Tanto en sus películas favoritas como en su propio cine, rechaza lo políticamente correcto y la búsqueda del éxito ya que, para él, son los dos enemigos del verdadero cine de autor.
Las películas dirigidas por Albert Serra
La mayoría de sinopsis de las películas són de las plataformas:
filmaffinity - Sensacine - Imdb - Wikipedia - DeCine21 - Cineyseries.net
CRESPIÁ, THE FILM NOT THE VILLAGE (2003)
Reparto principal | Jaume Badia, Lluís Carbó, Anna Darné, Montse Triola
Una película que explora de manera sutil y artística la vida rural en un pequeño pueblo catalán. La narrativa se centra en las interacciones cotidianas y los paisajes evocadores, capturando la esencia del lugar y sus habitantes con un estilo cinematográfico distintivo. La película en cuestión es un retrato de los supuestos habitantes de la localidad del título a través de la puesta en escena de su cotidianidad, estando aparentemente a medio camino entre la ficción y el documental, característica presente en todos los trabajos de Serra a pesar de estar situados en el pasado. El filme nos muestra de manera espontánea y sin que haya un verdadero hilo conductor las acciones de sus personajes mientras matan el tiempo en el bar, se afeitan en la barbería o llevan a cabo improvisados momentos musicales. Esto último termina siendo muy importante, puesto que la película puede ser considerada también una suerte de musical pop precario por cuya banda sonora van circulando temas de grupos famosos como The Miracle o The Jam, en clara oposición a las composiciones clásicas que dominarán el resto de la filmografía del cineasta
Crespià, the Film not the Village (2003) es una cinta únicamente recordada por lo olvidada que está, y tanto la prensa como su artífice parecen haberse confabulado para establecer el inicio de la filmografía del director de Banyoles en Honor de cavalleria (2006), auténtica declaración de intenciones del cineasta. Sin embargo, ningún análisis pormenorizado de su trayectoria artística debería obviar esta obra cuanto menos curiosa y que ya avanza algunas de las constantes de su director. Es una desconcertante oda a la excentricidad que a pesar de todo contiene momentos apreciables y alguna imagen que anticipa el talento visual de su director. Aunque para ser honestos, no deja de ser una cinta hortera y absolutamente propia de un aficionado que sólo salva el genio innegable de la trayectoria posterior de su autor haciéndonos pensar que se trata únicamente de una gran broma. Carles Gómez (FUENTE: camerastylo.ecib.es)
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HONOR DE CAVALLERIA (2006)
Reparto principal | Lluís Carbó, Lluís Serrat, Jaume Badia, Glynn Bruce
Don Quijote y Sancho están cabalgando a campo través; da la sensación que hace ya mucho tiempo que están juntos y que han conocido infinidad de aventuras. Como siempre cabalgan dialogando. Esta película cuenta el viaje del Quijote y Sancho Panza "para salvar el mundo del desorden y los malvados", explicando al mismo tiempo el recorrido paralelo de todos los integrantes del equipo de rodaje.
El cineasta muestra a un Quijote desencantado, que reflexiona sobre sus sueños y ansias de vivir aventuras. Se trata de una película contemplativa, de desarrollo lento y largos monólogos del protagonista, que bien puede apasionar como ganar detractores. En cualquier caso, se agradece el esfuerzo por alejarse de los tópicos al uso y que se acerque a temas de entidad, como el choque entre los ideales y el mundo real, la búsqueda de Dios, o las relaciones con la naturaleza. Fue seleccionada para la Quincena de Realizadores de la última edición del Festival de Cannes (FUENTE: sensacine.com)
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EL CANT DELS OCELLS (2008)
Reparto principal | Lluís Carbó, Lluís Serrat, Montse Triola, Mark Peranson
Los Reyes Magos están en camino para buscar al Salvador, un niño nacido en una pequeña aldea de Palestina. Con este fin, cruzarán desiertos y vivirán un largo y duro viaje para lograr su objetivo. La travesía no será sencilla, pero ninguno de los tres cejará en su empeño de acudir en busca del Mesías.
