los Rojo y los Baxter. Él va ofreciendo sus ‘servicios’ a unos y otros, a cambio del puñado de dólares del título. Frío e implacable, aficionado a las respuestas cínicas –“Nos divertiremos… mientras estemos vivos”, anuncia a unos compañeros de juerga–, demostrará tener corazón cuando echa una mano para lograr la reunificación de una familia. Y de un modo quizá no muy ortodoxo, logrará limpiar el lugar de indeseables.
La película, una especie de revisión rodada en Almería del filme japonés "Mercenario", significó el primer éxito comercial importante del despectivamente denominado espagueti wéstern, con la revelación de Clint Eastwood como protagonista. El éxito del filme hizo que continuara la colaboración entre el director, Sergio Leone, y Eastwood. En los créditos, cabe destacar la presencia del prestigioso autor Ennio Morricone, responsable de la banda sonora de la película.
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LA MUERTE TENÍA UN PRECIO (1965)
Reparto principal | Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Gian Maria Volonté, Klaus Kinski
El Manco y el Coronel Mortimer son dos hombres que se llevan a matar y que se ganan la vida cazando recompensas, es decir, entregando a los malos a la justicia. Los dos buscan a un malhechor apodado El Indio y deciden aliarse para capturarlo más rápido. El pacto incluye el reparto de la recompensa que obtengan a partes iguales. El Manco es un hombre de fuerza que tiene gran agilidad con el revólver, pero el Coronel, en cambio, prefiere usar la cabeza. Con dos personalidades tan distintas es de entender que durante la captura surjan mil malentendidos entre ellos.
El director Sergio Leone y el actor Clint Eastwood recuperaron al personaje del Hombre Sin Nombre, que ambos habían creado para la clásica "Por un puñado de dólares". Cabe destacar también la pegadiza banda sonora, que tiene el sello inconfundible del célebre compositor italiano Ennio Morricone. La película, que fue rodada íntegramente en España, arrasó en las taquillas y propició la producción de una secuela igualmente exitosa: "El bueno, el feo y el malo".
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EL BUENO, EL FEO Y EL MALO (1966)
Reparto principal | Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffrè
Durante la Guerra de Secesión, tres hombres se lanzan en busca de un arca que contiene 200.000 dólares en monedas de oro robadas al ejército sudista. Tuco sabe que el tesoro se encuentra en un cementerio, mientras que Joe conoce el nombre inscrito sobre la lápida sepulcral que sirve de escondite. Se necesitan el uno al otro. Pero aparece un tercer hombre: Setenza, un desalmado que no vacila en masacrar a mujeres y niños para conseguir lo que quiere.
A lo largo de los años 60, las producciones europeas que querían llegar a un gran público encontraron una nueva fórmula: copiar los estereotipos de los géneros típicamente yanquis que ya habían cerrado su ciclo. Así surgieron subgéneros como el péplum o el espagueti wéstern, este último encabezado por el director Sergio Leone. Aunque fue maltratado por la crítica, influyó incluso a las películas de Hollywood, ya que muchos productores empezaron a financiar películas del Oeste al estilo de los de Leone. "El bueno, el feo y el malo" supone la última película de la llamada trilogía de los dólares, precedida por "Por un puñado de dólares" y "La muerte tenía un precio".Todas ellas fueron dirigidas por Sergio Leone y protagonizadas por Clint Eastwood en el papel del hombre sin nombre.También las tres contaron con la música de Ennio Morricone y, en el caso de "El bueno, el feo y el malo", su melodía se convirtió en una de las clásicas del género.
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HASTA QUE LLEGÓ SU HORA (1968)
Reparto principal | Charles Bronson, Henry Fonda, Claudia Cardinale, Jason Robards
En un pueblo pobre y desértico en el que nunca ocurre nada, Brett McBain decide preparar una fiesta de bienvenida para su bella esposa, Jill. Cuando ésta llega a casa después de un largo camino desde Nueva Orleáns, descubre que McBain y sus hijos han sido asesinados por una banda de pistoleros. Jill, entonces, hereda la fortuna de su marido, lo que la sitúa en el punto de mira del Barón del Ferrocarril Morton, encargado de dar la orden de asesinar a su familia. Mientras, un misterioso extraño acompañado de una harmónica y conocido con el mismo nombre que su instrumento, "Harmónica", busca a Frank, el sanguinario pistolero que trabaja bajo las órdenes del Barón. Por otro lado, el fugitivo Cheyenne, que es acusado de haber asesinado a la familia McBain, se une a "Harmónica" en la búsqueda.
Con esta película, el mítico director Sergio Leone empezó su despedida del espagueti wéstern, un subgénero al que había conseguido dotar de entidad propia. Para los críticos, este es el mejor filme de Leone y el que mejor sublima las características de su cine. Con unos espléndidos Henry Fonda, Claudia Cardinale y Jason Robards, "Hasta que llegó su hora" supuso también el inesperado arranque de una trilogía, que acabaría completándose con "Agáchate maldito" y "Érase una vez en América". Además, contó en el guion con dos posteriormente conocidos directores como Dario Argento y Bernardo Bertolucci. Cabe destacar la banda sonora original del inigualable Ennio Morricone.
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¡AGÁCHATE MALDITO! (1971)
Reparto principal | James Coburn, Rod Steiger, Maria Monti, Romolo Valli
Juan Miranda es un campesino mexicano convertido en cabecilla de un grupo de bandidos. John Mallory, irlandés, es un antiguo miembro del IRA y experto en explosivos que vive motivado por intereses políticos. Ambos se conocen en México y deciden unirse para cometer una serie de atracos a bancos. Poco después, se verán involucrados con miembros de la Revolución.
Su renuncia a realizar “El Padrino” hizo posible que Sergio Leone pudiera trabajar en la ambiciosa “Agáchate, maldito”. La película suponía un paréntesis en la trayectoria del italiano que, proponiendo su visión personal de la Revolución Mexicana, quería alejarse de la tendencia monotemática de su filmografía. Sin embargo, el resultado fue un gran fracaso que condicionó el futuro de su trayectoria profesional, ya que los productores estadounidenses que habían invertido en sus últimas producciones dejaron de considerar a Leone como sinónimo de rentabilidad. El inventor del 'spaguetti western' sólo volvería a dirigir una película más, “Érase una vez en América”.
