Roman Polanski
Es un director de cine, productor, guionista y actor franco-polaco de origen judío. Reconocido como uno de los cineastas más importantes de la segunda mitad del siglo XX y principios del siglo XXI.
Dos años antes de que comenzara la Segunda Guerra Mundial, la familia de Roman Polanski regresó a Polonia desde Francia. Tiempo después, el director haría el viaje contrario para alejarse de un pasado que incluía la reclusión de sus padres en un campo de concentración. El cine en Polonia pasaba entonces necesariamente por la propaganda alemana, pero aún así el joven Polanski aprovechó aquellas lecciones, que le hicieron decantarse definitivamente por su vocación de cineasta. En los años cincuenta, primero apareciendo como actor en algunas películas y después estudiando en la escuela de Lodz, Polanski se fue iniciando poco a poco en el cortometraje. Allí estaban ya los rasgos de su futuro cine: el humor negro y el lado más surrealista de las relaciones humanas. El cuchillo en el agua (1962), su primer largometraje, le convirtió en una figura reconocida internacionalmente. Era la primera película polaca de posguerra que no hablaba de la contienda. A pesar de haberse convertido ya en un reconocido director en Polonia, Polanski decidió irse a Francia. Allí conocería a su colaborador más asiduo, el guionista Gérard Brach, con quien compartiría su éxito internacional en dos títulos emblemáticos: Repulsión (1965) y Cul-de-sac (1966), ganadoras, respectivamente, del Oso de Plata y Oro en el Festival de Berlín. Polanski se ha convertido, forzado por su prohibición de regresar a Estados Unidos, en un director itinerante por Europa. Sus temas son recurrentes pero atados a un espectro suficientemente amplio como para permitirle dar giros en su carrera. Es quizá esa "reclusión" europea la que le ha permitido mantenerse como un autor y salvarse de ser convertido en una pieza más del engranaje comercial estadounidense, donde una vez pareció tener una prometedora carrera. (FUENTE: www.biografiasyvidas.com)
Las películas dirigidas por Roman Polanski
La mayoría de sinopsis de las películas són de las plataformas:
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EL CUCHILLO EN EL AGUA (1962)
Reparto principal | Leon Niemczyk, Jolanta Umecka, Zygmunt Malanowicz
La joven pareja formada por el columnista deportivo Andrzej y la bella Christine están de vacaciones y se dirigen por carretera hasta el puerto donde tomarán su yate para pasar unos días en las aguas de un enorme lago. Camino de allí, un estudiante aparece de repente en medio de la carretera y están a punto de atropellarle. Una vez pasado el susto, la pareja invita al joven a que los acompañe durante el viaje. La presencia del extraño empieza a hacerse cada vez más incómoda para Andrzej al ser evidente que se siente atraído por Christine y no para de fanfarronear jugueteando con un cuchillo afilado entre los dedos de la mano. Llega el inevitable momento en el que los dos hombres discuten e inician una pelea, pero el estudiante salta por la borda y desaparece en medio del lago. Sin embargo, no será la última vez que la pareja tenga constancia de su presencia.
Mientras Polanski intentaba recomponer su carrera en Francia, El cuchillo en el agua fue presentada en Estados Unidos en el primer Festival de Cine de Nueva York en 1963 y, mientras eso ocurría, la película fue portada de la revista Time del 20 de septiembre. Que fuera nominada al premio Oscar a mejor película extranjera no fue sorpresa para nadie. Los miembros del Partido Comunista polaco de la época fueron ingratamente sorprendidos con tan inexplicable noticia. Esta angustiosa historia,fue la ópera prima de Roman Polanski. Con tan solo tres personajes, un matrimonio y el autoestopista al que han recogido, el director consiguió generar una increíble tensión capaz de desembocar en algo tan inesperado como terrible. (FUENTE: www.tiempodecine.co/web)
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LAS MÁS FAMOSAS ESTAFAS DEL MUNDO (1964)
Reparto principal | Catherine Deneuve, Jean Seberg, Charles Denner, Mie Hama
Cinco famosos realizadores dirigen los cinco episodios independientes que conforman este filme. Ellos son Claude Chabrol, Jean-luc Godard, Ugo Gregoretti, Hiromichi Horikawa, y Roman Polanski. Las historias que se narran en la película tienen en común el hecho de que representan estafas que tuvieron lugar, supuestamente, en la realidad. Desde 'Los cinco benefactores de Fumiko', en Japón, hasta 'El río de diamantes', en Ámsterdam, pasando –cómo no- por París, en 'El hombre que vendía la torre Eiffel'. Todas las historias están envueltas en las melodías de artistas de la talla de Michel Legrand o Serge Gainsbourg.
Curiosamente, El collar de diamantes (La rivière des diamants), el segmento dirigido por Polanski quedó fuera del montaje final a petición del propio cineasta, ya que, al parecer, éste no habría quedado muy satisfecho del resultado. Sea como fuere, el argumento, coescrito junto a Gérard Brach y acompañado por la música de Komeda, plantea los ardides de una turista francesa (Nicole Karen), de vacaciones en Ámsterdam, a la hora de sacar partido de su opulento amante y así hacerse con la preciada joya que da título al episodio. (FUENTE: cinefiliasantmiquel.blogspot.com)
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REPULSION (1965)
Reparto principal | Catherine Deneuve, Ian Hendry, John Fraser, Renee Houston
Es una cinta de drama y horror, que cuenta la historia de Carol Ledoux, una tímida joven inmigrante, proveniente de Belgica, con una notoria repulsión por los hombres y el sexo, que vive con su hermana mayor Helen y su esposo, en un pequeño apartamento en Londres, mientras se gana la vida como manicurista de un salón de belleza. Para Helen, el mejor adjetivo para calificar a su hermana es “sensible”, argumentando sobre ello un comportamiento extraño, casi aturdida y en silencio todo el tiempo. De las pocas cosas que sí habla es sobre la incomodidad que siente por el marido de su hermana, Michael, su presencia física, sus artículos de higiene personal y los gemidos de noches amorosas con Helen. Cuando Michael, cansado de las actitudes de Carol, propone un viaje a Italia con Helen, Carol, angustiada por su extrema soledad, empieza a desequilibrarse mentalmente.
Los paisajes oníricos y decadentes junto a las fantasías, más bien pesadillas psicosexuales sobre las que trata el filme están excelentemente ejecutados, utilizando la actuación, algunos efectos visuales y buena iluminación para incomodarnos sobre nuestros asientos. Impresiona aún más saber que la obra fue lograda en los años 60’s y no en tiempos contemporáneos. La cinta sirve como una gran exploración sobre la esquizofrenia y sobre la represión sexual que se toca muy poco en cine. Aun así la obra es cine puro, con un gran dominio del lenguaje visual no es necesario ningún subtexto metafórico. Una obra maestra de Polanski sin dudas. (FUENTE: cinreservas.com)
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CUL-DE-SAC (1966)
Reparto principal | Donald Pleasence, F. Dorléac, Lionel Stander, J. MacGowran
George y Teresa, un matrimonio con serios problemas de convivencia, viven en un castillo del siglo XII sin más compañía que el silencio. Él es un inglés pusilánime y ella ninfómana. Un día, la isla que creían desierta es invadida por dos gángsters que huyen de la policía después de un atraco fallido. Uno de los criminales, Dicky, intenta salvar la vida de su compañero, herido durante el robo, por lo que le pide ayuda a la pareja. Después de socorrerle, George y Teresa son retenidos en su casa, pues los gángsters temen ser descubiertos. Además esperan la llegada del misterioso Señor Kattleback, jefe de la banda de criminales, con el que han pactado reunirse en el castillo. Las cosas se complican para los captores cuando reciben la inesperada visita de un antiguo compañero de George, que llega acompañado de familiares y amigos.