Película en blanco y negro que muestra una peculiar visión del viaje que realizan los Reyes Magos para adorar al niño Jesús. Albert Serra entrega una cinta de tendencia claramente modernista e innovadora. Curiosamente, para conseguirlo vuelve sus ojos a los orígenes del cine. La película no sólo es en blanco y negro, sino que está rodada como los viejos clásicos del cine mudo, con un sistema de montaje que dota de un ritmo a las imágenes que puede provocar las risas y la desubicación en el público que no esté acostumbrado a este tipo de películas. Ciertamente, El cant dels ocells es un título minoritario que resultará complejo de digerir para la gran mayoría (FUENTE: decine21.com)
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ELS NOMS DE CRIST (2010)
Reparto principal | Victòria Aragonés, Román Bayarri, Lluís Carbó, Nanu Ferrari
Proyección de 14 episodios que se concibieron inicialmente para la exposición del MACBA "Esteu a punt per a la televisió?" (¿Estáis listos para la televisión?). "Els noms de Crist" contrapone la creación de una película, percibida como algo vulgar, con imágenes sacras inspiradas en la mística de Fray Luís de León. Del mismo modo, planos contemplativos de singular belleza cohabitan con infinidad de citas (literarias y cinematográficas) y con las conversaciones en torno a la génesis del supuesto film que mantienen Román Bayarri, en el papel de improvisado productor, y el propio Serra.
Presente también en Locarno, contrapone la creación de una película, percibida como algo vulgar. Del mismo modo, planos contemplativos de singular belleza cohabitan con infinidad de citas (literarias y cinematográficas) y con las conversaciones en torno a la génesis del supuesto film que mantienen Román Bayarri, en el papel de improvisado productor, y el propio Serra. Inicialmente concebida como una serie de 14 episodios para una exposición en el MACBA de Barcelona, presentamos ''Els noms de Crist'' en su formato de largometraje de más de tres horas de duración. (FUENTE: filmin.es)
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EL SENYOR HA FET EN MI MERAVELLES (2011)
Reparto principal | Lluís Carbó, Lluís Serrat, Jordi Pau, Eliseu Huertas
Albert Serra viaja al escenario de "Honor de Cavalleria" y establece una carta filmada al cineasta argentino Lisandro Alonso. Parte del equipo de Honor de cavallería, película rodada en 2006 por el mismo Albert Serra, viaja a La Mancha para ver la configuración real de la vida del Quijote con el fin de rodar una película.Forma parte de la exposición fílmica "Todas las cartas. Correspondencias fílmicas", que reúne estas obras de intercambio entre parejas de directores situados en territorios alejados, pero unidos por la voluntad de compartir preocupaciones y puntos de vista. En este caso, el cineasta de Banyoles de cartea con el gran Lisandro Alonso, director de "Jauja" o "Liverpool".
La obra explora temas religiosos y espirituales a través de una narrativa única y contemplativa. La película se centra en la introspección y las experiencias personales de sus personajes, ofreciendo una visión profunda de la fe y la devoción. (FUENTE: lavanguardia.com)
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HISTÒRIA DE LA MEVA MORT (2013)
Reparto principal | Vicenç Altaió, Lluís Serrat, Noelia Rodenas, Clara Visa
Ambientada en la transición entre el racionalismo de finales del siglo XVII y el romanticismo de principios del XIX, y vista a través de la sexualidad y vida cotidiana de la época, 'Historia de la meva mort', describe una transformación desde el punto de vista de dos personajes icónicos: Casanova y Drácula. Aquella que comienza con el libertinaje sensual, lujurioso del mundo científico y racionalista del Siglo de las Luces y que lentamente pasa a un mundo romántico de oscuras tensiones sexuales, sacrificios y defunción. Comienza en los ambientes artísticos centroeuropeos donde se siguen las andanzas de Casanova, siempre acompañado de Pompeyo. Amo y criado llegan a un pequeño pueblo campesino donde Casanova utilizará sus mejores dotes de seducción para conquistar a las lugareñas. Todo cambia cuando llega Drácula, convirtiendo la apacible y alegre villa en una oscura y tenebrosa fuente de malévolos sucesos donde tendrá lugar el violento broche final de la esotérica cinta.