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ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA (1984)
Reparto principal | Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Tuesday Weld
Por su duración, se llegó a presentar en las pantallas de cine en dos partes, y la obra grabada
se encuentra también en dos partes, aunque en el rodaje no hay intención de intermedio.
Con un relato que abarca cuatro décadas durante su desarrollo, la película cuenta la historia de David "Noodles" Aaronson y sus amigos judíos: Max, Cockeye y Patsy. Desde la crónica de su infancia en el proletario barrio hebreo Lower East Side de Nueva York en la década de 1920 hasta el inicio y evolución de su carrera como gángser durante los años 1930, cuando, como consecuencia de la Ley Seca, se convirtieron en algunos de los mafiosos más importantes y poderosos de la ciudad. Culmina con el regreso de Noodles a Nueva York en 1968 tras el fin de un exilio voluntario que él mismo se impuso para romper con todo ese mundo. Sin embargo, en el momento de su vuelta a la ciudad se enterará de la verdad sobre el destino de sus amigos y deberá enfrentarse de nuevo a las pesadillas que vuelven desde el pasado para acecharle.
Fue la última película de Sergio Leone, uno de los inventores del espagueti wéstern. Leone presentó un montaje de casi cuatro horas, pero el estudio cortó la película hasta dejarla en 139 minutos, lo que dañó irreparablemente su continuidad, aunque posteriormente se restauró el metraje original. La cinta se saldó con un desastre comercial, debido, en gran parte, a este sabotaje por parte de la productora. Pese a ello, muchos la consideran como una obra maestra del género de gánsteres.
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Premios y nominaciones
Globos de Oro
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1984 | Mejor director | Érase una vez en América | Nominado |
BAFTA
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1984 | Mejor director | Érase una vez en América | Nominado |
David de Donatello
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1972 | Mejor director | Agáchate maldito! | Ganador |
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Western hasta Érase una vez en América
El primer encuentro entre Sergio Leone y Ennio Morricone tiene lugar en un internado de Roma, durante la niñez de ambos. Aunque fueron amigos entonces, sus caminos se separaron, y se reencontrarían sólo muchos años después, en 1964, cuando Leone, tras su Coloso de Rodas, se interesa por la música de su antiguo amigo para su primer western. Mientras tanto, Morricone, el niño que a los nueve años había transcrito de oído la obertura de Der Freischtz, de Weber, había estudiado ya trompeta y composición (una combinación explosiva, a juicio de sus profesores) en el Conservatorio de Roma, y tenía amplia experiencia como arreglista de música pop y compositor para cine y teatro, labores en las que había oficiado más de artesano que de artista. Ésta es una de las dos preguntas principales que el espectador puede hacerse al pensar en una labor como la de Leone y Morricone.
que marcó un nuevo paradigma
Como comienzo de este trabajo sobre la carrera en el séptimo arte del productor,actor, guionista, script, asistente de dirección, director de segundaunidad y, sobretodo, director italiano Sergio Leone (1929-1989) vamos a realizar una breve síntesis de cómo estará estructurado el trabajo en cada una de sus partes ya presentadas en el índice; cómo se tratarán cada una de estas partes y, por último, de qué obras cinematográficas vamos a tratar y usar para la realización de este trabajo de estudio. Primero trataremos los antecedentes laborales que ha tenido Leone hasta justo antes de que fuese empujado a ser el director durante elrodaje y postproducción de Gli ultimi giorni di Pompei (1959), a la par que trataremos sus primeras influencias y referentes, y distintas acciones, hechos y consecuencias que le han servido o empujado a lo largo de su carrera.
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Enlaces de interés
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Luis García Berlanga
La España de Berlanga: Cómo el director reflejó nuestra historia a través de su cine
Nacido en Valencia el 12 de junio de 1921 y fallecido en Madrid el 13 de noviembre de 2010. En 1936, cuando estudiaba en la Academia Cabanilles, sobrevino la Guerra Civil. Al terminar la contienda, su padre, antiguo diputado del Frente Popular, fue condenado a muerte por el bando franquista. Con la idea de mejorar la situación carcelaria de su progenitor, el joven se alistó el 14 de julio de 1941 en la División Azul. La etapa que pasó en Rusia, combatiendo en el frente de Novgorod, fue una de las más tenebrosas de su vida. Tras múltiples penalidades, volvió a España en 1942. Hacia 1943 comenzó a sentir una marcada inclinación por la poesía y el cine. Volcado definitivamente en el cine, en 1947 ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC). Ya diplomado, en 1951 dirigió junto a Bardem el largometraje Esa pareja feliz. Su colaboración con Bardem se prolongó en ¡Bienvenido, Mister Marshall! (1952), cuyo guión escribieron juntos. La película, título mítico del cine español, tuvo una buena acogida en el Festival de Cannes y también concurrió al Festival de Cine de Venecia, donde el presidente del jurado, Edward G. Robinson, expresó su indignación por lo que él interpretó como antiamericanismo del filme. La audacia conceptual y política de ¡Bienvenido, Mister Marshall! tuvo su continuación en posteriores obras del cineasta, donde su ácida crítica social quedaba matizada por el costumbrismo y cierto humor negro arraigado en la literatura cómica de las vanguardias. Lógicamente, ese tipo de planteamiento no era bien admitido por la censura imperante. De hecho, otro filme de Berlanga, Los jueves, milagro (1957) fue alterado por los censores y tardó varios años en estrenarse. Desde el punto de vista formal, Berlanga desarrolló un estilo sobrio y de montaje sencillo, frecuentando mucho el plano secuencia. Al narrar sus historias a través de un reparto coral, este recurso narrativo aproximó su cine a la fórmula teatral. En 1955, el cineasta participó en las Conversaciones de Salamanca, un encuentro donde se debatió el futuro del cine español. Un año después, rodó Calabuch, y en 1958 comenzó a impartir clases de cine en el IIEC. La producción de