Tras estrenar exitosamente la cinta “Repulsion” (1965), el director Roman Polanski decidió rescatar un guión que había escrito tres años antes con Gerard Brach, quien también había estado involucrado en el reciente proyecto del polaco. La productora Compton Films, que antes de “Repulsion” solo hacía porno, decidió producir este nuevo trabajo del director que en un principio llevaba por título “When Katelbach Comes”. El film se rodaría en Northumberland, Inglaterra, específicamente en las inmediaciones de una enorme playa donde se ubicaba un gran castillo solitario. Aunque el papel protagónico iba a ser interpretado por el mismo Polanski, tras la rotunda oposición del productor Michael Klinger (con quien el director tendría una serie de problemas que lo llevarían a pensar en abandonar el proyecto), el rol cayó en las manos de Donald Pleasence, que el primer día de filmación apareció con la cabeza totalmente rapada. Por otro lado, Françoise Dorléac, hermana de Catherine Deneuve, se quedaría con el rol de Teresa. (FUENTE: laclaquetawebzine.wordpress.com)
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EL BAILE DE LOS VAMPIROS (1967)
Reparto principal | Roman Polanski, Sharon Tate, Jack MacGowran, Alfie Bass
El científico Abronsius y su ayudante Alfred hacen un viaje hasta Transilvania para demostrar que los vampiros existen. Cuando llegan allí, se alojan en un hostal de lo más peculiar. Sus paredes están llenas de ristras de ajos, pero, tanto el posadero como los habitantes del pueblo, niegan que en Transilvania haya vampiros o algún lugar donde estén encerrados. Los ajos, según ellos, son un adorno de sus casas y establecimientos. Sin embargo, ninguno de los dos investigadores se cree esa historia y deciden averiguar dónde se encuentran los vampiros. No tardarán mucho en descubrirlo, ya que el rapto de la hija del posadero, convertida poco después en vampiro, será más que suficiente para que encuentren el castillo sin demasiada dificultad.
Roman Polanski, vuelve a dejar constancia de su maestría a la hora de captar atmósferas amenazantes, sublimando y embelesando la puesta en escena mediante el adecuado aprovechamiento de los excelentes decorados (el del castillo es de lo mejor que se ha visto en el género) y un sobresaliente trabajo de cámara. Con todo ello, la cinta consigue alumbrar algunos momentos imborrables: el descendente y levitante ataque del conde von Krolock (Ferdy Mayne) a Sarah (qué belleza tan perfecta la de la malograda Sharon Tate) mientras la joven disfruta de un baño caliente de espuma, el irónico final y, sobre todo, la alucinante secuencia del baile, en la que un grupo de aristocráticos y pútridos vampiros, ataviados con los restos de lo que otrora debieron ser elegantes galas, ven cómo su decadente y mortuoria danza, acaba siendo interrumpida por dos invitados que no esperaban. (FUENTE: johannes-esculpiendoeltiempo.blogspot.com)
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LA SEMILLA DEL DIABLO (1968)
Reparto principal | Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Sidney Blackmer
Guy Woodhouse y Rosemary Woodhouse son una joven pareja de Nueva York que acaba de mudarse a su nuevo apartamento. Su nueva residencia es un lugar escalofriante, pegado a la casa de una misteriosa pareja de ancianos llamados Roman Castevet y Minnie Castevet. El edificio cuenta con una amplia leyenda de lugar maldito. Pero hay más cosas que les hacen sospechar: Rosemary tiene sueños algo raros y oye ruidos extraños y Guy, por su parte, se vuelve distante y lejano. Cuando la pareja decide tener un bebé, algo terrible sucede: Rosemary logra quedarse embarazada, pero ambos sospechan que no se trata de un embarazo común pues ésta se ha quedado en estado de manera un tanto misteriosa. Además, la mujer comienza a sufrir una paranoia, pues lo único que quiere y desea es que su bebé esté seguro y a salvo, llegando a tal punto que este pensamiento empieza a controlar su vida absolutamente. Pronto Rosemary comenzará a sospechar que sus vecinos tienen planes especiales para su hijo.
Rosemary's Baby sigue siendo una de las obras más terroríficas de la historia del cine por ubicar el miedo en un contexto cotidiano y familiar en el que todos nos podemos reconocer. Polanski administra sabiamente la incursión de elementos intrigantes en la trama (el mueble que la anterior inquilina del apartamento movió para tapar un armario empotrado como si temiese que algo saliera de allí, las alusiones a la “historia negra” del edificio, los cánticos rituales que parecen provenir del apartamento contiguo, el suicidio de la joven que vivía con los Castevet…), que irán in crescendo, con lo que consigue plasmar un progresivo estado de angustia y amenaza que acaba por impregnar a todo el relato en su escalofriante tramo final. (FUENTE: johannes-esculpiendoeltiempo.blogspot.com)
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MACBETH (1971)
Reparto principal | Jon Finch, Francesca Annis, Martin Shaw, Terence Bayler
Al volver de una campaña victoriosa contra los rebeldes del reino escocés, tres brujas se aparecen ante Macbeth y su compañero Banquo y profetizan que el primero llegará a ser rey después de ser nombrado barón de Cawdor y que el segundo no reinará pero engendrará reyes. Cuando la primera parte de la profecía se cumple y Macbeth es nombrado barón, su esposa le insta a que acelere los acontecimientos y éste asesina al rey Duncan mientras duerme. Entonces Macbeth es coronado rey y, ciego por la ambición, decide acabar con la vida de Banquo y su hijo Fleance antes de que esa profecía también se cumpla y el trono vaya a parar a su familia, pero ellos consiguen huir antes de que pueda darles caza. Mientras, los hijos de Duncan, Malcolm y Donalbain, reclutan un ejército en Inglaterra para volver vengar la muerte de su padre.
Tras el asesinato en 1969 de su esposa, Sharon Tate, embarazada de ocho meses y medio, el cineasta Roman Polanski abandonó el rodaje de El día del delfín, que nunca terminó, y pasó dos años de inactividad, tratando de recuperarse de la tragedia. Regresó al cine con esta versión de la obra teatral de William Shakespeare, un tanto oscura y desesperanzada, a tono con el estado de ánimo que debía tener su autor en aquel momento. La sanguinaria matanza de los escoltas del monarca por parte del protagonista, recuerda a la brutal muerte de Tate. Obtuvo en 1973 el premio BAFTA al mejor diseño de vestuario, pero aunque en Inglaterra obtuvo una buena respuesta comercial, en el resto del mundo pasó desapercibida, por lo que al final se convirtió en el primer fracaso en las taquillas del realizador. No obstante, la crítica resaltó con unanimidad la impresionante interpretación de Jon Finch, encarnando al protagonista. (FUENTE: dcine21.com)
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WEEKEND OF A CHAMPION (1972)
Documental
En 1971, Roman Polanski, amante de automovilismo, pasó un fin de semana con Jackie Stewart, campeón del mundo de Fórmula 1, durante el Gran Premio de Mónaco, en el que también triunfó. Polanski tuvo un acceso privilegiado a Stewart, durante 3 días, en el circuito y fuera del mismo. El resultado es un momento excepcional de la intimidad de un atleta superdotado, en la cima de su gloria. Cuarenta años después, Polanski y Stewart se reencuentran y hablan del deporte que tanto ha cambiado con el tiempo, de manera natural, única e incomparable. El documental fue exhibido de forma muy limitada en 1972 (y algún año después, en otros festivales) pero fue rescatado este año para el Festival de Cannes y parece que va a llegar a todo el mundo. (FUENTE: mundodvd.com)
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¿QUÉ? (1973)
Reparto principal | Marcello Mastroianni, Sydne Rome, Hugh Griffith, Romolo Valli
Esta comedia gira en torno a Nancy, una atractiva jovencita americana que se encuentra en Italia de vacaciones. Para recorrer el país va haciendo autostop por las carreteras, y por el momento su viaje está resultando de lo más agradable. Esto cambia cuando en una de sus excursiones por una pequeña población del Mediterráneo, un desalmado intenta abusar de ella. Nancy, aterrorizada, corre hacia un teleférico que hay en la zona y logra escapar de su agresor. Tras unos minutos, observa una imponente mansión cerca del lugar y acude allí para pedir auxilio. Es la lujosa finca de Joseph Noblart, un adinerado anciano que está a punto de morir. Cuando accede al lugar, el guardia de seguridad la confunde con una invitada, así que la deja entrar y le facilita una habitación. A la mañana siguiente, Nancy observa que las personas que están allí son bastante extravagantes, por lo que no tardará mucho en experimentar insólitos comportamientos.