'Història de la meva mort' supone un paso adelante en la filmografía de Albert Serra. Como en 'Honor de cavalleria' y 'El cant dels ocells', vuelve a aproximarse a unas figuras entre la historia y el mito, Casanova y Drácula, para fabular a través de ellas sobre la belleza y la inocencia, sobre el deseo y el placer, sobre la luz y las tinieblas. Pero en esta película que le valió el Leopardo de Oro en el Festival de Locarno ensaya nuevos procedimientos que le han alejado del peligro de acomodarse o estancarse en un estilo muy peculiar cuya esencia sigue conservando. El italiano Giacomo Casanova es el protagonista principal durante la mayor parte del metraje e incluso el título retoma el nombre de sus memorias, 'Historia de mi vida'. Serra concibe a Casanova como la encarnación de las valores del Siglo de las Luces, como un personaje polifacético que ejerció de pensador, escritor e inventor, que conoció a los grandes nombres de la cultura europea de la época y disfrutó de todos los placeres de la vida. Nos encontramos con un Casanova más "construido" que los protagonistas de las películas anteriores. Aunque sigue trabajando con intérpretes no profesionales y la mayor parte de su troupe habitual aparezca en la película, aquí el papel principal ha ido a parar a un no-actor de otro perfil. Vicenç Altaió es poeta y comisario cultural, además de guardar cierto parecido físico con los retratos que nos han quedado del veneciano. Este bagaje le otorga ya cierta entidad intelectual al protagonista que además, otra novedad, se nos presenta viviendo en una especie de palacete. También es esta la primera película donde Serra ha elaborado un casi-guión o unos casi-diálogos. Casanova cita a Voltaire y a Montaigne, intuye la Revolución Francesa, proyecta un diccionario de quesos, abomina del cristianismo y reivindica que él ideó la lotería. En sus conversaciones se combina cita erudita y diálogo libre: una pausa, una frase suspendida en el aire, una réplica retórica, una charla que se alarga para no llegar a ninguna parte... quiebran cualquier amago de academicismo literario. Casanova cuenta además con su propio escudero, un criado fiel, Pompeu, que encarna Lluís Serrat, el Sancho de 'Honor de Cavalleria'. Dentro de este universo intelectual, culto y licencioso, Pompeu conserva esa inocencia primigenia que caracterizaba a los protagonistas de las cintas anteriores. En la segunda mitad de la película, Casanova abandona su residencia para emprender un viaje hacia los Cárpatos cuyos motivos no se nos acaban de explicar. Allí se aloja en el humilde hogar de un alquimista. Su universo antaño civilizado se ve sustituido por toda una serie de rituales primitivos, como la matanza de una res que el cineasta rueda con poderío hipnótico. Se ha iniciado la transición de la luz a las tinieblas. (FUENTE: sensacine.com)
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LA MUERTE DE LUIS XIV (2016)
Reparto principal | Jean-Pierre Léaud, Patrick d'Assumçao, Filipe Duarte
La muerte de Luis XIV relata los últimos días de vida del Rey Sol, Luis XIV, cuando -tras volver de una salida de caza- empieza a sentir un fuerte dolor en la pierna que le obliga a guardar cama en Versailles. Así empieza una lenta agonía durante la cual tendrá que organizar los preparativos de su sucesión mientras es rodeado por su fiel corte: su médico, su favorita Madame de Maintenon, su cirujano, su primer sirviente de cámara...