Se vende un tranvía (1959) significó su primer encuentro profesional con el escritor y guionista Rafael Azcona, responsable de los argumentos más importantes de la cinematografía de Berlanga. El siguiente largometraje en que colaboraron, Plácido (1961), se ambientaba en una pequeña ciudad de provincias y mostraba las contradicciones de las campañas de caridad, vacías de contenido frente a las carencias más acuciantes de buena parte de la población. Ese mismo año, Berlanga rodó una de sus mejores películas, El verdugo. Su feroz retrato de la sociedad española no gustó a las autoridades franquistas, y aunque el filme llegó a presentarse con éxito en el Festival de Venecia, los responsables de la administración mostraron su total disconformidad con la película. En 1973 el director viajó a París, con el fin de organizar el rodaje de Tamaño natural, otro largometraje polémico, esta vez centrado en la pasión fetichista de un hombre que se enamora de una muñeca. Pocos años después, en la etapa de la transición democrática, Berlanga dirigió la trilogía formada por La escopeta nacional (1977), Patrimonio nacional (1980) y Nacional III (1982), donde quedaban de manifiesto los desarreglos de la alta burguesía a la hora de abandonar sus antiguos privilegios y amoldarse a los nuevos modos políticos. En esta misma línea, rememorando el pasado, estrenó La vaquilla (1985), ambientada en la Guerra Civil y cuyo guión no había podido rodar previamente por problemas con la censura. La calidad de su cinematografía y la independencia personal del director favorecieron su reconocimiento público en los años que siguieron al fin de la dictadura. (FUENTE: https://www.mcnbiografias.com/)
Las películas dirigidas por Luis Garcia Berlanga
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
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ESA PAREJA FELIZ (1951)
Codirigida junto a Juan Antonio Bardem
Reparto principal | F. Fernán Gómez, Elvira Quintillá, Félix Fernández, José Luis Ozores
Juan lucha por ganarse la vida como técnico electricista en un estudio cinematográfico y está siempre alerta para conseguir un dinerillo extra. Aunque tiene una pared llena de diplomas por correspondencia, todavía es incapaz de arreglar un simple transistor. Mientras, su mujer Carmen está obsesionada con los concursos y compra más pastillas de jabón de las que la pareja nunca necesitará sólo para probar suerte con los cupones. Justo cuando Juan ha perdido su trabajo por seguir los consejos de un granuja que quería engañarlo, un hombre comunica al matrimonio que acaban de ganar un concurso de la empresa de pastillas de jabón siendo seleccionados como la Pareja Feliz. Deben acudir a Madrid para pasar un día gastando en ropas caras y buenos restaurantes, pero Juan decide utilizar el coche del concurso para ir a la búsqueda del hombre que lo ha traicionado.
Debut tras las cámaras de uno jóvenes Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, en un momento en que España todavía vivía la dureza de la posguerra. Con un guión escrito también de manera conjunta, Bardem y Berlanga intentaron dar a la comedia española del momento cierto contenido crítico, o cierta densidad al relato. Pese a que en su momento no fue una película muy bien entendida, con el tiempo ha sido mucho mejor considerada. En el papel protagonista, un joven Fernando Fernán Gómez.
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BIENVENIDO, MISTER MARSHALL (1953)
Reparto principal | José Isbert, Manolo Morán, Lolita Sevilla, Alberto Romea
El alcalde de Villar del Río, un hombre bonachón y un poco duro de oído, recibe la noticia del paso por la localidad de las autoridades estadounidenses que facilitan ayuda económica al país. Así, decide disfrazar a toda la población al más puro estilo andaluz para sorprender a sus visitantes y recibir mayor cantidad de dinero.
En principio, la película fue un encargo que tenía como objetivo principal el lanzamiento de la joven cantante Lolita Sevilla. El filme debía contener, por lo menos, cinco canciones para su lucimiento personal. Berlanga aceptó el proyecto, pero lo convirtió en una dura sátira sobre el Plan Marshall, la ayuda económica de los yanquis a Europa que, irónicamente, no llegó a España.
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NOVIO A LA VISTA (1954)
Reparto principal | Josette Arno, Jorge Vico, Julia Caba Alba, Antonio Riquelme
Nada como el pretexto del veraneo para irse hacia las playas en busca de novios posibles para las muchachas casaderas. Esto pensaban las mamás de principios del siglo XX. En 1914, Loli es convencida por la suya, abandonando los juegos propios de sus pocos años. Su madre la acompaña a una playa de moda, la de San Sebastián, con el secreto propósito de que la chica encuentre un novio conveniente, a ser posible un prometedor ingeniero a quien ellos conocen de veranear siempre en ese lugar. Sin embargo, ella mantiene una relación amorosa, puramente platónica y adolescente, con un chico de su edad, Enrique, quien a consecuencia de su fracaso en los exámenes de junio está obligado familiarmente a invertir la mayor parte del verano en preparar el examen de septiembre.
Basada en una historia de Edgar Neville, se trata de una película bastante insólita dentro de la filmografía de Luis García Berlanga, que retrata el ambiente de principios de siglo y la situación de posguerra (en este caso post Primera Guerra Mundial) con un humor sutil. Berlanga estuvo apunto de contar como protagonista con la en aquel momento desconocida Brigitte Bardot, pero no pudo ser por incompatibilidades de fechas. Entonces, se sustituyó por la no menos popular actriz francesa Josette Arno. La película supuso, también, el debut cinematográfico de Terele Pávez, y además contó con un amplio reparto de los mejores secundarios de la época, entre ellos: José Luis López Vázquez, o Fernando Aguirre.
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CALABUCH (1956)
Reparto principal | Edmund Gwenn, Valentina Cortese, Juan Calvo, Franco Fabrizi
Jorge es un científico nuclear que huye de Estados Unidos asustado por su participación en la creación de la bomba atómica. Se refugia en un pueblo mediterráneo llamado Calabuch. Pronto conectará con las gentes del lugar, ayudándoles a realizar los mejores fuegos artificiales jamás vistos en la región. Sin embargo, la popularidad de Jorge empieza a crecer, poniendo en peligro su anonimato.