Único film italiano de Polanski, muy personal y de autor puro, pero aun así enmarcado en la historia cinematográfica italiana. ¿Qué? se fija en tres grandes hitos del cine italiano. El neorrealismo que surge en la inmediata posguerra y que lleva por bandera plasmar la realidad tal como es (social, política, económica, cultural). La commedia all´italiana, en los cincuenta y sesenta es su auge, a pesar de su calidad de comedia se desarrolla en los panoramas que retrataba el neorrealismo, aunque se va viciando en los años setenta y ochenta. Apareciendo un género que desciende de la commedia all´italiana pero menos sofisticado, más banal, con algún toque misógino y de carga más erótica, el llamado cine del destape.
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CHINATOWN (1974)
Reparto principal | Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston, Roman Polanski
Jake Gittes es un detective privado que reside al sur de California. Una mujer que se hace llamar Evelyn Mulwray llega a su oficina para pedirle que vigile a su marido Hollis I. Mulwray, quien cree serle infiel. Tras iniciar una investigación, nuevamente, en su oficina aparece otra mujer, que resulta ser la auténtica Evelyn Mulwray. Perturbado por el engaño, Gittes consigue descubrir que la primera impostora se llama Evelyn Mulwray. De repente, el hombre al que le pidió investigar, Mulwray, aparece ahogado en un depósito de agua. Gittes se verá entonces involucrado en una red de mentiras, dobles tratos y engaños que esconden oscuras intenciones y escándalos personales y políticos que tendrá su punto álgido en Chinatown.
Chinatown se estrenó en 1974, en una época marcada por el desencanto social y político. Estados Unidos aún sentía las repercusiones de la guerra de Vietnam y el escándalo de Watergate, eventos que quebrantaron la confianza en las instituciones y generaron un profundo escepticismo. Este ambiente de desesperanza, desconfianza hacia la autoridad y una sensación de crisis moral se reflejan poderosamente en la narrativa de la película. Polanski, quien vivió tragedias personales y políticas, canaliza esas experiencias para crear un retrato de un mundo donde la justicia parece una ilusión. Este contexto histórico es clave para comprender Chinatown como algo más que una simple historia de detectives; es una obra que refleja las heridas de una sociedad en crisis, una sociedad que, como veremos, necesita redención. (FUENTE: www.entrelineas.org/revista)
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EL QUIMÉRICO INQUILINO (1976)
Reparto principal | Roman Polanski, Isabelle Adjani, Melvyn Douglas, Jo Van Fleet
Trelkovsky es un hombre tímido que decide mudarse a una habitación que esconde muchos secretos. Hace un tiempo una joven chica se suicidó tirándose por la ventana. Trelvosky comienza a obsesionarse con la muerte y su víctima rozando la paranoia. Es más, está seguro de que sus vecinos están tramando un plan para matarlo también a él. Incluso cree que la mujer de la que está enamorado, Stella, se ha compinchado con todos aquellos que desean verle muerto. Su mente llegará hasta el límite e incluso adoptará la personalidad de la antigua inquilina.
Aún vista hoy en día, no sorprende en absoluto saber que en su momento el film no tuviera demasiado éxito porque se trata de una película que sigue chocando por su estilo tan grotesco y su empeño en no encuadrarse claramente en ningún género. Aunque tiene elementos típicos de comedia negra y de film de terror, El Quimérico Inquilino nunca se posiciona rotundamente en ninguna etiqueta, y acaba siendo una extraña amalgama con elementos de esos géneros y unas cuantas pinceladas delirantes y surrealistas que acaban de desconcertar por completo al espectador. (FUENTE: elgabinetedeldoctormabuse.com)
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TESS (1979)
Reparto principal | Nastassja Kinski, Peter Firth, Leigh Lawson, John Collin
En plena época victoriana, la vida de una joven y hermosa campesina, Tess Durbeyfield, da un giro brusco cuando su padre la envía a trabajar a Trantige, la casa de los D'Urbervilles, una adinerada familia con la que están emparentados. El objetivo del hombre es recuperar los títulos y riquezas que su familia perdió hace años, pero no sospecha las complicaciones que esa decisión traerá a su hija. En cuanto Tess pone un pie en la casa, el oscuro Alec d’Urberville se fija en ella e intenta seducirla. Pero cuando la joven le rechaza, él no duda en violarla y echarla a la calle. Embarazada y sola, Tess tratará de iniciar una nueva vida, pero el pasado siempre regresa, y en su caso puede costarle el cariño del que será el amor de su vida, Angel Clare.
Aparentemente Tess sería una obra diferente dentro de la obra del artista polaco. Éste no es un film de terror ni de intrigas criminales. Se trata de un drama ambientado en la Inglaterra agraria del siglo pasado. Toda la acción está centrada en la infortunada existencia de una muchacha campesina, Tess (Nastassja Kinski), víctima, a través de sus experiencias sentimentales, de diversas formas de incomprensión e intolerancia. El estilo de Polanski también pareciera experimentar un cambio. Su puesta en escena es aquí reposada, cristalina; las imágenes poseen la bucólica belleza de los paisajes que la cámara registra, apoyada en una factura técnica impecable. (FUENTE: lafuga.cl)
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PIRATAS (1986)
Reparto principal | Walter Matthau, Cris Campion, Charlotte Lewis, Roy Kinnear
El Océano Atlántico, el año 1659. El infame pirata inglés Thomas Bartholomew Red, conocido como Capitán Red, y el grumete adolescente de su barco Jean-Baptiste, apodado "Frog", se pierden en una balsa sin suministros en el océano. Afortunadamente, el Capitán Red y Frog son recogidos por Neptune, un galeón español en ruta a España. Arrojados al calabozo, Red y Frog se encuentran con el cocinero del barco Boomako, encarcelado después de ser acusado de envenenar al capitán del Neptuno, Linares en un supuesto intento de robar el trono dorado, botín del rey azteca Capatec Anahuac. que se transporta en secreto en la bodega del galeón. El Capitán Red se obsesiona con capturar el trono para sí mismo. Mientras tanto, Frog se enamora de Maria-Dolores, la sobrina del gobernador de Maracaibo, que viaja en el Neptuno como pasajera.