Para encarnar a un personaje tan ilustre, Albert Serra ha recurrido al rostro más icónico de la "Nouvelle Vague", Jean-Pierre Léaud, que reside en el imaginario de los cinéfilos como el alter ego de François Truffaut y uno de los cómplices de Jean-Luc Godard. A sus 72 años, Léaud, que recibió la Palma de Honor en Cannes 2016, se mete de lleno en la piel del monarca, en la que para muchos es su mejor interpretación. Albert Serra presentó La muerte de Luis XIV fuera de competición en la pasada edición de Cannes y se convirtió en una de las películas mejor valoradas del festival. Después ha pasado por los festivales de Jerusalén o Toronto, New York Film Festival, Busan International Film Festival, BFI London Film Festival y la Viennale. Antes de su estreno en España la película se presentó en el Festival de cine Europeo de Sevilla y en el Temporada Alta de Girona. Serra ha recibido el prestigioso Premio Jean Vigo, convirtiéndose en el primer cineasta español en obtener ese honor. Además, la película consiguió otros premios como The Wilf Family Foundation Award para la Mejor Película Internacional (Jerusalem Film Festival 2016) o Gran Prix 2016 al director de fotografía Jonathan Ricquebourg (Ostrava Camera Oko, República Checa 2016). (FUENTE: lahiguera.net)
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LIBERTÉ (2019)
Reparto principal | Helmut Berger, Marc Susini, Alexander García Düttmann
1774, unos años antes de la Revolución Francesa, un bosque cualquiera entre Francia y Alemania. Varios aristócratas libertinos expulsados de la corte puritana de Luis XVI donde reina la hipocresía y las falsas virtudes, van en busca del legendario duque de Walchen, un seductor y libre pensador alemán. Su misión: exportar el libertinaje, una filosofía de la iluminación basada en el rechazo de la moral y la autoridad, pero también, y sobre todo, encontrar un lugar seguro para continuar sus juegos maliciosos. ¿Se dejaran llevar, las novícias de un convento vecino, por esta noche oscura donde solo reina la ley del deseo insaciable? Será una especie de última cena carnal, un último momento de libertad.
Podría parecer una boutade que, de una película que se presenta como un catálogo de perversiones sexuales, se diga que brilla, sobre todo, por su luz. Pero es la realidad, al menos para este crítico. Rodada (casi) íntegramente de noche, en un desangelado bosquecillo del siglo XVIII, donde amos y sirvientes se libran a toda clase de sádicas excentricidades, la película destaca por el armónico equilibrio entre luz natural, la propia luna, y luz artificial, lograda con uno de esos night balloons, creando ocasionalmente un discreto baile de sombras equívocas. Menos iluminada sería un fracaso: no se vería absolutamente nada, el espectador se adormecería. Con un poco más de luz, la película perdería esa nocturnidad y alevosía que es su razón de ser, pues Liberté, en la línea de un Philippe Grandrieux, nos llega como una película sobre la noche como eclipse moral y como almohada sobre la que cabalgan sin freno nuestras fantasías oníricas menos confesables. Si la iluminación de Liberté no fuera un proeza, al menos sí se trata de un factor absolutamente decisivo, que hace que nuestros ojos se acostumbren a la falta de luz, o a la ilusión de esta carencia, descubriendo entre sombras la blancura de los cuerpos, en un estado de inevitable fascinación, que podría incluso llegar a entenderse como una metáfora de nuestra pasión por las salas oscuras. Es decir, por el propio cine, donde el espectador no puede, ni quiere, apartar la mirada de las luces que se agitan en la pantalla. El hipnótico espectáculo que se ofrece dista sin embargo de resultar placentero. Es más, se diría que se esfuerza en parecernos desagradable. Y sin embargo, una vez más, no podemos dejar de mirar. Quizás porque el sexo, como ningún otro tema, tiene todavía la capacidad de mantener vivas nuestras expectativas de algún tipo de culminación, aunque muy pronto, pese a que se alcanzan algunos clímax más bien escatológicos, queda claro que se trata más bien de una película sobre la insatisfacción. La prueba es que no aparece ni un solo sexo enhiesto mirando el cielo, y que los participantes masculinos de esta orgía sin alegrías se la pasan arremolinándose los genitales a modo de frustrante pasatiempo. Sade, bajo cuyo sol negro se desarrolla esta triste fiesta pagana, no tenía ese problema, aunque su manera, obsesiva y mecánica, de querer ir siempre más allá en sus experimentos también puede verse como una forma de desesperación. Y sin embargo, como el propio cineasta de Banyoles ha reconocido, el sentimiento de desolación que se desprende de la película, y que llega a su apoteosis en el hermoso plano final, quizás provenga de nuestra mirada contemporánea. Quizás ese pasado ya muy remoto, de intercambios frenéticos, nos llegue filtrado por este presente post sexual en el que la carne ha sido reemplazada por la ilusión de lo virtual. En el oasis libertino que rememora la película, no había pantallas entre el deseo y los cuerpos, ahora siempre hay al menos una que nos impide tocar, oler, besar. La intimidad de lo real podría haberse perdido para siempre. (FUENTE: sensacine.com)