El director y guionista Luis García Berlanga presenta esta entrañable comedia, la menos ácida de su filmografía, en la que ofrece el retrato de un idílico pueblecito mediterráneo. Este filme, de carácter costumbrista y muy influido por el llamado neorrealismo rosa que puso de moda "Pan, amor y fantasía" de Luigi Comencini, es una coproducción hispano-italiana que cuenta con un equipo formado por grandes profesionales de ambas nacionalidades. Así, la música está compuesta por Francesco Lavagnino; el guion, escrito por Leonardo Martín, Florentino Soria, el propio director y el prestigioso novelista italiano Ennio Flaiano; y como secundarios aparecen los habituales del cine de Berlanga: Juan Calvo, José Isbert, Félix Fernández, Nicolás Perchicot y Manuel Alexandre.
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LOS JUEVES, MILAGRO (1957)
Reparto principal | Richard Basehart, José Isbert, Paolo Stoppa, Juan Calvo
Para promocionar el balneario de Fontecilla, las fuerzas vivas del pueblo deciden inventarse un milagro, representando la aparición de San Dimas a un alma inocente de la localidad. Los problemas surgen cuando José, que ha representado al santo, se cansa del papel. Una de las primeras y más ácidas películas del director Luis García Berlanga. Se trata de una sátira con tintes neorrealistas sobre aspectos culturales de la sociedad de la época.
Una de las primeras y más ácidas películas del director Luis García Berlanga. Se trata de una sátira con tintes neorrealistas sobre aspectos culturales de la sociedad de la época. Coproducida entre Italia y España, sufrió los cortes de la censura, hasta el punto que Berlanga intentó que el fraile dominico encargado de los reajustes apareciera en los créditos como guionista. Aún así, tardó dos años en estrenarse en España. El reparto está encabezado por Richard Basehart, Paolo Stoppa José Isbert y Alberto Romea, ambos protagonistas del clásico "Bienvenido, Mr. Marshall". Como curiosidad, este fue el último rol de Romea, pues falleció pocos años después del estreno de la cinta.
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PLÁCIDO (1961)
Reparto principal | Cassen, J. L. López Vázquez, Amelia de la Torre, M. Carmen Yepes
Unas mujeres realmente adineradas tienen la intención de llevar a cabo una iniciativa en diferentes provincias de la Península durante la celebración de la Nochebuena, pretendiendo con ello festejar como es debido un evento multitudinario tan importante y señalado. Se trata de una campaña de acogida de gente necesitada bajo el lema "siente un pobre a su mesa", algo que cuenta con el respaldo de los principales mandatarios de las ciudades en las que se ha realizado la propuesta. La petición va aderezada por una colosal parafernalia que cuenta con el patrocinio de las ollas Cocinex: comenzará con una cabalgata de pobres, seguirá con la presentación de numerosas estrellas de cine llegadas ex profeso de Madrid, avanzará a continuación por medio de una subasta pública de convidados y finalizará con una aclamada retransmisión radiofónica para agradecer el apoyo de todos sus participantes.
La primera de las muchas colaboraciones entre Berlanga y el guionista Rafael Azcona. De este tándem saldrían muchos filmes llenos de humor ácido y sátira social, entre los que brilla con luz propia esta esperpéntica visión de la España de la época. Justamente con esta película y con "El verdugo", Berlanga y Azcona llegaron al mejor momento de su carrera. "Plácido" también supuso el debut cinematográfico de Cassen como actor y de Alfredo Matas como productor. En principio, la película se tenía que llamar "Siente a un pobre en su mesa" pero la censura no lo permitió. Fue candidata al Óscar a la mejor película de habla no inglesa, aunque la estatuilla recayó finalmente en "Ocho y medio" de Fellini.
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LAS CUATRO VERDADES (1962)
Dirigida por | Hervé Bromberger, René Clair, Alessandro Blasetti, Luis García Berlanga
La película se divide en cuatro episodios a partir de las célebres fábulas de La Fontaine:
"La muerte del leñador ", dirigida por Luis García Berlanga. El alemán Hardy Krüger interpreta a El rubio, un organillero acosado por la desgracia: la manivela con que hace música se halla requisada, debe afrontar una interminable lista de pagos, multas, sanciones e impuestos para poder recuperarla, y, como necesita el organillo para reunir el dinero con que pagar pero sin la manivela no lo puede hacer funcionar, le sale más a cuenta pedir a un amigo que regenta un tenderete callejero (Manuel Aleixandre) que birle otra para él en un puesto próximo, o bien fabricarse una artesanalmente. Para colmo, el mulo que arrastra el órgano se rompe una pata, y se ve abocado a cargar él mismo con el voluminoso artilugio… Su desesperación le lleva a plantearse el suicidio, pero ni eso, por lo visto, puede salirle bien… (FUENTE: 39escalones.wordpress.com/)
Dentro de la moda de las películas de episodios que proliferó en las cinematografías europeas, tanto dentro de los límites nacionales como en la modalidad de coproducción, desde los últimos 50 a los primeros 70, el punto de unión de Las cuatro verdades (1962) consiste en la traslación a época contemporánea y a personajes de carne y hueso de cuatro historietas del célebre fabulista francés Jean de La Fontaine (1621-1695). Las películas colectivas, en general, parten de la dificultad que supone el mantenimiento de una uniformidad visual, narrativa e interpretativa a lo largo de sus distintos compartimentos y, como resultado, en el conjunto final, sin que se resienta la unidad, la estética o la coherencia del acabado.
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EL VERDUGO (1963)
Reparto principal | Nino Manfredi, Emma Penella, José Isbert, Ángel Álvarez
José Luis es un empleado de una funeraria que tiene la intención de emigrar a Alemania para convertirse en un mecánico de alto nivel. Pero su sueño se ve truncado cuando su suegro Amadeo, un verdugo profesional, le pilla haciendo el amor con su hija Carmen, que es la novia de José Luis. El padre les obliga a casarse, pero ante la más que problemática falta de dinero, Amadeo le propone a José que coja su relevo como verdugo, ya que él está a punto de jubilarse, porque de esa forma obtendría un techo que ofrecerle a su hija. José Luis termina aceptando la proposición convencido de que nunca tendrá que ejecutar a nadie. Nada más lejos de la realidad.