Levantar un proyecto cinematográfico de la envergadura de Piratas supuso un quebradero de cabeza para Roman Polanski. Los contratiempos a superar, le superaron y, tras un periodo de preprodución —con el dinero adelantado por Godofredo Lombardo, el dueño de la italiana Titanus Films— y de negociaciones fallidas con Paramount y United Artists, abandonó la producción, cuyo presupuesto inicial se había estimado en ocho millones de dólares, cantidad que el productor italiano no podía asumir, de ahí que buscasen más socios en Hollywood. <<Los ejecutivos se asustaron ante el presupuesto de Piratas que, tras haber sido revisado en Hollywood, alcanzaba la suma de catorce millones de dólares. Además, no querían que dirigiera e interpretara la película y estaban hartos de que Jack Nicholson (Inicialmente, Polański había previsto a Nicholson para el papel del Capitán Thomas Bartholomew Red) exigiera unos honorarios cada vez más altos. El hecho de que hubiéramos cerrado el trato no significaba que hubieran concluido las negociaciones>>, escribió Polanski en su libro de memorias. El hecho de haber llegado a un acuerdo tampoco implicaba que el film fuese a realizarse, al menos no en aquel momento. A las exigencias de los estudios y a las de Nicholson se unió el fantasma de la bancarrota, que convenció al director para aparcar el proyecto y decidirse a rodar en Francia El quimérico inquilino. Durante más de una década, la idea de Piratas quedó aparcada y, cuando pudo llevarla a cabo, ya con Thom Mount, Ben Ámbar y Dino de Laurentiis como socios capitalistas, la propuesta no salió bien, comercialmente hablando. (FUENTE: vadevagos.blogspot.com)
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FRENÉTICO (1988)
Reparto principal | Harrison Ford, Betty Buckley, Emmanuelle Seigner, John Mahoney
Richard Walker es un cardiólogo estadounidense que viaja a París para asistir a una conferencia médica en compañía de su esposa Sondra. Tan solo unas horas después de su llegada, Sondra desaparece misteriosamente sin dejar rastro mientras Richard se estaba duchando en la habitación de su hotel. Sin ninguna pista y con poco interés por parte de la policía francesa, Richard decide buscar a su mujer en soledad y comienza a hacerlo en los bajos fondos de esta ciudad extranjera, en la que se siente un total extraño, con el único fin de encontrar a su cónyuge. Mientras busca a su esposa, Richard se encuentra con una atractiva joven llamada Michelle, que le dice que recogió por equivocación la maleta de su mujer en el aeropuerto. Ésta le ayudará a investigar la desaparición de Sondra, pero la única pista que tienen para encontrar a su esposa es un número de teléfono que está escrito en una caja de cerillas. Sin embargo, nadie está dispuesto a decir una palabra sin nada a cambio. Richard pronto se verá envuelto en un mundo de intriga, espionaje, mafiosos, drogas y asesinatos.
Harrison Ford, en una magnífica interpretación, consigue empapar al espectador de su angustia. El ritmo que imprime el polifacético director Polanski, que firma el libreto con Gérard Brach, es muy inteligente, pues sabe partir de elementos anodinos en el arranque, como un pinchazo de la rueda de un taxi, o el extravío de una maleta, para ir preparando poco a poco el terreno al misterio. No centra todo en la simple acción, sino que nos muestra la desesperación de un hombre normal y corriente que se ve envuelto en un intrincado laberinto de sucesos inexplicables. La música, de Ennio Morricone, subraya la angustiosa trama. Está muy bien resuelto el clímax, junto al Sena en el Puente de la Estatua de la Libertad. (FUENTE: decine21.com)
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LUNAS DE HIEL (1992)
Reparto principal | Hugh Grant, Kristin Scott Thomas, E. Seigner, Peter Coyote
Una pareja británica, Fiona y Nigel Dobson están navegando por Estambul dirección a la India. Una noche se encuentran con una pareja en bar del barco, pronto se ponen a charlar y el marido que se llama Oscar, les empieza a contar la historia de su vida. Él era escritor en Paris y un día en el autobús se enamora de la que es ahora su mujer. Cada día visitarán su camarote para escuchar esa historia de amor tan emocionante.
Tras rodar en Francia, pero bajo producción americana, Frenético, Roman Polanski pasó cuatro años de inactividad antes de adaptar la novela Pascal Bruckner en Lunas de hiel. Apoyado en un tan excelente como ecléctico y llamativo reparto compuesto por Peter Coyote, Emmanuelle Seigner, Hugh Grant y Kristin Scott Thomas, el cineasta polaco se adentra de nuevo, alejado en sus anteriores películas, en una historia de juegos, irónica y sórdida a partes iguales, con una puesta en escena que intenta ser, o parecer, descuidada, sucia, como la propia historia que relata, la cual resulta tan absorbente como, en ocasiones, esencialmente ridícula pero sin llegar a suponer un sonrojo para espectador: esa ridiculez no es otra que la constatación en pantalla de que en ocasiones las pulsiones más animales o sexuales del ser humano pueden serlo hasta extremos brutales. Polanski lo sabe y así lo muestra mediante un estilo seco y directo, sucio y guarro, contrastando esas imágenes con la pulcritud de unos personajes cuyas conductas y sus secretos, también su hipocresía, nos desvelan conductas y emociones ocultas mediante la mirada de un cineasta singular y atrevido. Una película inquietante y entretenida en la que el erotismo surge despojada de toda sensualidad y lleno de toda su enfermedad.
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LA MUERTE Y LA DONCELLA (1994)
Reparto principal | Sigourney Weaver, Ben Kingsley, Stuart Wilson, Jorge Cruz
En un país iberoamericano, durante una noche tormentosa, Paulina Salas espera a su marido Gerardo. Éste llega acompañado. El coche de Gerardo había sufrido un pinchazo, pero pudo arreglárselas con ayuda del doctor Miranda, un desconocido que pasaba por ahí. Así que Gerardo ha decidido ofrecerle refugio en su casa hasta que cese la tormenta. Paulina se queda completamente atónita al ver su rostro. Pues está convencida de que Miranda es el hombre que la torturó cruelmente durante la dictadura militar que hubo en el país.
Unos pocos personajes magníficamente interpretados. Un limitado escenario pero trabajado con elegancia y precisión. Un guion excelente en su construcción y en sus diálogos. Y una personalidad abrumadora tras la cámara por parte de Roman Polanski. Estos son algunos de los elementos que, en su unión, hacen de La muerte y la doncella una de las mejores obras de su director y un excelente película. A partir de una situación algo insólita, Polanski va creando una narración dura, violenta tanto física como piscológicamente, de atmósfera desasosegante, inquietante, en ocasiones incluso molesta. La imposibilidad del olvido, del perdón y, sobre todo, el cuestionamiento moral ante la duda de estar tomando una decisión incorrecta, hacen de La muerte y la doncella no solo todo un espectáculo cinematográfico sino también una lección de cómo realizar una obra política a través de una narración de intriga sin descuidar la puesta en escena creando esa sensación de agobio y de intensidad narrativa que pocos cineastas son capaces de transmitir. De una enorme fisicidad.
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LA NOVENA PUERTA (1999)
Reparto principal | Johnny Depp, Frank Langella, Lena Olin, Emmanuelle Seigner
La afición de Boris Balkan es coleccionar libros satánicos. Como quiere hacerse con dos ejemplares únicos de un manual legendario de invocación satánica: "Las Nueve Puertas del Reino de las Sombras", decide contratar al enigmático Dean Corso para que se haga con ellos. Corso es un bibliófilo empedernido y una persona muy minuciosa en su trabajo, que nunca pierde los nervios. Sin embargo, el viaje que iniciará pondrá a prueba su estoica profesionalidad, sumergiéndose en una oscura trama llena de laberintos sin salida, peligros aterradores y muchas sorpresas inesperadas.
Roman Polanski, estaba sin hacer cine desde 1995. Hizo suya esta obra de Pérez Reverte en la que logra una buena ambientación, maneja a los personajes con gran esmero y consigue el efecto deseado. El guión, que traslada los hechos a la actualidad, dota al film del interés necesario. Logra entusiasmar al espectador por la inteligencia y la agudeza con que desarrolla su protagonista la acción para desvelar los misterios que encierran los tres libros que, unidos, dan con la solución del satánico crucigrama. Una realización estupenda, muy clásica, con un ritmo narrativo lento pero seguro, y una lograda interpretación de todos en general que da con el tipo de actor más apropiado para cada personaje. Se envuelve en la bella y enigmática música de Wojciech Kilar, el autor de la partitura de 'Drácula'. (FUENTE: www.cineymax.es)
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EL PIANISTA (2002)
Reparto principal | Adrien Brody, Thomas Kretschmann, Frank Finlay, Maureen Lipman
El pianista polaco de origen judío Wladyslaw Szpilman vive en su Polonia natal junto a su familia cuando en 1939 los nazis invaden su país. A partir de ese momento será testigo de la creación del Ghetto de Varsovia, la deportación y exterminio de los judíos europeos por parte de los nazis. El protagonista atravesará las experiencias del Holocausto y luchará por su supervivencia –buscando huir del Ghetto- gracias a la solidaridad de la resistencia. La película propone examinar el Holocausto -durante la Segunda Guerra Mundial- destacando las formas de discriminación, los métodos de persecución, la creación y funcionamiento de espacios concentracionarios y los intentos de aniquilamiento por parte de los nazis. Al mismo tiempo, el filme muestra las formas de resistencia ante el genocidio.