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PACIFICTION (2022)
Reparto principal | Sergi López, Benoît Magimel, Pahoa Mahagafanau
Una escritora vuelve a su hogar en la Polinesia Francesa tras haber triunfado como escritora en Francia. Pero su vuelta está rodeada de desconcierto debido a una crisis creativa en la que está sumida. Sin poder escribir, decide aceptar un trabajo de traductora simultánea para un embajador. Pero con el tiempo, se da cuenta de que ha surgido una curiosa atracción amorosa entre ellos, siendo dos personas muy diferentes. Trabajo tras trabajo, ella se empieza a dar cuenta del cinismo que esconde la política internacional cuando ve que el gobierno francés está haciendo unos ensayos nucleares que podrían suponer una amenaza para la población del país polinesio. El conflicto hará que su historia de amor con el embajador francés esté en riesgo, conduciendo el interés y el romanticismo a un triste final.
Pacifiction es una película de sensaciones, muy en la línea de un cine, el de Albert Serra, que conecta por la vía orgánica e intelectual. Una película peligrosa, de imágenes cautivadoras y febriles, en las que cabe el silencio, la contemplación, lo oscuro y lo siniestro. El cineasta compone a lo largo de casi tres horas una fábula oscura que exuda amenaza, que posee un apartado visual de los que crean escuela y perduran, por su inmensidad, por su poesía nocturna, por su absoluta e inabarcable belleza. Serra se va con Pacifiction a Tahití, en la Polinesia Francesa, donde un representante del estado francés que sondea a la población local para recoger información deberá lidiar con el rumor de que se van a retomar los ensayos nucleares en la región. Es de este modo que Serra pone su amplia mirada autoral al servicio de una historia que se vuelve sórdida con el paso de los minutos, en la que tiene tanta relevancia lo que ocurre como lo que podría ocurrir, lo que es verdad como lo que debería serlo. El inmenso Benoît Magimel se come la pantalla como protagonista absoluto de la obra en una creación de personaje ejemplar, carismático y oscuro como la noche, de formas impecables y sonrisa siniestra. La verdadera potencia de Pacifiction recae sobre el hecho de que guarda la capacidad de mantener en vilo durante su dilatado metraje en una explosión de colores y sonidos, de colosal plasticidad en la que no importa tanto una narrativa tectónica y flemática sino el modo en que penetra, atrayendo al que observa como si de un gigantesco imán del que es imposible huir se tratara. Pacifiction va hacia arriba, y mientras elabora un juego simbólico en el que lo que vemos es lo que parece, pero también es mucho más que eso, va bajando poco a poco hacia el infierno de la duda y lo terrestre, rodando planos de puro fuego e inquietud, atravesando cada lugar común por el pecho hasta construir un mundo agónico. Su representación de la geopolítica de hilo fino, de esa clase política más acostumbrada a mentir y convencer que a cualquier otra cosa, con esos monólogos de Magimel que entran en la categoría de lo fantasmagórico sin perder ni un poco de intensidad dramática, representan un activo fílmico apasionante, uno que reinterpreta la película política accediendo a ella desde lo espectral: con una mirada que cuestiona la realidad y la percepción, avanza inmisericorde conquistando la lírica y la estética, trazando una realidad que esboza un potentísimo estado mental, uno que culmina en una última traca tan narcótica y hechizante, tan misteriosa y reveladora, que transforma el todo en un fragmento de cine imposible, uno de sonidos oscuros de los que cuesta despegarse de encima una vez se encienden las luces. Porque incluso la posibilidad de acceder a sus imágenes del mismo modo improbable con el que lo hacemos a las de Apichatpong Weerasethakul es un acto relevante de fe cinematográfica, en el que no hacemos sino abrazar la incertidumbre en una obra infinita, poética, siniestra, noctámbula y de valor visual inagotable. (FUENTE: cintilatio.com)
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TARDES DE SOLEDAD (2024)
Reparto principal | Andrés Roca Rey
El largometraje documental sobre la tauromaquia, dirigido por Albert Serra, ofrece un retrato íntimo y fascinante del torero peruano Andrés Roca Rey y su cuadrilla, adentrándose en el universo taurino desde una perspectiva artística y reflexiva. El documental explora la complejidad de la tauromaquia, mostrando tanto la majestuosidad del arte del toreo como los desafíos personales y profesionales que enfrenta Roca Rey. A través de su mirada singular, el cineasta muestra la tensión entre tradición y modernidad en el mundo del toro.