Comedia negra que sin duda es una de las mejores películas de Luis García Berlanga. El realizador aprovecha un inspirado guión de Rafael Azcona que lanza una clara crítica contra la pena de muerte, pero también describe problemas de la España de la época, como la dificultad para acceder a una vivienda, la burocratización, etc. También describe fenómenos como el turismo emergente del momento. Según el propio Berlanga también quería tratar la dificultad del ciudadano para seguir su propio camino en libertad. "Lo importante en la historia es, a mi juicio, la facilidad con que el hombre contemporáneo acaba cediendo a los condicionamientos sociales, se trague inconscientemente -o quizá no- los elementales cebos que las circunstancias le tienden y quede así, sujeto a las garras de un estado de vida que no es el que íntimamente habría deseado", comentó el realizador. Como curiosidad, el director valenciano ha contado en más de una ocasión que la censura le hizo eliminar el sonido de los hierros del garrote vil, que el verdugo lleva en su maleta.
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LA BOUTIQUE (1967)
Reparto principal | Sonia Bruno, Rodolfo Bebán, Ana María Campoy, Osvaldo Miranda
Carmen es una mujer que vive en Buenos Aires cansada de su vida y, sobre todo, de su marido Ricardo, un hombre de negocios que no le aporta nada. El matrimonio está dando sus últimos coletazos y la madre de Carmen, Luisa, decide contarle a su yerno que su hija padece una enfermedad terminal -cosa que es mentira-. Ricardo, para aliviar un poco su sentimiento de culpa, decide abrir una boutique de ropa para que Carmen se haga cargo de ella. El plan de Luisa parece ir según ella había previsto hasta que Carmen empieza a filtrear con el decorador y Ricardo con la dependienta que han contratado. Por si no fuera sufuciente la complicada situación, Ricardo descubre la mentira que ha construido su suegra. Un asesinato comenzará a rondar la cabeza de los protagonistas.
Coproducción entre España y Argentina (en ese país se tituló Las pirañas) en lo que puede considerarse uno de los largometrajes más insípidos de Berlanga, quizá atacado por las modas de su reparto (Sonia Bruno y Rodolfo Bebán) y por un cierto toque hippy que no le favorece en absoluto. A pesar de algún que otro afortunado gag de Azcona, todo el desarrollo de su trama nos la coloca algo alejada del cine iconoclasta y cínico de su autor. Una lástima porque la idea no era del todo desdeñable.
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¡VIVAN LOS NOVIOS! (1970)
Reparto principal | J. L. López Vázquez, Laly Soldevila, José M. Prada, M. Alexandre
Leonardo llega a Mallorca con su madre el día antes de su boda con la bellísima Loli. Deseoso de aventuras antes de casarse, empieza a multiplicar los encuentros con mujeres, pero no consigue su objetivo, lo que le provoca una tremenda desilusión. Al llegar a casa, descubre que su madre se ha ahogado en la piscina. Loli y su familia intentan convencer a Leonardo para que no se sepa nada del accidente, con el único objetivo de no retrasar la fecha de la boda que, teniendo en cuenta el año de luto y el año alivio, podría aplazarse hasta dos años.
Una de las películas menos celebradas de Luis García Berlanga, en la que el director español vuelve a caricaturizar los elementos que conforman las relaciones familiares en España. Con una dosis de humor negro y esperpento, incluso más alta de lo habitual, "Vivan los novios" es un filme que vuelve a estructurarse a través de un reparto coral, formado por rostros tan conocidos de la filmografía de Berlanga como Manuel Alexandre o José Luis López Vázquez. Todo ello hizo que la cinta participara en la sección oficial del Festival de Cannes de 1970, a pesar de no conseguir el éxito crítico de filmes como "Plácido" o "El verdugo".
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TAMAÑO NATURAL (1974)
Reparto principal | Michel Piccoli, Rada Rassimov, Valentine Tessier, Queta Claver
Un respetado dentista parisino vive con su mujer y su madre hasta que un día recibe un paquete enviado desde Japón. El envío contiene una muñeca hinchable y el dentista decide irse a vivir con ella y amarla y respetarla como si fuera una mujer de verdad. Pero esta extraña relación está destinada a acabar en tragedia.
Cansado de que la censura franquista prohibiera muchos de sus proyectos, Berlanga se vio obligado a rodar esta película en francés. En España no fue estrenada hasta 1978, ya muerto el dictador. De todos modos, la película no tuvo problemas sólo en nuestro país, pues a nivel internacional provocó un gran escándalo y fue tachada de machista y misógina. Acusaciones de las que el director se defendió aduciendo que en realidad se trataba de una alegoría sobre la soledad e incomunicación de la sociedad actual.
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LA ESCOPETA NACIONAL (1978)
Trilogía de la familia Leguineche
Reparto principal | Luis Escobar, J. L. López Vázquez, A. Soler Leal, José Sazatornil
Es invierno de 1972 y el industrial catalán Jaime Canivell, representante de una importante fábrica de porteros electrónicos, viaja con su amante hasta Madrid para participar en una cacería en la finca Los Tejadillos, propiedad de los Marqueses de Leguineche. El acuerdo entre el marqués y Canivell consiste en que, de forma secreta, el segundo paga los gastos del evento y, a cambio, el marqués le aporta la posibilidad de codearse con sus invitados de la alta sociedad para que pueda mejorar su negocio e incluso conseguir alguna nueva venta de sus aparatos. El principal objetivo de Jaime es Álvaro, ministro de Industria, pero durante la cacería tendrá lugar un cambio de gobierno que dejará al contacto ministerial en la calle y el empresario deberá cambiar la orientación de sus atenciones para agasajar al nuevo equipo de gobierno, miembro del Opus Dei.
Comedia coral de Luis García Berlanga y primera entrega de una trilogía a la que seguirían "Patrimonio nacional" y " Nacional III", sobre la situación de la Transición española a través de una peculiar familia monárquica. Basado en un guion inspirado en las cacerías de Franco y rodado en largos planos, marca el comienzo del tercer período en la obra de Berlanga, caracterizado por un cine más comercial y cómico, aunque sin dejar la sátira y el realismo. La película supuso la consagración como intérprete del olvidado director de teatro Luis Escobar, una actuación memorable que lo encasillaría en el papel de aristócrata con tintes autoparódicos. Le acompañan un interminable elenco lleno de grandes nombres, entre los que destacan los fallecidos José Sazatornil, uno de los actores cómicos españoles más importantes del siglo XX, y el prolífico José Luis López Vázquez. Todo ello la convirtió en todo un clásico imprescidible del cine español.