Roman Polanski debe ser el director de cine cuya vida se ha topado más veces con el horror. De niño acabó en el gheto de Varsovia, del que consiguió escapar. Vivió escondido en una granja hasta el final de la guerra. Pero parte de su familia no tuvo tanta suerte: su madre murió asesinada en un campo de exterminio... Debe resultar difícil convivir con semejantes fantasmas del pasado, lo que explicaría por qué el cineasta no abordó el Holocausto en una película hasta el 2002, cuando ya se acercaba a los setenta años. 'El pianista' se basa en el libro homónimo y autobiográfico de Wladyslaw Szpilman. Partir de una obra ajena facilitó al director acercarse de forma tangencial al horror que él mismo había conocido. En Szpilman encuentra Polanski a otro superviviente solitario sin vocación de héroe al que además puede explicar a través de la situación que mejor controla cinematográficamente: el encierro claustrofóbico que deriva en locura. Así, el polaco se enfrentó al siempre espinoso tema de la Shoah sin abandonar sus obsesiones temáticas y estilísticas. Sin embargo, la responsabilidad hacia un asunto que afectó a millones de personas le comportó renunciar a llevar a cabo un film personal hasta las últimas consecuencias. Y vistió 'El pianista' con todos los ropajes de las producciones destinadas a ganar premios y conmover a grandes audiencias, desde la emotiva banda sonora a la pulcra reconstrucción en estudio (alemán) del gueto polaco.
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OLIVER TWIST (2005)
Reparto principal | Barney Clark, Jeremy Swift, Ian McNeice, Ben Kingsley
En el siglo XIX, un niño huérfano, conocido sólo como Oliver Twist, nace en un asilo inglés y se traslada a la granja de la parroquia. En su noveno cumpleaños, lo llevan al asilo, donde él y los niños residentes son maltratados y desnutridos. Los chicos seleccionan a Oliver para pedir más comida en la próxima comida, lo cual él hace. Esto da como resultado que Oliver sea castigado y luego ofrecido. Lo envían al fabricante de ataúdes, el Sr. Sowerberry, cuya esposa y aprendiz principal, Noah Claypole, siente una aversión instantánea por el recién llegado. Después de un violento enfrentamiento con el aprendiz mayor Noah, y una golpiza posterior por llamar mentirosa a la Sra. Sowerberry, Oliver, sabiendo que su vida allí solo empeorará más, se escapa del lugar al día siguiente. Una semana después, llega a Londres, descalzo y sin un centavo, y conoce a Jack Dawkins, o " The Artful Dodger ", un joven ladrón que lleva a Oliver a Saffron Hill, que comparte con otros carteristas adolescentes y su excéntrico líder anciano, Fagin.. Pronto, Oliver está siendo preparado para unirse a su pandilla. En su primera salida con los carteristas, Oliver es acusado falsamente de robo, pero un testigo demuestra su inocencia. La víctima, el rico señor Brownlow, se compadece. Creyendo que Oliver es inocente, Brownlow lo adopta informalmente, dándole ropa nueva y fresca y la promesa de una buena educación.
Pese a que el nombre de Roman Polanski está asociado al thriller y el cine de terror, su gusto por la estilización grotesca a veces toma una forma más juguetona y cómica como en ‘El baile de los vámpiros' (1967) y ‘Piratas' (1986). Su adaptación de la novela de Charles Dickens ‘Oliver Twist' nace de su deseo por hacer un "filme familiar" que sus propios hijos pudiesen ver y, aunque el material de origen es muy conocido, él le da un giro bastante fresco y novedoso. Evitando cualquier parecido con la sentimental adaptación musical llevada a cabo por Carol Reed en ‘Oliver!', Polanski opta por mezclar el humor enérgico con la denuncia de los terribles abusos y penurias sociales testimoniadas por Dickens. El filme es un intento decente y atractivo por capturar el ambiente lúgubre y, a su vez, el empeño por la alegría -una dicotomía muy común en la cultura británica populista-. Y, como sucede siempre en el cine de Polanski, el trabajo de puesta en escena lo abarca todo, desde la interpretación hasta el decorado y el vestuario.
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CHACUN SON CINÉMA (2007)
La película es una colección de 34 cortometrajes, cada uno de tres minutos de duración, dirigidos por 36 reconocidos cineastas. Representando a cinco continentes y 25 países, los realizadores fueron invitados a expresar "sus estados mentales del momento inspirado por la sala de cine
Lista de directores | ROMAN POLANSKI, Jane Campion, Theodoros Angelopoulos, Olivier Assayas, Bille August, Jane Campion, Youssef Chahine, Chen Kaige, Michael Cimino, Ethan Coen, Joel Coen, David Cronenberg, Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Manoel de Oliveira, Raymond Depardon, Atom Egoyan, Amos Gitai, Alejandro González Iñárritu, Hou-Hsien Hsiao, Aki Kaurismäki, Abbas Kiarostami, Takeshi Kitano, Andrey Konchalovskiy, Claude Lelouch, David Lynch, Ken Loach, Nanni Moretti, Raoul Ruiz, Walter Salles, Elia Suleiman, Tsai Ming-liang, Gus Van Sant, Lars von Trier, Wim Wenders, Wong Kar-Wai y Zhang Yimou.
En 2007 se celebró el 60 aniversario del Festival de Cannes y, para celebrarlo, se reunieron en esta película 33 cortometrajes dirigidos por cineastas de todo el mundo. Como suele suceder en estos casos el resultado varía mucho de una pieza a otra. El punto de partida del proyecto, sin embargo, hace que se trate de una película casi ineludible para los amantes del cine pues el nexo que une a todos los cortos es precisamente este: el amor por el cine.
Todas las historias cuentan con un nexo común, que es el hecho de tener como trasfondo una sala de cine, con una temática que obviamente está relacionada con lo cinematográfico y desde la que a veces se homenajean ciertos títulos memorables de la historia del séptimo arte, se hacen alusiones directas al Festival de Cannes, recuerdan actores o directores, o se intenta recrear el sentido más profundo de la relación del espectador con el cine, algo que desde varios cortometrajes se consigue transmitir.
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EL ESCRITOR (2010)
Reparto principal | Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Kim Cattrall, Olivia Williams
El ex primer británico Adam Lang prepara la publicación de sus memorias con ayuda de un 'negro'. Pero éste aparece ahogado en la costa estadounidense, cerca de donde Lang tiene una espléndida mansión. Todo apunta a una muerte accidental, y pronto llega el relevo, otro 'negro' dispuesto a dar forma a las parrafadas escritas por el político. El comienzo de su labor coincide con una convocatoria del Tribuna Internacional de La Haya para Lang, por supuestos crímenes de guerra durante la guerra de Irak. El 'premier' retirado despotrica contra los medios y lo que parece una traición de su ministro del Foreign Office, quien cuestiona la postura de Lang en este delicado tema. Mientras, el 'negro' se ve inmerso en una atmósfera artificiosa, donde Lang parece estar perpetuamente actuando, mientras su amargada esposa Ruth le echa en cara su infidelidad con una secretaria.