Hay algo de aproximación antropológica a la relación entre el toro y el torero en la dimensión más interesante de Tardes de soledad. También de fresco sensorial, de saturación de texturas (visuales y sonoras), e incluso de registro físico de un vínculo que se quiere atávico entre el hombre y el animal en otra de las facetas más atendibles de la indagación propuesta por Albert Serra, cuyas imágenes prescinden por completo del ‘espectáculo’ (el fuera de campo del público que llena el coso solo está presente en la banda sonora) para centrarse exclusivamente en la desigual danza coreográfica que el diestro y el astado ejecutan en medio del ruedo. Esa aproximación –nacida de un radical parti pris apriorístico (estar lo más cerca posible de sus dos protagonistas)– le exige recurrir imperiosamente al uso casi constante del teleobjetivo, pero ahí aparece otra dimensión muy diferente de la película. La distancia focal larga aplana por completo el espacio hasta casi borrarlo (hay muchos planos en los que el toro y el torero parecen estar en paralelo en lugar de enfrentados), de la misma manera que se borra, consecuentemente, la distancia (fílmica) desde la que mira Albert Serra. Y entonces ya no sabemos si estamos ante las imágenes de un cineasta fascinado por lo que muestra (absorto en un rito meramente formalista, a despecho de la crueldad que genera un derroche de sangre cuyo brillo sobre la piel negra del animal se convierte –desde esta perspectiva– en una mera textura cromática más) o ante un cineasta horrorizado por lo que filman sus cámaras (esa liturgia salvaje, casi precivilizatoria, que –picador, banderillas y estoque mediante– convierte al toro en víctima de un espectáculo del que la banda sonora nos devuelve sus sonidos más agónicos y más dolorosos). A la hora de dilucidar ese debate, otros factores vienen a inclinar la balanza hacia la primera opción. Carente por completo de arco dramático o decurso interior alguno, la película amontona una faena taurina detrás de otra, sin que en ningún momento su concatenación sea capaz de crear más espesor o más densidad, más lecturas o más sugerencias. Dos largas horas de delectación en más de lo mismo nos hablan también del cineasta hechizado por su ‘lienzo’ de colores saturados (rojo, negro, amarillo y albero), cuyas imágenes actúan no de manera dialéctica, sino por acumulación y reiteración del macabro ballet servido en bandeja por el teleobjetivo. ¿Las imágenes ‘objetivan’ entonces el horror de aquella danza sangrienta o son prisioneras de la fascinación formalista –inseparable de un determinado sentido, lo quiera o no su artífice– que ese ‘ballet’ parece suscitarle al cineasta…? A tales efectos, poco papel juegan las conversaciones entre el diestro y su cuadrilla en la furgoneta, las expresiones admirativas de sus ayudantes y los ritos íntimos del protagonista, siempre filmado dentro del vehículo en un plano fijo frontal y en picado, lo que contribuye a construir una figura casi totémica de este último (algo coherente con la fascinación que unas imágenes ‘hechizadas’ parecen sentir por lo que filman), todo ello envuelto en obsequiosa adulación, atávica subcultura, testosterona machirula y superstición religiosa para consumo de incondicionales. De todo esto también habla Tardes de soledad, sin duda, aunque sus imágenes pongan el acento mayor en una coreografía sangrienta de la que el film parece más bien prisionero. (FUENTE: caimanediciones.es)
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