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PATRIMONIO NACIONAL (1981)
Trilogía de la familia Leguineche
Reparto principal | Luis Escobar, J. L. López Vázquez, A. Soler Leal, Mary Santpere
Al finalizar el régimen franquista, el Marqués de Leguineche, tras treinta años de exilio voluntario, regresa a su palacio de Madrid, donde con la restauración de la monarquía, espera poder volver a reanudar la esplendorosa vida cortesana de antaño. Sin embargo, todas las tentativas de tomar contacto con el rey fracasan, lo que añadido a la actuación de los extraños seres que componen la familia del marqués, da lugar a inéditas y variadísimas situaciones.
Tras el éxito de "La escopeta nacional", Luis García Berlanga rodó "Patrimonio nacional", la segunda parte de la trilogía de comedias sobre la Transición, que cerró con "Nacional III" en 1982. Para esta nueva obra coral llena de personajes surrealistas, Berlanga contó con nombres habituales de su filmografía como el guionista Rafael Azcona y los actores Luis Escobar, José Luis López Vázquez, Luis Ciges, Agustín González, Amparo Soler Leal y Mary Santpere, entre otros. Entre el reparto de aristócratas figuran José Luis de Vilallonga y el escritor Joaquín Calvo Sotelo. También aparecen con pequeños papeles el dibujante Mingote y el realizador Jaime Chávarri.
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NACIONAL III (1982)
Trilogía de la familia Leguineche
Reparto principal | Luis Escobar, J. L. López Vázquez, A. Soler Leal, Agustín González
El Marqués vende el palacio y se traslada con Luis José, su hijo, a un piso de su propiedad. Les acompañan Segundo y Viti, los dos criados, que han contraído matrimonio. Muere el padre de Chus, la mujer de Luis José, por lo que toda la familia se traslada a Extremadura, donde tiene sus posesiones el difunto, para asistir al entierro y así poder sacar algo de la herencia. Chus, haciendo caso de las indicaciones de Luis José, decide vender la hacienda y evadir el capital a Francia, para lo que montan una pantomima en el tren de Lourdes.
Título que cierra la trilogía de la familia Leguineche. Aunque en esta ocasión el asunto no salió tal y como el público esperaba, ya que, desde su argumento inicial, parece más una comedia políticamente coyuntural de Mariano Ozores que una ácida crítica social de Berlanga. El filón ya estaba agotado, notándose cierta dejadez en un doblaje ineficaz, situaciones burdas (los camareros con la rosa en la mano, el truco fallido del brazo de escayola, el top-less limpiabotas...) y situaciones, diálogos y personajes demasiado vistos anteriormente en la serie. La acción tiene lugar en 1981, cuando después del fallido golpe de Estado de Tejero, los Leguineche deciden evadir su capital a Francia aunque, para su desgracia, el partido socialista gana las elecciones.
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LA VAQUILLA (1985)
Reparto principal | Alfredo Landa, Guillermo Montesinos, José Sacristán, Carles Velat
En medio de la Guerra Civil española, un pelotón de soldados republicanos cruza la línea del frente de Aragón con la intención de robar la vaquilla que el enemigo tiene intención de utilizar en una corrida para celebrar la festividad del patrón del pueblo en el que se encuentran. De esta manera piensan matar dos pájaros de un tiro consiguiendo comida para el regimiento y fastidiando la fiesta del bando sublevado. El brigada Castro y el teniente Broseta son los encargados de dirigir al pintoresco grupo de soldados que llevará a cabo la misión. Pero la tarea de raptar a la vaquilla no es tan sencilla como imaginaban y, una vez que se han infiltrado en el pueblo, los soldados vivirán toda clase de peripecias ocultando su pertenencia al bando republicano. Mientras, el comandante nacionalista tiene sus propios problemas con un marqués ansioso por que lance una ofensiva que acabe con la división en dos de su finca.
Luis García Berlanga, director que retrató con un humor crítico varios momentos de la historia reciente de España, plantea aquí una historia de la Guerra Civil Española. La película se estrenó fuera de la censura franquista, en 1985, aunque el guión es bastante anterior. Con la llegada de la democracia, el cineasta valenciano se decantó por la comedia de tono más popular como la trilogía de “La escopeta nacional” o la propia “La vaquilla”, escritas casi todas junto a su fiel guionista Rafael Azcona. La vaquilla fue una de las películas más caras del cine español y también fue un gran éxito de taquilla.
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MOROS Y CRISTIANOS (1987)
Reparto principal | F. Fernán Gómez, Agustín González, Rosa Maria Sardà, Pedro Ruiz
Los Planchadell son una familia propietaria de una fábrica de turrones. Cuando la venta de sus productos comienza a escasear, deciden viajar a Madrid para promocionar su turrón en una conocida feria gastronómica. Sin embargo, las cosas no salen como ellos pensaban y la situación es cada vez más insostenible. Tan solo la aparición de López, un excéntrico asesor de imagen, podría ayudarles a salir del bache. Con extrañas e insensatas técnicas de promoción y marketing, López consigue que poco a poco la venta de turrón aumente. Sin embargo su forma de actuar no agradará a Fernando Planchadell, el patriarca de la familia, un hombre serio con férreos principios que desde el primer momento rivalizará con el asesor.
Una comedia coral y alocada, en la línea de todas las de la última etapa de Berlanga. El trabajo le valió el Goya a la mejor actriz de reparto a Verónica Forqué. Además, estuvo nominada a otros tres cabezones: mejor guion y mejor actor de reparto (Pedro Ruiz y Agustín González, respectivamente). Del extenso reparto repleto de rostros conocidos del cine español como Fernando Fernán Gómez, Chus Lampreave, Andrés Pajares, Antonio Resines o José Luis López Vázquez, también destaca la presencia de Rosa Maria Sardà quien reemplazó en el último momento a Carmen Maura.