Adaptación de un best-seller de Robert Harris, el propio autor ha coescrito el guión con Roman Polanski, el director del film. El resultado es un thriller político apasionante, con una atmósfera de conspiración que se prolonga durante todo el metraje, un logro muy meritorio. En manos de otro director la trama de El escritor podía ser absolutamente convencional, pero el cineasta polaco da con el tono –no en vano, ha entregado filmes encomiables de este género, como Chinatown y Frenético–, al que ayuda una inteligente paleta de colores donde domina el gris, cielos siempre cubiertos, con predominio de la lluvia. Polanski logra que nos identifiquemos con el punto de vista del protagonista -un entonado Ewan McGregor-, un escritor acostumbrado a hacer anónimamente un trabajo que suele ser anodino, pero que de pronto se ve inmerso en una complicada maraña de intereses. La sensación de indefensión y falta de control de los acontecimientos es permanente, con lo que la emoción del riesgo está presente en todo momento. Como resulta obligado en un film de este tipo, hay espacio para la sorpresa, pero también para la acerada crítica política, donde tanto Estados Unidos como Gran Bretaña quedan bastante malparados, los primeros como torpes manipuladores en el escenario de la política internacional, la segunda como títere manejado por su poderoso aliado. Es verdad que hay algún truco de guión 'facilón' -sobre todo el viejecillo pescador, cuya opinión invita a dudar acerca de la causa de muerte del primer 'negro'-, pero en líneas generales resulta llamativa la alta calidad de este título netamente comercial; el reparto es impecable, y el modo visual en que resuelve algunos pasajes -por ejemplo, el desenlace-, justifica que Polanski se hiciera merecedor del premio al mejor director en el Festival de Berlín.
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UN DIOS SALVAJE (2010)
Reparto principal | Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster, John C. Reilly
Un dios salvaje cuenta la historia de dos parejas. El hijo de una de ellas, que tiene once años, le ha roto dos dientes al hijo de la otra al golpearle con un palo. Entonces los dos niños se reúnen para tratar de resolver lo más civilizadamente la situación y pedirse explicaciones. Pero lo que empieza siendo una velada muy cordial y políticamente correcta dará lugar a un enfrentamiento explícito en el que todos arremeterán contra todos, y donde los cuatro sacarán el odio y el ansia de dominación que el ser humano lleva dentro cuando se queda atrás el juego de la hipocresía social. La carnicería ha comenzado.
Adaptación de la obra de teatro de Yasmina Reza de 2006, a cargo de ella misma y de Roman Polanski, el director de la cinta. Se trata de una disección implacable de cuatro personajes representativos de la clase culta occidental, que tras unas maneras suaves y unas supuestas cotas altas de razonabilidad, ocultan prejuicios y actitudes ciertamente mezquinas. El enfoque tragicómico es altamente ácido, somos testigos de cómo unos cónyuges que supuestamente se llevan bien, albergan en su interior rencores mil –porque el marido está todo el día pegado al teléfono, sin importarle que ante sus narices tenga asuntos urgentes que atender; porque la esposa sea una maniática perfeccionista, con el corazón apegado a cosas ridículas–, o están atados de pies y manos por las variadas directrices de lo políticamente correcto, que los desconectan del mundo real. Los hábitos culturales, la educación de los hijos, la conciliación de vida familiar y trabajo, la protección de los animales, la ética profesional, son algunas de las cuestiones que salpican los animados diálogos, donde Polanski sabe sacar todo su jugo a despedidas en falso y a alguna que otra sorpresa embarazosa. En ningún momento se trata de ocultar el origen escénico de esta cinta coproducida por Francia, España, Polonia y Alemania, aunque Polanski sabe airearla en el prólogo y epílogo en el parque, o moviendo a los personajes por el apartamento de uno de los matrimonios y el rellano de la escalera, con los amplios ventanales que permiten vislumbrar los rascacielos neoyorquinos. Lo que está claro es que el film es un auténtico regalo para los actores, y no es fácil señalar quién esta mejor del cuarteto que componen, cada personaje tiene sus rasgos peculiares y está perfectamente pillado.
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LA VENUS DE LAS PIELES (2013)
Reparto principal | Emmanuelle Seigner, Mathieu Amalric
En un teatro parisino, después de un duro día de audiciones para el papel del nuevo proyecto, Thomas se lamenta al teléfono por el poco empeño e interés que han mostrado los candidatos que se han presentado. Nadie tiene el nivel necesario para asumir el liderazgo del reparto y Thomas se está preparando para salir cuando aparece Vanda, un torbellino de energía desenfrenada y descarada. Vanda tiene todo lo que odia Thomas. Es vulgar, sin cerebro y no se detendrá ante nada hasta conseguir el papel. Thomas le da una oportunidad para mostrar su talento y Vanda le sorprende con una increíble metamorfosis. Provista de accesorios y disfraces, entiende a la perfección el personaje y ha memorizado cada línea del guion. Mientras la prueba se alarga, la intensidad entre ellos se incrementa y la atracción se convierte en una obsesión para el joven.
En el origen y en el final, el verbo. Resulta como mínimo llamativo que las dos últimas obras de Roman Polanski se refugien en la obra teatral, escenario alejado del artificio cinematográfico y donde la palabra y el cuerpo toman por completo la atención del espectador. Si en Un dios salvaje, el cineasta se apropiaba de la obra de Yasmina Reza para denunciar la hipocresía social de las buenas maneras, en La Venus de las pieles se adueña del texto de David Ibes, basado en la novela de Leopold von Sacher-Masoch y en Las bacantes de Eurípides, para ofrecer una mirada descarnada, impúdica y repleta de verdades en torno a la mínima unidad diálectica: la pareja. En este caso, el hombre es Thomas, un director de teatro interpretado por Matthieu Amalric, a quien no es difícil ver como trasunto del propio Polanski, y la mujer, Vanda, una actriz entrada en años y en carnes, de apariencia vulgar e interpretada por la felina Emmanuelle Seigner (esposa en la vida real del cineasta), quien se planta en la audición del personaje principal de La Venus de las pieles, adaptación para la escena del seminal libro de Masoch que prepara el personaje de Amalric. Entre ellos, y a lo largo de toda la película, el vaivén sensual, sexual, lingüístico será constante; una coreografía en forma de discusión de género con la que Polanski pretende, en última instancia y con una vis cómica inusitada, revelar que no hay nada más imprevisible que el deseo, la mujer, el arte. Y en este sentido, la ambiciosa polisemia de La Venus de las pieles es de tal envergadura que puede producir vértigo; aunque ello no ha de verse como una trampa, sino como un bonito reto. A sus 80 años y con el bagaje de una vida marcada por la historia y la tragedia, Polanski parece querer celebrarse riéndose de sí mismo y regalando una gran película a una gran compañera, Seigner. Chapeau.
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BASADA EN HECHOS REALES (2017)
Reparto principal | Eva Green, Emmanuelle Seigner, Vincent Perez, Dominique Pinon
Delphine es una sensible y atormentada novelista de éxito, paralizada ante la idea de tener que comenzar a escribir una nueva novela. Su camino se cruza entonces con el de Elle, una joven encantadora, inteligente e intuitiva. Elle comprende a Delphine mejor que nadie, y pronto se convierte en su confidente. Delphine confía en Elle y le abre las puertas de su vida. Pero ¿quién es Elle en realidad? ¿Qué pretende? ¿Ha venido para darle un nuevo impulso a la vida de Delphine o para arrebatársela?
Un tema tan eminentemente cinematográfico como es la creación literaria ha encontrado lógicamente eco en muchas películas, lo cual no significa que el éxito esté asegurado. Muchas veces aporta perspectivas complejas y enriquecen la narración –Animales nocturnos–, sin embargo muy menudo la mezcla entre realidad y ficción se cobra víctimas, véase por ejemplo el fiasco de En tercera persona. Lamentablemente Basada en hechos reales parece estar más cerca del segundo caso. Rodada con oficio y el ritmo adecuado, Roman Polanski evita en su película derroteros fáciles que podrían haber derivado hacia la sordidez o la violencia. Prefiere que sea la atmósfera de creciente inquietud la que vaya copando protagonismo. Pero quizá el director polaco ha equivocado esta vez el tono de su film. El caso es que debido a ese enfoque la trama nunca resulta creíble, mientras que el retrato de Ella y sus tejemanejes chirría por todos lados desde el principio, de modo que el espectador se dice así mismo que el guión ocultará algún giro, que las cosas no pueden ser tan obvias, tan simplonas. Y resulta que no, que la impostura lo es todo. Por segunda vez consecutiva rueda Polanski con su mujer, Emmanuelle Seigner, después de la notable La Venus de las pieles, película intimista, también muy literaria y con escasez de personajes. Aquí la actriz es con mucho lo mejor del film, convincente al mostrar los fantasmas de los artistas, los miedos y peligros que les invaden al enfrentarse a cada nuevo desafío creativo.
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EL OFICIAL Y EL ESPÍA (2019)
Reparto principal | Jean Dujardin, Louis Garrel, Emmanuelle Seigner, Mathieu Amalric
Francia, 5 de enero 1895. El capitán Alfred Dreyfus, un joven oficial judío, es degradado por espiar para Alemania y condenado a cadena perpetua en la isla del Diablo, en la Guayana Francesa. Entre los testigos que hacen posible esta humillación se encuentra el coronel Georges Picquart, encargado de liderar la unidad de contrainteligencia que descubrió al espía. Pero cuando Picquart descubre que se siguen pasando secretos militares a los alemanes, se adentrará en un peligroso laberinto de mentiras y corrupción, poniendo en peligro su honor y su vida.
El llamado “Caso Dreyfus” es uno de los hechos más vergonzantes de la historia del ejército francés, cuya repercusión fue mucho más allá de lo estrictamente militar y se extendió a todos los estamentos de la sociedad. Más de un siglo después, aquella vileza antisemita perpetrada contra un oficial del ejército, condenado injustamente, sigue siendo un perpetuo e ignominioso recordatorio de lo que hay que evitar. La historia del Caso Dreyfus nunca pasará de moda porque habla de cosas que siempre estarán presentes en el mundo mientras haya seres humanos: los prejuicios, el odio, la cobardía y la injusticia contra el inocente, pero también la búsqueda de la verdad, la valentía, el heroísmo y el poder de la conciencia. Con una dirección académica pero no por eso tediosa, Polanski ofrece una trama que atrapa, basada en la novela de Robert Harris (coautor también del guión), que habla de la entereza de algunos corazones y la mezquindad de otros y de cómo un hecho aislado puede dividir a una sociedad entera y mostrar su verdadero rostro, a veces vergonzoso. El ritmo no se pierde nunca y seguimos con interés a Picquart en sus andanzas, en su misión de ir uniendo piezas y encontrar pruebas, mientras visita a unos y otros personajes, militares, abogados, amigos e incluso acudiendo al cuarto poder con literatos como Émile Zola, quien tomó serio partido por Dreyfus en su célebre artículo “Yo acuso”, desencadenante social de la crisis. La ambientación y la fotografía, casi siempre en interiores, son excelentes, así como la adecuada banda sonora de Alexandre Desplat. Y es un acierto retratar al protagonista muy alejado del maniqueísmo. Picquart no es precisamente un dechado de virtudes, como le dice con sutileza su amante, y tampoco siente una especial inclinación por el condenado Dreyfus (más bien se muestran claramente distantes en las dos escenas en que se encuentran). Pero no es eso lo relevante en El oficial y el espía: La verdad y la justicia nada tienen que ver con apreciaciones subjetivas. Todo el peso del film recae prácticamente en Jean Dujardin, que hace una composición muy correcta y oficial.
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EL PALACIO (2023)
Reparto principal | Mickey Rourke, Oliver Masucci, Fanny Ardant, John Cleese
La noche del 31 de diciembre de 1999, al despuntar el nuevo milenio, se cruzan los destinos de varios huéspedes y empleados de un hotel de los Alpes suizos. El Hotel Palace es un extraordinario castillo construido a principios del siglo XX y situado en medio de un valle nevado de Suiza. Cada año recibe a huéspedes ricos de todo el mundo en este ambiente gótico y de cuento de hadas. En vísperas del año 2000, todos ellos se han reunido para un acontecimiento irrepetible. Hansueli, el director del hotel, controla al personal antes de que lleguen los huéspedes y les advierte de que, aunque éste será el comienzo del nuevo milenio, no será el fin del mundo. Pero en realidad, está a punto de librarse una guerra por los caprichos y excentricidades de los huéspedes del hotel.
Entretenido divertimento de Roman Polanski, que maneja un guión escrito por él y por sus compatriotas polacos Jerzy Skolimowski y Ewa Piaskowska. Se trata sin duda de una obra menor, pero plenamente disfrutable, no se entiende el vapuleo al que la ha sometido parte de la crítica, a no ser que estemos en la enésima manifestación de la cultura de la cancelación. El humor de esta sátira sobre la frivolidad de las clases pudientes, a las que les sale el dinero por las orejas y no saben qué hacer con él mientras ambicionan amasar más y disfrutar del vacuo lujo, es alocado, y quizá bastante eslavo. Puede que a parte del público le cueste entrar en esta mordaz farsa, pero resulta innegable el magnífico ritmo que imprime el director a la narración, y su capacidad por dotar de unidad a una historia coral, con muchísimos personajes y momentos surrealistas. E incluso cuando la cosa se mueve por el filo de la navaja de la zafiedad, se logra mantener una cierta elegancia en el tono, o al menos me lo parece. Tiene mucho mérito el trabajo de Oliver Masucci como el gerente, porque de algún modo él es anfitrión no sólo de los huéspedes que van llegando al Palace, sino también del espectador que va entrando poco a poco en la historia. Pero todo el reparto internacional está muy bien escogido, y justificadas las distintas nacionales por el carácter de la trama. Así tenemos al británico de los Monty Python John Cleese, a la francesa Fanny Ardant, al estadounidense Mickey Rourke, al portugués Joaquim de Almeida, junto a muchos otros nombres menos conocidos, que se desempeñan bien, incluso en los papeles más secundarios.
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Premios y nominaciones
Año | Categoría | Película | Resultado |
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1964 | Mejor película de habla extranjera | El cuchillo en el agua | Nominado |
1969 | Mejor guion adaptado | Rosemary's Baby | Candidato |
1975 | Mejor director | Chinatown | Candidato |
1981 | Mejor director | Tess | Candidato |
2003 | Mejor director | El pianista | Ganador |
Mejor película | Candidato |
Año | Categoría | Película | Resultado |
---|---|---|---|
2003 | Mejor película europea | El pianista | Ganador |
1980 | Mejor director | Tess | Candidato |
1974 | Mejor director | Chinatown | Ganador |
1968 | Mejor guión | Rosemary's Baby | Candidato |
Año | Categoría | Película | Resultado |
---|---|---|---|
2002 | Mejor película europea | El pianista | Ganador |
Año | Categoría | Película | Resultado |
---|---|---|---|
2011 | Mejor guión adaptado | Un dios salvaje | Ganador |
Año | Categoría | Película | Resultado |
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2002 | Palma de Oro | El pianista | Ganador |
Año | Categoría | Película | Resultado |
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1962 | Premio FIPRESCI | El cuchillo en el agua | Ganador |
1993 | León de Oro a la trayectoria | - | Ganador |
2011 | Leoncino d'Oro Agiscuola | Un dios salvaje | Ganador |
2019 | Gran Premio del Jurado | El oficial y el espía | Ganador |
Año | Categoría | Película | Resultado |
---|---|---|---|
1965 | Oso de Plata. Premio extraordinario del jurado | Repulsión | Ganador |
Premio FIPRESCI | Ganador | ||
1966 | Oso de Oro | Callejón sin salida | Ganador |
Superviviente. Luchador. Controvertido. Polémico. Cosmopolita. Apátrida. Talentoso. Polifacético. Genial. Empleemos el epíteto que queramos para definir a Roman Polanski. Polanski está por encima de cualquier calificativo explicativo, pues todos serían incompletos y reduccionistas, tanto para definir su obra como su vida, ambas indisolublemente unidas. No obstante el objetivo de este libro no es otro que tratar de ofrecer al lector todo cuanto he podido saber sobre lo que se esconde detrás del nombre Polanski. Que es mucho. “Po-lans-ki.” Cuando alguien escucha las sílabas de este nombre enseguida lo identifica con un director de cine o, cuando menos, con alguien vinculado al cine o al mundo de la fama y el espectáculo. Si alguien dice estar escribiendo un libro sobre Michael Haneke o Soshei Imamura muchas personas no cinéfilas responderán “¿sobre quién?”, más si se afirma que se escribe sobre Polanski prácticamente todo el mundo sabe de quién se está hablando. O creen saber de quién.