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TODOS A LA CárCEL (1993)
Reparto principal | José Sazatornil, Juan Luis Galiardo, A. González, Santiago Segura
Verano de 1993. Fuera de los muros de la cárcel Modelo de Valencia todo parece en calma: sólo hay una novedad más allá de las rejas, y es que se acerca el Día Internacional del Preso de Conciencia y el hábil Luis Quintanilla, secretario de la Organización, ultima los preparativos en la compañía del director del presidio. Al acto asistirán representantes de las fuerzas políticas, gente de la cultura y el espectáculo y, con suerte, alguien de la jet set. Sin embargo, detrás de tan esperpéntico e hipócrita espectáculo se traman intrigas paralelas, y es que un importante personaje de los que manejan la economía mundial está recluido en la mismísima prisión. Ahora, fuerzas secretas planean tanto su fuga como la posibilidad de eliminarlo, mientras los funcionarios están al borde de una huelga y los reclusos a un paso del motín.
Una de las películas más conocidas de Berlanga es esta comedia coral en la que comparten plano intérpretes de la talla de José Luis López Vázquez, Juan Luis Galiardo, José Sacristán, Agustín González o Manuel Alexandre. A pesar de ganar los Goyas a la mejor película, director y sonido, casi toda la crítica coincidió en calificarla como menor dentro de la filmografía de su ya mítico director. Aún así, la carga de ironía inherente al cine del valenciano se mantiene incólume.
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PARÍS-TOMBUCTÚ (1999)
Reparto principal | Michel Piccoli, Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Eusebio Lázaro
Michel des Assantes tiene éxito profesional como cirujano plástico, pero su vida, ya en la vejez, no le gusta. No quiere a su mujer, ni a su hijo, al que no puede evitar ver como un extraño, ni tampoco a sus amigos. Además, el doctor Des Assantes sufre una impotencia sexual que le genera gran frustración. Este conjunto de circunstancias le lleva a tomar la determinación de suicidarse. Cuando se prepara para hacerlo, arrojándose por la ventana, se da cuenta de que también carece de valor para dar ese paso. Finalmente, decide emprender un descabellado viaje en bicicleta entre París, donde vive, y la ciudad maliense de Tombuctú. De camino a África se detiene en un pueblo de la costa española, en el que conoce a la impulsiva Trini, una mujer madura que cambiará su percepción de las cosas junto al resto de alocados vecinos de una localidad dominada por la anarquía.
Luis García Berlanga anunció su retirada del cine con esta comedia coral, en la que participaron Michel Piccoli, Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Santiago Segura y Juan Diego (que ganó el Goya al mejor actor de reparto por su trabajo), por citar sólo a algunos. Además, Manuel Alexandre volvió a encarnar el papel del pintor de barcas que ya interpretó en "Calabuch", convirtiéndose ésta en una de las muchas referencias a la propia obra del director de las que está impregnada la película.
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Premios y nominaciones
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1962 | Mejor película de habla no inglesa | Plácido | Nominado |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1988 | Mejor guion original | Moros y cristianos | Candidato |
| 1994 | Mejor dirección | Todos a la cárcel | Ganador |
| Mejor guion original | Todos a la cárcel | Candidato |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1953 | Palma de oro | Bienvenido, Mister Marshall | Candidato |
| Mejor comedia | Bienvenido, Mister Marshall | Ganador | |
| Mención especial al guion | Bienvenido, Mister Marshall | Ganador | |
| 1962 | Palma de oro | Plácido | Candidato |
| 1970 | Palma de oro | ¡Vivan los novios! | Candidato |
| 1981 | Palma de oro | Patrimonio nacional | Candidato |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1956 | León de oro | Calabuch | Candidato |
| Premio OCIC | Calabuch | Ganador | |
| 1963 | Premio FIPRESCI | El verdugo | Ganador |
- Asamblea de Directores Realizadores Cinematográficos españoles
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2002 | Premio honorífico de la ADIRCAE | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1986 | Premio ASECAN a la mejor película española | La vaquilla | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2000 | Faro de plata | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1999 | Mejor película | París-Tombuctú | Candidato |
| Premio OCIC | París-Tombuctú | Ganador | |
| Premio FIPRESCI | París-Tombuctú | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1951 | Premio Jimeno | Esa pareja feliz | Ganador |
| 1953 | Mejor argumento original | Bienvenido, Mister Marshall | Ganador |
| 1959 | Mejor argumento original | Los jueves, milagro | Ganador |
| 1961 | Mejor director | Plácido | Ganador |
| 1963 | Mejor argumento original | El verdugo | Ganador |
| 1993 | Mejor director | Todos a la cárcel | Ganador |
- Premios Bronce de Guía del Ocio
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1985 | Mejor película | La vaquilla | Ganador |
| Mejor director | La vaquilla | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1999 | Toda una vida | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2006 | Trayectoria cinematográfica | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1999 | Premio Cinemanía | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1986 | Premio Princesa de Asturias de las Artes | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1962 | Mejor película española | Plácido | Ganadora |
| Mejor director español | Plácido | Ganador | |
| 1964 | Mejor película española | El verdugo | Ganador |
| 1981 | Mejor película española | Patrimonio nacional | Ganador |
- Premios del Sindicato Nacional del Espectáculo
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1956 | 2.º Premio a la mejor película | Calabuch | Ganadora |
| Premio al mejor guion | Calabuch | Ganadora |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1992 | Premio especial | toda su carrera | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1958 | Mención especial | Los jueves, milagro | Ganadora |
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Luis García Berlanga: De Villar del Río a Tombuctú
Monografías del cine español núm. 4
Desde Bienvenido Mister Marshall (1952) hasta París-Tombuctú (1999), película que cierra su filmografía, realizamos un recorrido por la obra cinematográfica de Luis García Berlanga (1921-2010) y un homenaje al que ha sido un cineasta imprescindible para entender la historia de nuestro cine. Planteamos la revisión, el visionado, y el análisis de su trayectoria, desde diferentes perspectivas: la de los cineastas, la de los críticos y la de los historiadores.
José Luis Castro de Paz y Julio Pérez Perucha
en la historia del cine español
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Enlaces de interés
YouTube: Video de García Berlanga - Películas: Películas de García Berlanga
Imágenes: Imágenes de García Berlanga - Videos: Más videos de García Berlanga
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Elia Kazan
Fue maestro de muchos jóvenes llegados a la dirección en los años cincuenta y una larga lista de actores le deben haber alcanzado altas cotas interpretativas gracias a las clases de dirección de actores que impartió en su centro de formación.