El libro está agotado y descatalogado. Tu web está muy bien y ese monográfico es impresionante.
Lo divulgaré en redes. Un abrazo y gracias por la confianza
en el cine polaco de los 60
En esta investigación se propone un análisis de la situación de cambio que experimentó el cine polaco en la década de1960 a través de la película El cuchillo en el agua (1962) de Roman Polanski. Aunque el cineasta solo realizó este largometraje en su país de origen, significó la semilla de una nueva manera de aproximarse al cine en Polonia, alejada del compromiso social y la obsesión por las secuelas de la Segunda Guerra Mundial imperante en la anterior generación, la llamada ‘escuela polaca’, integrada por grandes cineastas veteranos como Andrzej Wajda, Andrzej Munk o Jerzy Kawalerowicz. También descubriremos como el cineasta Wajda será en gran medida el configurador de las dos generaciones, en el primer período como gran iniciador y en el siguiente como maestro de los jóvenes cineastas que empezaban a despuntar, buscando nuevas vías expresivas. Debido al papel iniciador y rompedor de la película El cuchillo en el agua y a raíz de su éxito en el extranjero se produce la eclosión de la ‘tercera generación’, cuyos integrantes darían un nuevo período de esplendor al cine de su país y conseguirían su introducción en el gran panorama cinematográfico internacional. Los nuevos cineastas mostraban un interés mucho más cosmopolita, más centrado en las preocupaciones del individuo moderno, como la incomunicación, la soledad y la alienación del ser humano en una sociedad bulliciosa y avasalladora. Los dos grandes artífices de este nuevo cine serán Roman Polanski y Jerzy Skolimowski. El objetivo final del articulo será marcar las claves del relevo generacional a través de la película de Polanski, el papel rompedor de la nueva generación y el cambio de paradigma en un cine que parecía anclado en el trauma de la guerra y sus desoladoras secuelas.
La vinculación de una escenografía cerrada y claustrofóbica con respecto a la desequilibrada psique de unas protagonistas femeninas al borde de la locura, es una constante en las películas de Terror Psicológico. Sin embargo, en los films de Roman Polanski, esta constante se convierte en obsesión y lugar común de gran parte de su filmografía. Llegando a crearse una especie de original estilema fundamentado en re-encuadres, oscuras iluminaciones y otras transformaciones arquitectónicas de gran interés y cierta semiología y que podríamos denominar como Poética de lo claustrofóbico. El presente escrito se propone indagar en los significantes y significados que dan unidad a este dispositivo escenográfico-psicológico del director francés, a través del segundo film de su carrera: Repulsión (1965).
en las secuencias oníricas de La semilla del diablo (1968)
El cine de Roman Polanski es uno de los más ejemplos más clarificadores del empleo de la escenografía como catalizador psicológico. En una de sus aportaciones al género cinematográfico del terror psicológico y del fantástico, Rosemary’s Baby (La semilla del diablo, 1968), se consolidan muchas de las constantes audiovisuales que podrían formar parte de dicho mecanismo, que bien podríamos denominar «dispositivo escenográfico-psicológico». Se trata de un sistema estético que parece conformar y unir gran parte del cine del director francés. El presente estudio indagará acerca de dichas operaciones textuales escenográficas, que se erigen como una de las principales bases de la identidad visual del largometraje, especialmente en sus secuencias oníricas, seleccionadas oportunamente para esta disección.
de Roman Polanski: Repulsión (1965) y El bebé de Rosemary (1968)
El presente trabajo se centra en el estudio entre lo “fantástico” y los tránsitos del imaginario femenino en el cine del realizador Roman Polanski, tomando como objetos de análisis las películas Repulsión (1965), y El bebé de Rosemary (1968). En ambas, el desarrollo de la ficción fantástica pone de relieve las experiencias de la alucinación de las protagonistas mientras se hallan en una situación liminal. Una de ellas, la vivencia del aislamiento y la represión erótica en un departamento londinense. La otra, el proceso de la gestación materna en un entorno que la colma de inquietudes. Ellas, en su tránsito liminal, se enfrentan a visiones o alucinaciones que podrían explicarse como productos de un disturbio mental o como manifestaciones de algo sobrenatural, lo que arraiga a ambas películas en el campo de lo “fantástico” propuesto por el teórico Tzvetan Todorov.
caen y La trilogía de apartamentos de Roman Polanski
La gama de géneros con las que ha trabajado el cine de Roman Polanski es tan amplia que cuesta hallar algún estilema que encadene visual y teóricamente su filmografía. Sin embargo, puede que el tratamiento de la escenografía sea dicho elemento unificador. Este escrito indaga sobre esta hipótesis y propone un nombre para este mecanismo cinematográfico: dispositivo escenográfico-psicológico. El objeto de estudio elegido para ello es el cortometraje Cuando los ángeles caen, que fue realizado antes del debut cinematográfico del director. En él, se propone esta lectura y se establecen conexiones estilísticas con tres películas fundamentales, a nivel escenográfico, de su futura filmografía, conocidas como Trilogía de apartamentos.
En 1992 el cineasta Roman Polanski (1933) presentó Bitter Moon (Lunas de hiel), una película que no alcanzó la fama y consideración de otras obras suyas pero que se trata de un título a tener en cuenta tanto por el argumento que plantea como por su factura. La historia de dos matrimonios, uno en crisis y el otro en vías de destrucción, permite una reflexión sobre las consecuencias que pueden tener unas relaciones basadas en el dominio y, dentro de este contexto, aparecen otros elementos como el feminismo y las relaciones sadomasoquistas.
No conocía su página web. La revisaré con más detenimiento porque hay contenidos de mi interés.
Saludos.
Este proyecto fin de máster esta basado en el uso de la imagen filmada como recurso para la enseñanza y el aprendizaje de la historia de las ciencias sociales pero el deseo es convertir ese recurso tradicional, mal usado en muchas ocasiones, en una verdadera herramienta para la enseñanza de la historia en las aulas tanto de la enseñanza secundaria obligatoria como en el Bachillerato tratando no solo los objetivos propios de las ciencias sociales en ambos ciclos de la educación sino también en los temas transversales, la educación para la igualdad y la educación para la paz y educación moral y cívica. Existe, desde hace años, un uso generalizado de las películas, las series de televisión y el documental, como herramientas para acercar al alumnado a realidades tanto históricas como sociales dentro de las aulas. ¿Son correctos los modos en los que se usa el cine en el aula?

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Enlaces de interés
YouTube: Video de Roman Polanski - Películas: Películas de Roman Polanski
Imágenes: Imágenes de Roman Polanski - Videos: Más videos de Roman Polanski
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