Director de cine estadounidense. Siendo aún muy joven se trasladó con su familia a Nueva York, donde cursó sus estudios primarios en la Mayfair School de New Rochelle y los secundarios en el William College. Con veintiún años ingresó en la Universidad de Yale para estudiar arte dramático y, dos años más tarde, comenzó a desempeñar todo tipo de trabajos en el Group Theatre hasta que desapareció en 1941. Se convirtió en uno de los mejores directores de actores que dio el cine estadounidense y buena muestra de sus inquietudes fue su trayectoria cinematográfica, en la que se suceden títulos de desigual acierto pero que asumen compromisos con las realidades sociales. Elia Kazan fue maestro de muchos jóvenes llegados a la dirección en los años cincuenta, y una larga lista de actores le deben haber alcanzado altas cotas interpretativas gracias a las clases de dirección de actores que impartió en su centro de formación. No sorprendió, pues, entre los miembros de la profesión que Martin Scorsese le entregara en 1998 el Oscar honorífico de la Academia, aunque el gesto fue reprochado por muchos de sus coetáneos que no olvidaban la actitud delatora de Kazan en el pasado. (FUENTE: Tomás Fernández y Elena Tamaro - https://biografiasyvidas.com)
Las películas dirigidas por Elia Kazan
La mayoría de sinopsis de las películas son de las plataformas:
filmaffinity - Sensacine - Playcine - Imdb - Wikipedia - Filmin - Dcine - Cineyseries.net
LAZOS HUMANOS (1945)
Reparto principal | Dorothy McGuire, Joan Blondell, James Dunn, Lloyd Nolan
MAR DE HIERBA (1946)
Reparto principal | Katharine Hepburn, Spencer Tracy, Robert Walker, Melvyn Douglas
EL JUSTICIERO (1947)
Reparto principal | Dana Andrews, Jane Wyatt, Lee J. Cobb, Cara Williams
LA BARRERA INVISIBLE (1947)
Reparto principal | Gregory Peck, Dorothy McGuire, John Garfield, Celeste Holm
PINKY (1949)
Reparto principal | Jeanne Crain, Ethel Barrymore, Ethel Waters, William Lundigan
PÁNICO EN LAS CALLES (1950)
Reparto principal | Richard Widmark, Paul Douglas, Barbara Bel Geddes, Jack Palance
UN TRANVÍA LLAMADO DESEO (1951)
Reparto principal | Vivien Leigh, Marlon Brando, Kim Hunter, Karl Malden
¡VIVA ZAPATA! (1952)
Reparto principal | Marlon Brando, Jean Peters, Anthony Quinn, Joseph Wiseman
FUGITIVOS DEL TERROR ROJO (1953)
Reparto principal | Fredric March, Terry Moore, Gloria Grahame, Paul Hartman
LA LEY DEL SILENCIO (1954)
Reparto principal | Marlon Brando, Eva Marie Saint, Karl Malden, Lee J. Cobb
AL ESTE DEL EDEN (1955)
Reparto principal | James Dean, Raymond Massey, Julie Harris, Burl Ives
BABY DOLL (1956)
Reparto principal | Karl Malden, Carroll Baker, Eli Wallach, Mildred Dunnock
UN ROSTRO EN LA MULTITUD (1957)
Reparto principal | Andy Griffith, Patricia Neal, Anthony Franciosa, Walter Matthau
RÍO SALVAJE (1960)
Reparto principal | Montgomery Clift, Lee Remick, Jo Van Fleet, Albert Salmi
ESPLENDOR EN LA HIERBA (1961)
Reparto principal | Natalie Wood, Warren Beatty, Pat Hingle, Barbara Loden
AMÉRICA, AMÉRICA (1963)
Reparto principal | Stathis Giallelis, Frank Wolff, Harry Davis, Elena Karam
EL COMPROMISO (1969)
Reparto principal | Kirk Douglas, Faye Dunaway, Deborah Kerr, Richard Boone
LOS VISITANTES (1972)
Reparto principal | Patrick McVey, Patricia Joyce, James Woods, Steve Railsback
EL ÚLTIMO MAGNATE (1976)
Reparto principal | Robert De Niro, Tony Curtis, Robert Mitchum, Theresa Russell
Premios y nominaciones
Premios Óscar
Año |
Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1948 | Mejor director | La barrera invisible | Ganador |
| 1952 | Mejor director | Un tranvía llamado deseo | Candidato |
| 1955 | Mejor director | La ley del silencio | Ganador |
| 1956 | Mejor director | East of Eden | Nominado |
| 1964 | Mejor director | América, América | Nominado |
| Mejor película | América, América | Nominado | |
| Mejor guion adaptado | América, América | Nominado | |
| 1998 | Óscar honorífico | Ganador | |
| Año | Categoría | Galardonado | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1950 | Premio Internacional | Pánico en las calles | Ganador |
| 1951 | Premio Especial del Jurado | Un tranvía llamado Deseo | Ganador |
| 1954 | León de Plata | La ley del silencio | Ganador |
| Premio Pasinetti | Ganador | ||
| Premio OCIC | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1955 | Mejor película dramática | Al este del Edén | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1958 | Mejor director extranjero | East of Eden | Ganador |
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1964 | Concha de Oro a la mejor película | América, América | Ganador |
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Conferencia de Elia Kazan
sobre la dirección y puesta en escena
Heider Vargas
El siguiente texto corresponde a una charla que Elia Kazan sostuviera con los estudiantes de la Wesleyan University, en Middletown, Connecticut, al final de la retrospectiva que organizaron de su obra en otoño de 1973, acaso sin saberlo, el aclamado realizador de La ley del silencio y Un tranvía llamado deseo plasmó en este texto un verdadero manifiesto sobre lo que significa la realización cinematográfica, contado desde adentro, y con la propiedad y la sabiduría de un verdadero maestro. Este texto, con todos los años que lleva escrito, no ha perdido un ápice de vigencia.
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Enlaces de interés